martes, 26 de enero de 2010

Descubriendo a Forrester (de Gus Van Sant)



-¿Sabes qué es a lo que más miedo le tiene la gente?
-A lo que no entienden. Cuando no entendemos, nos|apoyamos en nuestras conjeturas.
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"La llave que te abrirá el corazón de una mujer es un regalo inesperado en un momento inesperado".
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Perder familia nos obliga a buscar a nuestra familia. No siempre a la familia que es de nuestra sangre, sino la que puede volverse de nuestra sangre. Si tenemos la sabiduría para abrir la puerta a esta nueva familia, descubriremos que lo que deseábamos del padre que antes nos guiaba, del hermano, que antes nos inspiraba...

Esplendor en la hierba (de Elia Kazan)

El portal sobre cine www.alohacriticon.com tiene una interesante nota sobre la biografía, filmografía y otros datos sobre el cineasta Elia Kazan




ELIA KAZAN
(1909-2003)

Director, productor, guionista, actor y escritor, Elia Kazan (de apellido real Kazanjoglou) nació en Estambul (Turquía) el 7 de septiembre de 1909. A los cuatro años emigró con sus padres, de nacionalidad griega, a los Estados Unidos.

Después de acudir al Williams College y estudiar interpretación en la Universidad de Yale, Kazan se unió al Group Theatre, en donde comenzó su trayectoria como intérprete teatral, que en los años 40 amplió con algunas películas cinematográficas, como “Ciudad de conquista” (1940) o “Blues in the night” (1941), ambos títulos dirigidos por Anatole Litvak.

En 1932 contrajo matrimonio con Molly Day Thatcher y a mediados del decenio comenzó a destacar como director escénico, triunfando en Broadway con adaptaciones de “Un tranvía llamado deseo”, “Muerte de un viajante” o “La gata sobre el tejado de zinc”, en las cuales sobresalía como excelentes director de intérpretes.

Su talento teatral no pasó desapercibido para los estudios de Hollywood, debutando en el cine como director con “Lazos humanos” (1945), versión cinematográfica de la novela de Betty Smith por la cual el actor James Dunn logró el Oscar al mejor actor secundario.

Dos años después de este debut fílmico, Elia creó en Nueva York junto a Lee Strasberg el Actors Studio, vivero de importantes intérpretes significados en la figura de uno de sus actores habituales, Marlon Brando, quienes desarrollaban sus actuaciones mediante el método del director teatral ruso Konstantin Stanislavski.

Sus siguientes películas en los años 40, producidas por Darryl F. Zanuck, conformaron una serie de títulos que consagraron a Elia Kazan como uno de los mejores directores del momento, casi siempre adoptando obras literarias que abordaban temas de importante calado social, como “La barrera invisible” (1947), película con Gregory Peck, Dorothy McGuire y John Garfield que abordaba el antisemitismo, o “Pinky” (1949), drama racial interpretado por Jeanne Crain, Ethel Waters y Ethel Barrymore, tres actrices que serían nominadas a la estatuilla de la Academia de Hollywood.

“La barrera invisible” fue galardonada con varios premios Oscar, entre ellos a la mejor película, mejor dirección y mejor actriz secundaria para Celeste Holm.

Otros títulos rodados por Kazan en este período fueron “El justiciero” (1947), un título de misterio protagonizado por Dana Andrews, y “Mar de hierba” (1947), película con la pareja Spencer Tracy/Katharine Hepburn como estrellas principales.

Los años 50 prosiguieron la excepcional trayectoria de Elia Kazan como director, a pesar del desprestigio sufrido a partir de 1952 entre parte de sus compañeros de profesión por haber delatado a varios de sus antiguos camaradas en el Partido Comunista, al que perteneció durante sus primeros tiempos teatrales.
Ante sus primeras negativas para revelar nombres y tras amenazas y presiones de cercenar su trayectoria profesional en Hollywood, Elia terminó finalmente colaborando con el Comité de Actividades Antiamericanas.
Algunos nombres citados por Kazan fueron los de John Garfield, Lee Strasberg, Lillian Hellman o Clifford Odets.

Con anterioridad a estos tristes sucesos, Kazan había dirigido tres magistrales películas. “Pánico en las calles” (1950), con Richard Widmark, Paul Douglas y Barbara Bel Geddes, la traslación de “Un tranvía llamado deseo” (1951) de Tennessee Williams con Marlon Brando y Vivien Leigh como pareja protagonista, y “¡Viva Zapata!” (1952), biopic de Emiliano Zapata, quien fue encarnado de manera excepcional por su amigo Brando.

Por “Un tranvía llamado deseo” Elia volvió a ser nominado al Oscar como mejor director. La estatuilla fue en esta ocasión para George Stevens por su trabajo en “Un lugar en el sol”.
Vivien Leigh, como mejor actriz principal, y Karl Malden y Kim Hunter, en la categoría de secundarios, sí lograron el premio de la Academia por sus interpretaciones.

Gracias a “¡Viva Zapata!”, película escrita por John Steinbeck, Anthony Quinn consiguió el Oscar al mejor actor secundario. De nuevo Marlon Brando, al igual que en “Un tranvía llamado deseo”, fue nominado pero no logró el galardón, hecho que haría por “La ley del silencio” (1954), una controvertida alegoría que Kazan emplearía para justificar su proceder en la Caza de Brujas.

“La ley del silencio” ganó el Oscar a la mejor película, Eva Marie Saint consiguió el Oscar como mejor actriz secundaria y Elia Kazan alcanzó su segundo premio como mejor director.

En los años 50 también rodó “Fugitivos del terror rojo” (1953), uno de sus títulos menos conocidos y de menor interés, centrado en una diatriba anticomunista protagonizada por Fredrich March y Gloria Grahame; “Al este del Edén” (1954), inspirada adaptación del clásico de Steinbeck que lanzó al estrellato a James Dean y se convirtió en su primera película como productor; “Baby Doll” (1956), escabroso drama de Tennessee Williams con Carroll Baker, Eli Wallach y uno de sus actores fetiche, Karl Malden; o “Un rostro en la multitud” (1957), un estupendo título escrito por Budd Schulberg con Andy Griffith, Patricia Neal y Anthony Franciosa.
Por “Al este del Edén” Elia volvió a ser nominado al Oscar. El ganador en esta ocasión fue Delbert Mann por “Marty”.

Después de tres años sin dirigir, Kazan retornó al cine con “Río Salvaje” (1960), un film co-protagonizado por Montgomery Clift y Lee Remick, continuado por “Esplendor en la hierba” (1961), película romántica con Warren Beatty y Natalie Wood como pareja estelar que le valió un Oscar a William Inge como mejor guionista, y “America America” (1963), cinta nominada al Oscar como mejor film del año.
Esta última película, centrada en una familia de inmigrantes y basada en su propia novela de carácter autobiográfico, también le valió una quinta nominación como mejor director, consiguiendo el Oscar e británico Tony Richardson por “Tom Jones”.

En 1963 falleció su esposa Molly y cuatro años más tarde volvió a casarse. Su nueva esposa fue Barbara Loden.

“El compromiso” (1969), título que volvía a adaptar un texto escrito por el propio Kazan protagonizado por Kirk Douglas, Faye Dunaway y Deborah Kerr, y “Los visitantes” (1972), con Patrick McVey, Patricia Joey y James Woods, fueron dos de los últimos trabajos de este maestro cinematográfico, que se despediría con “El último magnate” (1976), película basada en una novela de Francis Scott Fitzgerald que contaba con un espléndido y extenso reparto encabezado por Robert de Niro, Robert Mitchum, Tony Curtis, Jeanne Moreau, Ray Milland, Donald Pleasance, Dana Andrews o John Carradine.

En 1980 Kazan volvió a enviudar. En el año 1999 la Academia de Hollywood le otorgó un Oscar honorífico.
El 28 de septiembre del año 2003, Elia Kazan, un personaje controvertido pero un auténtico gigante del séptimo arte, falleció a la edad de 94 años.

Películas criticadas

Pinky (1949)
Un tranvía llamado deseo (1951)
Viva Zapata (1952)
La ley del silencio (1954)
Al este del Edén (1955)
Baby Doll (1956)



Killing Zoe (de Roger Avary)


Es una película escrita y dirigida por el canadiense Roger Avary (Manitoba, 1965) y producida por Quentin Tarantino.
El argumento vía Wikipedia:

La película gira en torno a un ladrón de cajas fuertes americano llamado Zed que vuela a Francia para ayudar a un viejo amigo de la infancia, Eric, a dar un golpe en un banco. Cuando llega a París y va de camino a su hotel, un taxista le ofrece a Zed "call girl". Cuando abre la puerta de su habitación del hotel, Zed se encuentra a una adorable parisina llamada Zoe. Zed y Zoe hacen muy buenas migas y se dan cuenta de que, además de a nivel sexual, conectan en muchas otras cosas.

Pero su idilio se ve interrumpido bruscamente cuando Eric irrumpe en la habitación de Zed, echa de la habitación de Zoe, aún desnuda, y arrastra a Zed fuera para que conozca la banda. Eric les explica el plan: el día siguiente es el Día de la Bastilla y todo estará cerrado excepto el banco que planean robar, que es un banco de empresas y abre incluso los días festivos.

Ese día, armados hasta los dientes y siguiendo el plan de Eric ("Entramos, cogemos lo que queremos y nos largamos"), la banda irrumpe en el banco tomando a todo el mundo como rehenes, incluida Zoe que, durante el día, trabaja como secretaria en el banco. La tensión alcanza un punto altísimo, los atracadores pierden el control de la situación con los rehenes, los cadáveres van en aumento y con la policía rodeándoles, el maníaco de Eric le pone la pistola en la cabeza a Zoe en un último esfuerzo desesperado por escapar... ahora Zed debe decidir de qué lado está.

Rápida y mortal (de Sam Raimi)

Western del año 1995 que no me canso de ver, por tener una historia que te mantiene atrapado, amén de un reparto espectacular: Sharon Stone, Gene Hackman, Russell Crowe, Leonardo DiCaprio, nada más.
No soy seguidor de la filmografía de la Stone pero su actuación me parece muy buena, aunque Crowe se lleva muchas palmas con el inolvidable papel del predicador. Los flashbacks de la protagonista nos van mostrando un atroz recuerdo de la infancia que justificará cualquier deseo de venganza.
Título original: The Quick and the Dead




Memorias de África / África mía (de Sydney Pollack)

Con este largometraje el actor y cineasta Sidney Pollack ganó el premio de la Academia a Mejor director y fue también la mejor película en 1985.
Película basada en las memorias de Isak Dinesen (seudónimo literario de la escritora danesa Karen Christence Blixen-Finecke. Actuaciones impecables de Meryl Streep y Robert Redford.
Título original: Out Africa
Año: 1985
Comparto crítica sacada de esta fuente:
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1753.html

Multioscarizada película de Sydney Pollack, que centra su interés en el tratamiento reflexivo sobre las vivencias en África de la danesa Karen Blixen, mujer de la alta sociedad convertida en futura escritora bajo el seudónimo de Isak Dinesen tras sus inolvidables experiencias (románticas, culturales, etcétera) en contacto con el continente africano.

Bellamente fotografiada por David Watking, la película, a pesar de cierta apariencia épica, incide primordialmente en el profundo retrato emocional de su personaje femenino, en base a sus pensamientos vitales, sus relaciones sentimentales y su nueva ligazón con otras perspectivas socioculturales, abordando temas como la ausencia, la necesidad, la definición amorosa o el colonialismo, siendo éste acometido de manera un tanto aséptica.

La historia romántica está abordada de manera madura, con personajes dibujados sin estridencias e interesantes diálogos de cimiento literario que concretan con suficiencia las orientaciones vitales de cada uno.

Al pivotar el interés del film en el énfasis psicológico sobre el personaje interpretado por Meryl Streep más que el desarrollo de una trama al uso, y al emplear para la definición del personaje central un tempo condescendiente a ese tratamiento reflexivo, la película sufre en ciertos pasajes de excesivo tacto contemplativo, lo que puede conllevar cierto alejamiento por parte del espectador que no encuentre el suficiente interés en el semblante femenino descrito ni en la vinculación romántica con el personaje encarnado por Robert Redford.

Junto al espléndido trabajo de Pollack y Watking en la representación natural de Kenia, destaca la excelente partitura del compositor John Barry y la esforzada interpretación de la actriz Meryl Streep.





"Hasta el gramófono se llevaba consigo de safari. Tres rifles, provisiones para un mes y Mozart. Comenzó nuestra amistad con un regalo. Y después, no mucho antes de lo sucedido en Tsavo... me dio otro. Un regalo increíble. Un vistazo del mundo a través de los ojos de Dios. Y yo pensé: ''Sí, puedo ver. Fue creado para que se viera así''. He escrito sobre los otros, no porque los amé menos, sino porque eran más claros, más fáciles. El me esperaba allá. Pero me he adelantado en mi narración. El odiaría eso. A Denys le encantaba un cuento bien relatado".

Hoja de Ruta a los premios Oscar 2010

Antes de que se oficialicen las pelis candidatas al Oscar, comparto esta noticia sacada del diario El Comercio de Lima: Hoja de ruta al Óscar.

El drama de bajo presupuesto ambientado en la guerra en Iraq “The Hurt Locker” fue elegido mejor película en la entrega de premios del Sindicato de Productores de EE.UU.

El ganador de este galardón ha terminado obteniendo el Óscar a mejor película en 13 de los últimos 20 años, incluyendo los dos premios más recientes.

Por otro lado, hubo un período de tres años antes de su racha ganadora más reciente en el que las cintas elegidas por el grupo de 4.200 afiliados no lograron conquistar el premio máximo de la Academia. “The Hurt Locker” ganó el premio Critics” Choice a mejor película, el que ha tenido una tasa de éxito en los Óscar de un 80 % en los últimos 10 años.

Luego de que los organizadores del Óscar decidieron a fines del año pasado elevar la cantidad de filmes nominados a mejor película a 10, el Sindicato de Productores siguió su ejemplo.

Sus otros nominados fueron el reciente ganador del Globo de Oro a mejor drama “Avatar”, “District 9”, “Star Trek”, “Up”, “Up in the Air”, “Invictus”, “An Education”, “Precious” e “Inglourious Basterds”.

Mientras comienza la cuenta regresiva para el anuncio oficial de las nominaciones al Óscar, este 2 de febrero (los premios se entregarán el 7 de marzo), en lo que respecta a las interpretaciones favoritas del 2009, el panorama está más claro que una mañana despejada. Siguiendo el coincidente criterio del Sindicato de Actores de Hollywood y de la prensa extranjera expresada en los Globo de Oro, los inminentes nominados y grandes favoritos al Óscar en el rubro de mejor actor serían Jeff Bridges por “Crazy Heart”, mientras Sandra Bullock es la predilecta a mejor actriz por su papel en “The Blind Side”.

En lo que respecta a interpretaciones de reparto, todo apunta a que Christoph Waltz podría ganar el Óscar a mejor actor de reparto por su papel de refinado villano en “Bastardos sin gloria”. El mismo caso se aplica a Mo” Nique en el plano femenino por sus innumerables premios recolectados por su rol en “Precious”.

En la terna a mejor filme el paisaje es más incierto. Mientras “Avatar” está por convertirse en la cinta más taquillera de la historia, “The Hurt Locker” y “Amor sin escalas” continúan cautivando y ganando premios.

jueves, 21 de enero de 2010

RAILS AND TIES / En las vías del tren (de Alison Eastwood)



La hija de Clint Easwood nos regala su primera película. Un drama que involucra a dos familias. En ambos hogares la madre es la carencia (una elige la muerte mediante un atroz suicidio y la otra está a punto de irse víctima de un cáncer terminal). Una película recomendable. Triste. Con un final que se las ingenia para aparentar una ligera esperanza.

Dirección:
Alison Eastwood

País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 96 min.
Género: Drama
Guión: Micky Levy
Reparto: Kevin Bacon, Marcia Gay Harden, Anise Fuller, Miles Heizer, Jim Cody Williams, John Nielsen.

Copio acá un breve comentario sacado de la net:

"Repleta de profundas y sinceras emociones"
- Kevin Bacon y Marcia Gay Harden realizan una extraordinaria actuación en esta conmovedora película dirigida por Alison Eastwood, donde se relata de manera increíble las crisis y emociones a las que tienen que enfrentarse sus protagonistas. Kevin Bacon interpreta a Tom Stark, un ingeniero ferroviario incapaz de enfrentarse a la enfermedad de su esposa. Un terrible accidente de tren (una mujer va a suicidarse a la línea férrea, con su hijo a su lado como pasajero...) deja a un niño huérfano. Tom decide llevar al niño a su casa y paso a paso consigue acercarse a su mujer abriendo su corazón al niño que necesita la seguridad y protección de una familia ansiosa por recuperar la ilusión.

martes, 19 de enero de 2010

Nación Prozac (de Erik Skjoldbjærg)

Cristina Ricci empieza la película desnuda, sumida en parte de todos sus problemas: una familia disfuncional, una madre que supuestamente espera demasiado de ella y sus continuas y recurrentes depresiones.
He leído muchas críticas negativas respecto a esta película (incluyendo una que dice que lo mejor de la pela son las tetas de Ricci). Me parece una exageración. Nuestra incapacidad para comprender nuestras depresiones ya es un aviso palmario de que nos será mucho más difícil entender las depresiones ajenas.
Sobre todo porque yo sé lo que es ir al psiquiatra para que te suministre drogas legales (o como prefieran llamarlo). Entiendo perfectamente lo de la "casa de las drogas", es más a veces siento que abuso de ellas. Lo de la 'perspectiva' está en veremos (creo que siempre está en veremos)... como las depresiones que pueden irse de un momento a otro y volver mañana sin pedir permiso.
O. Mazeyra








Llamo a esta farmacia la "Casa de las drogas", donde vengo a abastecerme. La Dra Sterling, mi psiquiatra, es mi proveedora. Pareciera que hoy en día todos los doctores proveen de ésto ahora. A veces siento que todos vivimos en una nación de Prozac. Los Estados Unidos de la depresión. Ya no se quién soy. Tengo esta personalidad y está completamente cagada, pero soy yo.
Y me veo a mí misma transformándome en esta persona que hace y dice lo correcto. Pero esa no soy yo (...) Si sólo mi vida pudiera ser más parecida a las películas me gustaría que se me apareciera un ángel, como a Jimmy Stewart en "It's a wonderful life", y me convenza de no suicidarme. Siempre esperé ese momento de verdad para liberarme y cambiar mi vida por siempre. Pero no llega. Las cosas no ocurren de ese modo. Todas las drogas, toda la terapia... las peleas, los enojos, la culpa, las ideas suicidas... todo esto forma parte de un lento proceso de recuperación. De la misma forma en que caí, me puse de pie otra vez. Gradualmente... y repentinamente. Dios sabe que las pastillas no curan todo pero me dieron espacio para respirar, lo que me permitió volver a escribir... sólo que esta vez, no fué como si mi vida ya no dependiese de aquello.


Stepfather / Asesino en casa (de Nelson McCormick)



TITULO HISPANO:Asesino En Casa
GENERO:Terror
TEMÁTICA: Psicopatía, Misterio, Asesinos en Serie
PAIS:Estados Unidos
AÑO:2009
ESTRENO EN CINE:05-02-2010
DIRECTOR:Nelson McCormick
GUION:J.S. Cardone y Donald E. Westlake
INTERPRETES:Adrianne Palicki, Amber Heard, Dylan Walsh, Penn Badgley, Sela Ward y Sherry Stringfield
PRODUCTOR: Robert O. Green, Greg Mooradian, Mark Morgan y Guy Oseary
FOTOGRAFÍA: Patrick Cady



Luego de ver, Rec 2 o Actividad paranormal, me cuesta calificar Stepfather (El Padrastro / Asesino en casa) como una película de terror. Es una historia cargada de suspenso con un inicio bastante interesante. Su final es muy flojo y, por supuesto, deja abierta la puerta para la segunda parte. Sobre 20 puntos le pondría 12 y tal vez estoy siendo generoso. Este es otro remake, la película original data de los años 80. Las actuaciones son muy buenas: sobre todo la del padrastro y de la madre.



Copio un texto sacado del blog Imagen en negativo:
http://imagenennegativo.blogspot.com/2009/12/asesino-en-casa-stepfather.html


Nunca me pareció excepcional, pero entiendo por qué la cinta The Stepfather disfrutó moderado éxito a fines de los ochentas. El ciclo del cine slasher estaba en decadencia, saturado con imitadores enmascarados de Jason Voorhees, cuya idea de "innovación" consistía en emplear nuevos utensilios de cocina para cometer sus asesinatos. Por eso fue refrescante en ese añoso entorno la aparición del "Padrastro", un villano sobrio, realista y perturbadoramente "normal". Además, desde luego, The Stepfather contó con las actuaciones de dos notables intérpretes; en el papel principal el siempre sólido Terry O'Quinn (hoy más conocido como Locke en Lost); y Jill Schoelen como la "chica final", prometedora actriz que algunos aclamaban como la siguiente Jamie Lee Curtis. No se cumplió esa predicción, pero tampoco disminuye el hecho de que el enfrentamiento entre ambos actores generó memorables resultados. Ahora, veintidós años después, le tocó el turno a esa obra semi-clásica para ser re-interpretada bajo el nombre de Asesino en Casa; y aunque logró evadir la profunda mediocridad de otros fallidos re-makes (como Black Christmas o Prom Night), tampoco resultó particularmente interesante o justificada.

La historia sigue básicamente el mismo camino: David Harris (Dylan Walsh) es un maniático asesino obsesionado con tener una familia perfecta, y para lograrlo se casa con mujeres viudas o divorciadas, a las que atrae fácilmente aparentando ser el marido perfecto. Pero cuando su nueva familia lo decepciona, el inestable padrastro los asesina y se muda a otra ciudad, donde el ciclo comienza de nuevo. Al principio de la película presenciamos las consecuencias de su más reciente “decepción”, la cual es rápidamente olvidada cuando David conoce a Susan Harding (Sela Ward), atractiva mujer con tres hijos, uno de los cuales está en un colegio militar. Seis meses después, Harris se ha infiltrado por completo en la familia Harding, y está por casarse con la ilusionada Susan. Entonces Michael (Penn Badgley), el hijo mayor, regresa de la escuela y de inmediato intuye que hay algo raro con su excesivamente afable padrastro. Pero... ¿vivirá lo suficiente para confirmar sus sospechas?

Entre los escasos atributos de esta película está la actuación de Dylan Walsh, quien resulta bastante creíble tanto en su faceta de "padre perfecto" como en la de "asesino serial". En el lado no tan positivo tenemos a Penn Badgley como el blando "héroe" que aparentemente estudió actuación en la Academia de Shia LeBeouf. Y, claro, la ausencia de una atractiva heroína (como en la cinta original) crea la necesidad de nuevo "atractivo visual"... ingrata labor que recae en la guapa Amber Heard, tristemente condenada a interpretar la mayor parte de sus escenas en bikini o ropa interior. Desde luego es atractiva y no niego que me haya gustado verla, pero una estrategia tan obvia y gratuita abarata la película y termina dejando un mal sabor; ¿de verdad era necesario tener tantas discusiones en la piscina? En fin, al menos Sela Ward tiene más suerte como la confiada prometida del villano, pues no cesa de defenderlo a pesar de toda la gente cercana a ella que está desapareciendo.

Incluso si ignoramos la venerable cinta original no veo mucha razón para recomendar Asesino en Casa, excepto para fanáticos obsesivos de Amber Heard y su colección de bikinis. El director televisivo Nelson McCormick hace su debut en la pantalla grande, pero no se esfuerza demasiado por mantener nuestro interés, y como espectador tampoco encontré aliciente para "meterme" en la película. Quizás Asesino en Casa sería vagamente apetecible en televisión por cable, como relleno de una noche de insomnio, pero en el cine no fue muy satisfactoria, ni valió la pena el tiempo invertido en ella. Aunque, por otro lado, puedo culpar a la serie televisiva Dexter por haber establecido un estándar tan elevado en el sub-género de asesinos seriales que ahora me cuesta trabajo aceptar cualquier obra menos ambiciosa o pulida. Como sea, hubiera preferido quedarme en casa, y recomiendo que hagan lo mismo.

lunes, 18 de enero de 2010

Avatar (de James Cameron)

Avatar: "Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos"

Con cada día, mejoran mis sentidos.
Cada día que pasa van mejorando mis sentidos.
Es como el fluir de un arroyo... ínfimos sentidos y sonidos.
Ella siempre habla de la energía
que fluye en animales espirituales,

es realmente difícil de comprender.
No solo se trata de ponerle un ojo a todo allí afuera.
Tienes que escuchar lo que ella te dice
"Trata de ver el bosque"
(...) Traté de entender esta profunda conexión
que la gente tiene con el bosque.
Ella lo denomina como una red de energía
que fluye en todas las cosas con vida.
Ella dice que la energía es prestada
y que un día tienes que devolverla.


Ayer, domingo, por la noche me emocioné al ver el tributo a Martin Scorsese en la Premiación de los Globos de Oro. Entre otras cosas, dijo que "Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos". Y se dio un tiempo para citar a William Faulkner: "El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado". Todo esto al recibir el premio Cecil B. Meville.
Hoy, acabo de ver Avatar, la nueva película de James Cameron (Canadá, 1954), el director de cine de la -hasta ahora, porque precisamente Avatar va camino a desplazarla- película con mayor recaudación en la historia del cine: Titanic.
Dicen que las comparaciones son odiosas, y, además de torpe, sería muy apresurado de mi parte el tratar de decantarme por una de estas películas (recordemos que Cameron ya había entrado con excelencia en las pantallas de nuestras casas gracias a un clásico como Terminator/Exterminador).
Siempre que, con mucho esfuerzo, trato de dejarme llevar por una historia en 3D o con animaciones, parto con una cierta animosidad, que en la mayoría de los casos resulta siendo un velado prejuicio. No pensaba darle una oportunidad a Avatar, pero a Cameron le debo no pocas emociones, algunas lágrimas y muchísimas repeticiones de ese clásico que pasará a la historia del cine y que seguirán viendo de acá a 10 centurias: la historia del Titanic.
La premiación de los Globos de Oro fue el espaldarazo final para apostar por esta película de más de dos horas que, sin duda, vale la pena ver. Historia futurista (acá otro prejuicio, para este realista a rajatabla) sobre un amor entre dos razas distintas: la humana y una raza de otro planeta con un marcado aliento felinesco.
Cameron hace todo lo posible por escapar de un panfleto ecologista y, quizá, uno no sabe si al final lo consigue. Pero, en estos tiempos en que la protección del planeta está tan en boga (de la boca para afuera), la película resulta siendo un gran acierto. Sabe conmover, de manera controlada -aunque a muchos los está haciendo pensar en el suicidio- y, por ratos, nos vemos envueltos en un cine de 'compromiso', si vale el término,
Seguramente Titanic y su atroz realismo (con fechas exactas y un gélido número de muertos, pero con valor agregado determinante de Rose y Jack Dawson) seguirá por encima de Avatar, con su futurismo que -por eso mismo- me resulta tan difícil de hacer mío. Eso no me exime de comprender a todos aquellos muchísimos congéneres que están entrando fuertes depresiones y pensamientos suicidas luego de ver 'Avatar'. (hay que aceptar que otro mundo es posible, ese será un paso importante). Mientras tanto, será mejor dejar pasar un poco de tiempo: días, meses, años. Admito que las secuelas casi siempre son nefastas (Cameron dice que será una trilogía y eso lo puede mandar al desfiladero). Es probable que en los premios Oscar, Cameron la vuelva a romper: lo que no sé es que si, de acá a cien años, Avatar será una película tan valorada como Titanic. Lo que sí sé es que si no captamos el mensaje -porque toda película trae consigo mensaje(s)-, ya no estaremos. Quiero decir, no estarán ni nuestros hijos ni nuestros nietos. Y el cine también habrá muerto.

Acá, hay una crítica de Javier Ocaña, llamada La involución artística, publicada en el diario El País de Madrid:

Cameron revoluciona el cine. Cameron reinventa el cine. Cameron convierte el cine en una nueva experiencia. Son sólo tres de los titulares con los que nos hemos ido desayunando de cuando en cuando gracias a los medios de comunicación de todo el mundo. Todo ello, faltaría más, sin haber visto la película. Avatar, por supuesto.

Pues ya está aquí. Y la supuesta revolución consistía en: a) que hay un nuevo concepto de las tres dimensiones, aunque hagan falta las gafitas de siempre; b) que a diferencia de los anteriores sistemas de captura de movimiento, donde la digita-lización se añade posteriormente, ahora Cameron podía observar directamente en un monitor cómo los actores virtuales hacían de las suyas al tiempo que interactuaban con el mundo digital; c) que la captura de expresiones faciales ha mejorado. Consecuencia: hay un 60% de imágenes generadas por ordenador, y un 40% de acción en vivo. Eso sí, al espectador le dará exactamente igual si Cameron ha podido dirigir mejor a sus actores y criaturas, porque en las secuencias con un buen número de seres humanos en el encuadre (digamos, más de cinco), el concepto tres dimensiones tiene una extraña forma de tomar vida: hay personajes en distintos planos y una buena impresión de fondo, pero los cuerpos son planos, como un mal holograma, casi como un recortable de los niños de hace 50 años.

Los titulares a los que se hacía referencia al principio de la crítica se han repetido a lo largo de la historia del cine desde que los Lumière lo inventaron, aunque éstos no supieran sacarle provecho porque eran unos técnicos y no unos artistas. El sonido, el tecnicolor y el cinemascope también iban a revolucionar el cine. Pero, ¿quién se acuerda hoy de El cantor de jazz, La feria de las vanidades o La túnica sagrada, más allá de su carácter primigenio? El cine lo revolucionaron los hermanos Marx, Hitchcock, John Ford, los neorrealistas, los autores de la nouvelle vague... Ninguno era técnico. Eran artistas.

Porque a Cameron se le ha olvidado la historia que quería contar. O no daba para más. Avatar es una parábola militarista, muy del estilo del director de Terminator y Aliens, disfrazada de pacifismo new age, que pretende cobrar carta de trascendencia a través de la duración. Avatar está protagonizada por unos seres de otro planeta creados por un departamento artístico de dudoso gusto estético y escasa creatividad. Avatar contiene una metáfora contra la invasión de territorios y civilizaciones ajenos, explicitada en dos chistes malos sobre la guerra preventiva. Avatar cuenta una historia de amor interracial con cursilería de folletín. Avatar tiene un aspecto de videojuego perpetuo con el que la audiencia no puede interactuar. Avatar (concepto): en Internet y otras tecnologías de la comunicación, dícese de la representación gráfica que se asocia a un usuario para su identificación. Pero la película es el avatar de Cameron, no el nuestro. Si éste es el camino que va a llevar el cine a partir de ahora, que lo paren, que yo me bajo.

Y aquí la nota sobre los depresivos luego de ver Avatar:

¿Deprimido tras ver 'Avatar'?

AVATAR, la última película de James Cameron, lleva recaudado 40.357.225€ desde el 18 de diciembre que se estrenó y se ha convertido en tan solo tres semanas y media en la película más taquillera de todos los tiempos en España.
Lo de 'Avatar' va camino de convertirse en un fenómeno sociológico. Al margen de las mareantes cifras de recaudación, cuenta la CNN (y subrayo este dato, porque podría parecer que me lo estuviera inventando para llamar vuestra atención) que muchos de los espectadores sufren depresión, incluso experimentan pensamientos suicidas tras ver la película.

Esta afirmación podría dar lugar a algún tipo de comentario jocoso o incluso malintencionado, pues se presta al chiste fácil, pero el tema es serio. Para algunos espectadores, el contraste entre la belleza colorida e idealizado del planeta Pandora y el gris y deprimente mundo real es demasiado fuerte, demasiado brusco. Es tal el realismo del mundo que ha creado James Cameron, sobre todo en la versión en 3D, que muchos dicen sufrir por no poder vivirese mundo fantástico. para siempre en

Los resúmenes de los comentarios que ha reunido la CNN son preocupantes. Hay quien parece haber perdido el sentido de su vida, después de la 'avatarexperiencia', otros buscan ayuda para superar esa especie de 'cuelgue mental' que los ha hecho enamorarse de un mundo de ficción. Todos los mensajes han sido extraídos de la web Avatar Forums que ofrecía consejos para "superar la depresión por el hecho de que el sueño de Pandora es intangible". En poco tiempo esta web recibió más de 1000 mensajes de gente que decía sentirse deprimida, y de otros que se prestaban a ayudar o dar consejos. "Quiero ser un Navi", "El mundo de Pandora es tan perfecto... pero qué hemos hecho nosotros con la Tierra" (lo que hace pensar que, además de crisis existenciales, 'Avatar' ha despertado la conciencia ecologista de algunos).

Fuente: http://blogs.20minutos.es/sinefectos/post/2010/01/13/aadeprimido-tras-ver-avatar-


Scorsese: Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos.

Emotiva fue la presentación de Scorsese en la ceremonia de los Globos de Oro 2010 para recibir el premio Cecil B. DeMille, la presentación estuvo a cargo de Robert de Niro y de Leonardo DiCaprio.



Acá una nota de Canadian Press:

En la presentación de Martin Scorsese con el premio Cecil B. DeMille por su destacada trayectoria en los Globos de Oro, su viejo amigo y colaborador de Robert De Niro encontró una nueva manera de describir el director famoso, el amor obsesivo del cine.

"Marty duerme, bebe y se come la película", dijo De Niro. "He oído que hay videos en el Internet de Marty teniendo relaciones sexuales con la película".

Él continuó la broma con voz ronca: "Una bobina caliente de 35 mm de valores ..."

Estos honores se han convertido en algo viejo sombrero para Scorsese y De Niro. De Niro -que al parecer ha aprendido una cosa o dos de la gran cantidad de comedias que ha hecho en los últimos años- bromeó diciendo que después de 20 años de hacer películas juntos, han pasado los últimos 10 años-, presentando unos a otros con premios".

"Somos como un viejo matrimonio", dijo De Niro. "Hemos construido una vida juntos, tenemos muy buenos recuerdos: sólo que no duermen juntos."

Pero la línea más fina de De Niro podría haber estado preguntando si tal vez el premio fue menor que el hombre: "No puedo dejar de pensar si los tiempos son un poco diferentes, lo orgulloso que Cecil B. DeMille habría sido la de ser honrado con el Premio Martin Scorsese".

Tomando el escenario de una gran ovación en el Salón Internacional del hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, California, el veterano director reconoció que "Goodfellas" no parece tener mucho en común con "DeMille : El Mayor Espectáculo del Mundo".

"Cuando llegué a hacer mis propias películas, no importa lo que parecía, la intención general fue siempre la de aprovechar la experiencia cinematográfica de gran alcance que caracterizan una imagen DeMille", dijo Scorsese.

Elogió "el gran show, el espectacular" de las películas extravagantes DeMille, diciendo que eran "el paisaje común de nuestra infancia."

Sólo Scorsese a su vez, como un premio en un homenaje a su nombre.

Scorsese es un conservacionista de cine bien conocido y que ayudó a lanzar una nueva copia aclamados de Michael Powell y 1948 classic "Emeric Pressburger Las zapatillas rojas" de este año. Él fundó la Fundación de Cine en 1990 como una organización sin fines de lucro dedicada a la preservación de películas.

Agradeció a la Hollywood Foreign Press Association, que pone en los Globos de Oro, por su constante apoyo y contribución a la preservación de películas.

"Como dijo William Faulkner: El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado", dijo Scorsese. "En lo que a mí respecta, las películas de decisiones y la preservación de las mismos son la misma cosa".

Leonardo DiCaprio, quien se unió a De Niro en la introducción, llamada Scorsese "un director y un maestro generoso, maestro paciente", cuyo nombre define el cine.

Aunque 2007 Scorsese ganara el premio por dirigir "The Departed" es un rato largo que viene, ha tenido más éxito en los Globos de Oro, antes de ganar dos Globos de mejor director por "The Departed" y el 2001 con "Gangs of New York". Fue nominado en otras seis ocasiones.

Mientras que el de 67 años de edad Scorsese fue honrado por toda una vida de trabajo en el cine, es tan activo como siempre. Su última película, "Shutter Island", un thriller protagonizado por DiCaprio, será lanzado el 19 de febrero.

Él es también productor ejecutivo de la serie de HBO "Boardwalk Empire", con "Los Soprano" escritor Terence Winter. La serie, a finales de este año, las estrellas de Steve Buscemi y crónicas de la década de 1920 Gangland de Atlantic City.

Recientes ganadores del premio Cecil B. DeMille incluyen Steven Spielberg en 2009, Warren Beatty en 2007 y Anthony Hopkins en 2006.





El diario El País de Madrid informa respecto a los Globos de Oro:

Si los Globos de Oro son la antesala de los Oscar, este volverá a ser el año del autoproclamado Rey del Mundo. James Cameron y su mastodóntica Avatar triunfaron en la 67 edición de los Globos de Oro que otorga la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood en una edición volcada en premiar el cine más comercial y con pocas sorpresas. Mejor Película (Drama) y Mejor Director para la taquillera primera parte de una trilogía ecologista digital en 3D que arrasa en todo el mundo.

En el apartado nacional, ni Penélope Cruz, ni Pedro Almodóvar, consiguieron los galardones por los que estaban nominados. La actriz Mo'nique arrebató a Cruz el Premio a la Mejor Actriz de Reparto por Precious y Michael Haneke se llevó el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera por La cinta blanca.

La sorpresa de la noche hubo que buscarla en la categoría de Mejor Película (Comedia o Musical). La gamberra e irreverente Resacón en Las Vegas de Todd Phillips desbancó a una de las comedias del año, '500 días juntos', y a la gran perdedora de la noche, el musical de Rob Marshall Nine. La película que partía con cinco nominaciones y que podía dar el Globo de Oro a Penélope Cruz, se fue a casa de vacío.

También en Comedia o Musical, Robert Downey Jr, fue reconocido como Mejor Actor por su revisitación afetamínica de Sherlock Holmes y Meryl Streep fue la Mejor Actriz por su papel de revolucionaria de la cocina en Julie & Julia. En las interpretaciones dramáticas, Jeff Bridges fue Mejor Actor por su papel de cantante country venido a menos en Crazy Heart, también Mejor Canción Original, y Sandra Bullock fue la Mejor Actriz por el drama ambientado en el mundo del fútbol americano y basado en hechos reales The Blind Side. Ambas películas están pendientes de estreno en España.

La pedrea de la noche se la repartieron Up de Pete Docter, Mejor Película de Animación y Mejor Banda Sonora y Malditos Bastardos de Quentin Tarantino que dio al austriaco Christoph Waltz el premio a Mejor Actor de Reparto por una interpretación que ya le valió el reconocimiento al mejor actor en el pasado Festival de Cannes. La comedia dramática aeroportuaria Up in the Air, otra de las favoritas, se tuvo que conformar con el premio al Mejor Guión para unos Jason Reitman y Sheldon Turner que no pudieron ocultar al recoger su premio compartido que la relación profesional entre ambos pasa por serias turbulencias.

En el apartado de televisión, por tercer año consecutivo, volvió a triunfar la serie Mad Men que ganó el premio a Mejor Serie de Televisión (Drama). A destacar los premios al reparto de la serie Dexter (Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto) y el reconocimiento a una de las nuevas joyas de la factoría HBO: la película Grey Gardens.

La gala estuvo marcada por constantes llamadas a la solidaridad con Haiti y por las desternillantes salidas de tono del presentador de la gala: Ricky Gervais. El actor de la serie británica The office consumió alcohol en el escenario, lanzó dardos envenados contra Mel Gibson o Meryl Streep y no dudó en publicitar sus DVDs. El momento más emotivo de la gala se vivió con la entrega del premio Cecil B. DeMille al realizador Martin Scorsese. Ovación de toda la sala, sentidos discursos de Robert De Niro y Leonardo Di Caprio, y la sensación de que Scorsese todavía tiene mucho que decir. Ya sea en sus discursos o en su inminente nuevo estreno: Shutter Island.


"Las películas son los recuerdos de nuestra vida.
Tenemos que mantenerlos vivos".
Martin Scorsese

El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado"
William Faulkner

domingo, 17 de enero de 2010

Los Globos de oro 2010

Martin Scorsese

Los Globos de Oros (Golden Globes) son premios de cine y de televisión que otorga anualmente la prensa extranjera acreditada en Hollywood. Instaurados en 1944, estos galardones fueron considerados los más importantes en el mundo del cine y de la televisión, después de los Oscar y de los Emmy, respectivamente, encuentro en Wikipedia que "si bien el número limitado de miembros con derecho a voto ha hecho sospechar a más de un comentarista que estos pueden ser presionados con facilidad -de hecho en 1999 tuvieron que jurar que no cederían a sobornos- y que en realidad la ceremonia es una excusa para reportar beneficios a los ejecutivos de la NBC.

Las nominaciones y los premios se deciden por medio de votaciones realizadas por los periodistas extranjeros en Hollywood. Las ceremonias de entrega son diferentes a las de los otros dos premios, y se celebran durante una cena a la que asisten los nominados y los periodistas, además de algunos invitados.

Se da la circunstancia de que la entrega de los Globos de Oro se lleva a cabo poco antes de la votación final para los Oscar, de forma que los ganadores de Globos de Oro tienen frecuentemente una ventaja adicional para conseguir también un Oscar dado que obligan a los académicos a reparar en los trabajos seleccionados para esta primera.

Los Globos de Oro se entregaban originalmente sólo a las películas de cine. A partir de 1956 se añadieron las categorías de estos premios para las series y películas de televisión".

En la edición de este año, Martin Scorsese recibirá el Premio Cecil B. DeMille. Con producción generosa y excepcional, con títulos, entre otros como, Raging Bull (Toro salvaje, 1980), Taxi Driver (1976), Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo, 1991), etcétera. Acá algunos datos biográficos de este director newyorkino sacados de Wikipedia:

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (nacido en Flushing, Queens, Estado de Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,[1] el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgará el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento."

Aquí tenemos la lista completa de candidatos a los Globo de Oro 2010.

Resumen de Postulaciones por Película

  • Up in the Air - 6 : Mejor Película Drama, Director, Actor Drama, Actríz Reparto (2), Mejor Guión
  • Una Vida de Pasón (Nine) - 5: Mejor Musical, Actor Musical, Actriz Musical, Actriz Reparto, Canción Original
  • Avatar - 4: Mejor Película Drama, Director, Banda Sonora, Canción Original
  • Malditos Bastardos - 4: Mejor Película Drama, Director, Actor Reparto, Guión
  • The Hurt Locker - 3: Mejor Película Drama, Director, Guión
  • Invictus - 3: Mejor Director, Actor Drama, Actor Reparto
  • It’s Complicated - 3: Mejor Comedia o Musical, Actriz, Guión
  • Precious - 3: Mejor Película Drama, Actriz, Actriz Reparto
  • A Single Man - 3: Mejor Actor Drama, Actriz, Canción Original

Candidatas Mejor Película Drama

  • Malditos Bastardos
  • The Hurt Locker
  • Precious
  • Up in the Air
  • Avatar

Candidatas Mejor Película Comedia o Musical

  • Una Vida de Pasión (Nine)
  • Julie Y Julia
  • ¿Qué Pasó Ayer? (The Hangover)
  • (500) Days of Summer
  • It’s Complicated

Candidatas Mejor Película Animada

  • Up: Una Película de Altura de Pete Docter y Bob Peterson
  • Coraline de Henry Selick
  • Lluvia de Hamburguesas de Phil Lord y Chris Miller
  • La Princesa y el Sapo de Ron Clements y John Musker
  • Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson

Candidatas Mejor Película Extranjera

  • Los Abrazos Rotos de Pedro Almodóvar - España
  • La Nana de Sebastián Silva - Chile
  • A Prophet de Jacques Audiard - Francia
  • Baaria de Giuseppe Tornatore - Italia
  • The White Ribbon de Michael Haneke - Alemania

Candidatos Mejor Director

  • Clint Eastwood por Invictus
  • James Cameron por Avatar
  • Quentin Tarantino por Bastardos sin Gloria
  • Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
  • Jason Reitman por Up in the Air

Candidatos Mejor Actor Drama

  • Morgan Freeman por Invictus
  • Jeff Bridges por Crazy Heart
  • Tobey Maguire por Brothers
  • Colin Firth por A Single Man
  • George Clooney por Up in the Air

Candidatos Mejor Actriz Drama

  • Carey Mulligan por An Education
  • Gabourey Sidibe por Precious
  • Sandra Bullock por The Blind Side
  • Helen Mirren por The Last Station
  • Emily Blunt por The Young Victoria

Candidatos Mejor Actor Comedia o Musical

  • Matt Damon por El Desinformante (The Informant!)
  • Robert Downey Jr. por Sherlock Holmes
  • Michael Stuhlbarg por A Serious man
  • Daniel Day Lewis por Una Vida de Pasión (Nine)
  • Joseph Gordon Levitt por (500) Days of Summer

Candidatas Mejor Actriz Comedia o Musical

  • Meryl Streep por It’s Complicated
  • Meryl Streep por Julie & Julia
  • Marion Cotillard por Una Vida de Pasión (Nine)
  • Julia Roberts por Duplicidad (Duplicity)
  • Sandra Bullock por La Propuesta

Candidatos a Mejor Actor Reparto

  • Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria
  • Matt Damon por Invitus
  • Stanley Tucci por Desde Mi Cileo (The Lovely Bones)
  • Woody Harrelson por The Messenger
  • Chistopher Plummer por The Last Station

Candidatas Mejor Actriz Reparto

  • Penélope Cruz por Una Vida de Pasión (Nine)
  • Mo’nique por Precious
  • Julianne Moore por A Single Man
  • Vera Farmiga por Up in the Air
  • Anna Kendrick por Up in the Air

Mejor Guión

  • Sector 9 escrito por Neill Blomkamp y Terri Tatchell

Bastardos sin Gloria escrito por Quentin Tarantino

  • Upin the Air escrito por Jasoon Reitman y Sheldon Turner
  • The Hurt Locker escrito por Mark Boal
  • It’s complicated escrito por Nancy Meyers

Mejor Banda Sonora

  • Avatar compositor James Horner
  • Up: Una Aventura de Altura compositor Michael Giacchino
  • Donde Viven los Monstruos (Where The Wild Things Are) compositor Karen O y Carter Burwell
  • El Desinformante (The Informant!) compositor Marvin Hamlisch
  • A Single Man compositor Abel Korzeniowski y ShigeruUmebayashi

Candidatas Mejor Canción Original

  • Una Vida de Pasión (Nine) - Canción Cinema Italiano por Maury Yeston
  • Avatar - Canción I Will See You por James Horner y Simon Franglen
  • Everybody’s Fine - Canción I Want to Come Home por Paul McCartney
  • Brothers - Canción Winter por U2
  • The Weary Kind - Canción I Will See You por Ryan Bingham y T Bone Burnett

El profesor /Il camorrista (de Giuseppe Tornatore)

Giuseppe Tornatore es un laureado director de cine siciliano. Nació en 1956, en Bagheria (Palermo, Italia). Treinta años después aparecería El profesor (Il camorrista), su primer largometraje. La película se sirve de un tema muy explotado en el cine, pero pocas veces con tanta calidad: la camorra (la mafia). Tornatore es un cineasta cuya obra debe ser seguida con atención, pues una de sus mejores películas, sino la mejor, le da título al presente blog: Cinema Paradiso, una de las mejores películas que he visto en mi vida y que todo el mundo debería ver, esta película aparecería un año despues (sería su segunda película), 1987.
En El Profesor, las primeras escenas ya anuncian una violencia que no tiene límites: un sujeto utiliza a un niño para poder esconcer un arma y realizar un ajuste de cuentas. Años después ese niño, ya hombre, se arrebata al ver cómo un pícaro le toca las nalgas a su hermana Rosaria. Pierde la cabeza y la refriega se le va literalmente de las manos y termina asesinando al sujeto.
Luego lo veremos en la cárcel y ahí se hará conocido como "El profesor". La violencia será el punto de partida para llegar a ser uno de los líderes de la camorra, comprará jueces, lo declararán loco y escapará de una manera bastante 'espectacular' del manicomio. Luego el imperio crecerá a la par de los asesinatos a sangre fría, idas y venidas, una hermana que se convertirá en su mano derecha y una historia que, de pronto, se alarga demasiado. Película a recomendar pero -insisto- que podría haber sido menos larga. Al final, vemos al Profesor encerrado, caminando infatigable y sumido en una locura que no aleja sus pensamientos de la camorra y de su pasado. Sale de la escena y, de pronto, podemos sentir su muerte, que es también la muerte de la película.
He visto en algunas páginas de internet que la gente suele compararla con El Padrino. Es obvio que las comparaciones no son gratuitas pues ambas abordan un mismo tema: la mafia, pero con dos visiones distintas. En el caso de Don Corleone, vemos a un personaje muy humano, al patriarca de una gran familia que no sólo admiramos sino que -siento- uno quiere hacerlo suyo. Con El profesor pasa algo muy distinto, podemos notas a un sujeto inteligente, un líder, pero en ningún momento uno llega a sentir admiración o, acaso, un sentimiento bienhechor.
Es valida siempre una lectura distinta por eso comparto una crítica sacada de http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/633700.html:

Hay una frase de “El profesor” que, para mí, es la más significativa y didáctica de toda la cinta:

“La comorra riformata deve avere tre cose:
Primo: una perfetta organizzazione
Secondo: abbasttanza denaro per poter corrempere i giudici e politici
E terza: La convizione che disponiamo della vita e della morte de tutti quanti”

Estas últimas palabras son las que marcan el principio base de cualquier organización mafiosa: Para alcanzar el dinero y el poder seremos nosotros los que decidan sobre la vida o la muerte del resto.
La auténtica cara de la mafia. Es lo que de forma magistral viene a reflejar esta seria y comprometida película sobre la camorra Napolitana. Lejos de la romántica visión que nos dan Mario Puzo y Francis Ford Coppola de la“Cosa Nostra” Americana, Giuseppe Tornatore nos describe quiénes son y qué motivaciones tienen los integrantes de cualquier organización Criminal. En esta película no verás a un entrañable abuelo, El Padrino, jugando con su nieto en la huerta o declarando delante de sus colegas mafiosos su absoluto rechazo al tráfico de las drogas, mostrando así su carisma como auténtico hombre de honor. No, ni mucho menos porque eso no es sino pura ficción. Un Boss ordenará la muerte de cuantos sean necesarios para obtener el puesto de poder que antes ostentaba otro, disolverá en ácido gente para hacerla desaparecer de la tierra o atentará contra cualquier juez, fiscal, testigo o policía que intente impedir su ascenso al poder.

No estoy haciendo un comparación entre las películas “El padrino” o “El profesor”, dado que son dos mundos diferentes y que la cinta de Coppola le lleva años luz respecto a la narración, diálogos e interpretación a esta última. Pero sí rompo una lanza en favor de la obra de Tornatore porque me parece más justa. El mensaje de ésta es mucho más comprometido respecto al trágico problema social que supone la existencia de organizaciones mafiosas en determinados territorios.
Cuando acaba la cinta de Coppola a todos nos gustaría ser el Padrino.



El cabo del miedo/Cabo de miedo (de Martin Scorsese)


-Tú eres el tipo que ha estado merodeando la casa. El que mató al perro de mi mamá.
-¿Mataron al perro?
-Sí.
-No lo sabía.
-Qué lástima. Qué desgracia.
-Sí, es verdad.
-¿De qué raza era?
-No sé. Era... Era lanudo.
-¿Lanudo?
-¿No fuiste tú?
-Por supuesto que no. Yo no haría eso.
-¿Entonces qué haces aquí?
-Para ser franco, vine a conocerte.
-¿Por qué?
-Porque... quería conocerte, ver cómo eras.
-Veo que eres amable. ¿No me harás daño?
- En absoluto. Aquí no hay daño, Danielle. Entre nosotros, no hay furia, nada. Sólo buscamos la verdad.Cuando me viste fumando marihuana, ¿te enojaste conmigo?
-No.
-Pero tus padres sí. Se enojaron mucho contigo. Te castigaron por sus pecados.
-¿Qué hicieron?
-Gritaron... muchísimo. Mamá se echó a llorar. Y papá me prohibió que manejara el "jeep".
-Te castigaron por sus pecados. Estás ofendida y es natural. El profesor te va a dar un consejo. No los condenes. No los juzgues. Perdónalos porque no saben lo que hacen.
- ¿Por qué odias a mi papá?
- No lo odio. En absoluto. Rezo por él. He venido a ayudarlo. Digo, todos cometemos pecados, Danielle. Como tú y yo. Pero al menos tratamos de admitirlos. ¿No es así? Pero tu papá no. Todos llevamos un círculo del infierno como una aureola. Tu papá también. Todos. Todos tenemos que cruzar el infierno para llegar al paraíso. ¿Sabes qué es el paraíso? La salvación. Tu papá no es feliz. Tu mamá no es feliz. ¿Y sabes una cosa? Tú no eres feliz. ¿Verdad?
- No, no lo soy.
Anoche pensaste en mí, ¿verdad?
- Sí, es verdad.
- Lo sé. Creo que tal vez haya encontrado una compañera. Una compañera para esa larga jornada.
¿Te molestaría si te abrazo?
-Está bien. No, no me molesta.

EL CABO DEL MIEDO es una película de Martin Scorsese (un remake) protagonizado por Robert De Niro, en donde las escenas más perversas pueden convertirse en un erotismo avasallador. Película violenta, salvaje, sobre el odio, el rencor, los ajustes de cuentas y la incapacidad de los ex reos para insertarse de nuevo en la sociedad.
Un fragmento de Wikipedia:

"Cape Fear / El Cabo del Miedo es una película estadounidense de 1991, de suspenso dirigida por Martin Scorsese, con Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis, Joe Don Baker, Robert Mitchum y Gregory Peck en los papeles principales. Es un remake del filme homónimo de 1962. Estuvo nominada a los Premios de la Academia por Mejor Actor Principal (Robert De Niro), y Mejor Actriz de Reparto (Juliette Lewis). La música fue compuesta por Elmer Bernstein".

Está vivo (de Josef Rusnak)



Un chica queda embarazada pero todavía tiene muchos planes en su vida profesional, entonces su mejor amiga la asiste para planificar un aborto bastante traumático que finalmente no tiene el resultado esperado (el bebé, o el resultado de un aborto fallido nace y empieza una ola de muertes). He leído que se trata de un remake que es una pérdida de tiempo, escenas bobas y que en vez de llamar al terror invocan a una risotada.
Nada que rescatar. Mejor copio un texto sacado de www.klownsasesinos.com:

Cuando una joven se entera de que está embarazada, deja la universidad para irse a vivir con su novio y tener el bebé. Pero la felicidad de la nueva familia, se tambalea cuando comienzan a aparecer animales y personas brutalmente asesinadas; todo con una estraña conexión con el recién nacido. ¿Puede ser el bebé, el monstruo responsable de las salvajes muertes?

Esta vivoEsta vivo

De nuevo, un insufrible remake hizo que perdiera mi tiempo. 'Está vivo/ It's Alive' (2009) de Josef Rusnak, despertó en mí una mínima esperanza de ver al menos algo decente, que volvió a hacerme caer en la trampa de las innecesarias revisiones. La cinta original, dirigida por Larry Cohen en 1974, una de las pequeñas joyas de esa década, ofrecía un punto de vista muy diferente. Así, de entrada, y teniendo frescas ambas versiones, decir que hay una diferencia abismal entre una cinta y otra. Mientras la original trata el tema más profundamente y sin necesidad de mostrar grandes cantidades de hemoglobina, centrándose más en el drama, el misterio y la controversia que despierta en la sociedad el terrible suceso inicial, la cinta que nos propone Josef Rusnak, es todo lo contrario, y solo va a mostrar lo que vulgarmente podríamos llamar como 'chicha', es decir, una sucesión de secuencias donde la sangre sin sentido toma protagonismo.

Esta VivoDe nuevo, un insufrible remake hizo que perdiera mi tiempo. 'Está vivo' (2009) de Josef Rusnak, despertó en mí una mínima esperanza de ver al menos algo decente, que volvió a hacerme caer en la trampa de las innecesarias revisiones. La cinta original, dirigida por Larry Cohen en 1974, una de las pequeñas joyas de esa década, ofrecía un punto de vista muy diferente. Así de entrada, y teniendo frescas ambas versiones, decir que hay una diferencia abismal entre una cinta y otra. Mientras la original trata el tema más profundamente y sin necesidad de mostrar grandes cantidades de hemoglobina, centrándose más en el drama, el misterio y la controversia que despierta en la sociedad el terrible suceso inicial, la cinta que nos propone Josef Rusnak, es todo lo contrario, y solo va a mostrar lo que vulgarmente podríamos llamar como 'chicha', es decir, una sucesión de secuencias donde la sangre sin sentido toma protagonismo.  Si lo acertado en la cinta original de Larry Cohen era el enfoque que se daba a la historia, mostrando toda la repercusión que despertaba el suceso alrededor de la familia protagonista, en la revisión de 2009, pese a contar con un guión en el que participa el propio Cohen, todo queda simplificado a la locura o trauma transitorio que sufre la madre tras el suceso. Un suceso que ya de entrada, muestra que las cosas van a ir por un camino muy diferente a la cinta original, cambiando el intenso misterio por insulsas secuencias sangrientas, y la controversia social, por un problema limitado a la propia pareja protagonista, que a diferencia de la cinta original, está interpretada por jóvenes actores, dejando claro a quien va dirigida la película.  Pero si hay algo realmente decepcionante en la película de Josef Rusnak, es el bebé asesino, ese que tiene que guiar la acción en la película. En esta versión se muestra a un bebe asesino tierno y dulce, sin ningún tipo de malformación, hecho que hace que las sangrientas escenas donde dicho bebe mata a sus víctimas, sean poco creíbles, dejando claro la finalidad de la película, la cual se construye a base de despropósitos que solo pueden mostrar una cacería con pocas pretensiones. Además, si le quitamos, como aquí, la gracia de ir conociendo poco a poco la fisonomía del bebé, que en teoría a de ser un ser monstruoso, acabamos por lapidar, las buenas intenciones que proponía la cinta dirigida por Larry Cohen.  En definitiva, un fiasco de remake como era de esperar, que no logra estar a la altura de la cinta original en ningún momento, esa que tan solo cree en ella misma cuando muestra sangre y la absurda cacería del bebé. La culpa no son los guiones vacíos y sin fundamento que proliferan hoy en día, sino el absurdo propósito de realizar la revisión de antiguas cintas de cierto nivel, para transformarlas en un producto que solo consigue destrozar la historia original. La reciente película escrita y dirigida por Paul Solet 'Grace' (2009), toca un tema similar, tratando sobre la obsesión y la enfermedad mental que sufre una madre tras la pérdida y resurrección de su bebé, una historia de enorme calidad que puede presumir de mostrar algo nuevo y convincente.

Si lo acertado en la cinta original de Larry Cohen era el enfoque que se daba a la historia, mostrando toda la repercusión que despertaba el suceso alrededor de la familia protagonista, en la revisión de 2009, pese a contar con un guión en el que participa el propio Cohen, todo queda simplificado a la locura o trauma transitorio que sufre la madre tras el suceso. Un suceso que ya de entrada, muestra que las cosas van a ir por un camino muy diferente a la cinta original, cambiando el intenso misterio por insulsas secuencias sangrientas, y la controversia social, por un problema limitado a la propia pareja protagonista, que a diferencia de la cinta original, está interpretada por jóvenes actores, dejando claro a quien va dirigida la película.

De nuevo, un insufrible remake hizo que perdiera mi tiempo. 'Está vivo' (2009) de Josef Rusnak, despertó en mí una mínima esperanza de ver al menos algo decente, que volvió a hacerme caer en la trampa de las innecesarias revisiones. La cinta original, dirigida por Larry Cohen en 1974, una de las pequeñas joyas de esa década, ofrecía un punto de vista muy diferente. Así de entrada, y teniendo frescas ambas versiones, decir que hay una diferencia abismal entre una cinta y otra. Mientras la original trata el tema más profundamente y sin necesidad de mostrar grandes cantidades de hemoglobina, centrándose más en el drama, el misterio y la controversia que despierta en la sociedad el terrible suceso inicial, la cinta que nos propone Josef Rusnak, es todo lo contrario, y solo va a mostrar lo que vulgarmente podríamos llamar como 'chicha', es decir, una sucesión de secuencias donde la sangre sin sentido toma protagonismo.  Si lo acertado en la cinta original de Larry Cohen era el enfoque que se daba a la historia, mostrando toda la repercusión que despertaba el suceso alrededor de la familia protagonista, en la revisión de 2009, pese a contar con un guión en el que participa el propio Cohen, todo queda simplificado a la locura o trauma transitorio que sufre la madre tras el suceso. Un suceso que ya de entrada, muestra que las cosas van a ir por un camino muy diferente a la cinta original, cambiando el intenso misterio por insulsas secuencias sangrientas, y la controversia social, por un problema limitado a la propia pareja protagonista, que a diferencia de la cinta original, está interpretada por jóvenes actores, dejando claro a quien va dirigida la película.  Pero si hay algo realmente decepcionante en la película de Josef Rusnak, es el bebé asesino, ese que tiene que guiar la acción en la película. En esta versión se muestra a un bebe asesino tierno y dulce, sin ningún tipo de malformación, hecho que hace que las sangrientas escenas donde dicho bebe mata a sus víctimas, sean poco creíbles, dejando claro la finalidad de la película, la cual se construye a base de despropósitos que solo pueden mostrar una cacería con pocas pretensiones. Además, si le quitamos, como aquí, la gracia de ir conociendo poco a poco la fisonomía del bebé, que en teoría a de ser un ser monstruoso, acabamos por lapidar, las buenas intenciones que proponía la cinta dirigida por Larry Cohen.  En definitiva, un fiasco de remake como era de esperar, que no logra estar a la altura de la cinta original en ningún momento, esa que tan solo cree en ella misma cuando muestra sangre y la absurda cacería del bebé. La culpa no son los guiones vacíos y sin fundamento que proliferan hoy en día, sino el absurdo propósito de realizar la revisión de antiguas cintas de cierto nivel, para transformarlas en un producto que solo consigue destrozar la historia original. La reciente película escrita y dirigida por Paul Solet 'Grace' (2009), toca un tema similar, tratando sobre la obsesión y la enfermedad mental que sufre una madre tras la pérdida y resurrección de su bebé, una historia de enorme calidad que puede presumir de mostrar algo nuevo y convincente.Esta Vivo

Pero si hay algo realmente decepcionante en la película de Josef Rusnak, es el bebé asesino, ese que tiene que guiar la acción en la película. En esta versión se muestra a un bebe asesino tierno y dulce, sin ningún tipo de malformación, hecho que hace que las sangrientas escenas donde dicho bebe mata a sus víctimas, sean poco creíbles, dejando claro la finalidad de la película, la cual se construye a base de despropósitos que solo pueden mostrar una cacería con pocas pretensiones. Además, si le quitamos, como aquí, la gracia de ir conociendo poco a poco la fisonomía del bebé, que en teoría a de ser un ser monstruoso, acabamos por lapidar, las buenas intenciones que proponía la cinta dirigida por Larry Cohen.

De nuevo, un insufrible remake hizo que perdiera mi tiempo. 'Está vivo' (2009) de Josef Rusnak, despertó en mí una mínima esperanza de ver al menos algo decente, que volvió a hacerme caer en la trampa de las innecesarias revisiones. La cinta original, dirigida por Larry Cohen en 1974, una de las pequeñas joyas de esa década, ofrecía un punto de vista muy diferente. Así de entrada, y teniendo frescas ambas versiones, decir que hay una diferencia abismal entre una cinta y otra. Mientras la original trata el tema más profundamente y sin necesidad de mostrar grandes cantidades de hemoglobina, centrándose más en el drama, el misterio y la controversia que despierta en la sociedad el terrible suceso inicial, la cinta que nos propone Josef Rusnak, es todo lo contrario, y solo va a mostrar lo que vulgarmente podríamos llamar como 'chicha', es decir, una sucesión de secuencias donde la sangre sin sentido toma protagonismo.  Si lo acertado en la cinta original de Larry Cohen era el enfoque que se daba a la historia, mostrando toda la repercusión que despertaba el suceso alrededor de la familia protagonista, en la revisión de 2009, pese a contar con un guión en el que participa el propio Cohen, todo queda simplificado a la locura o trauma transitorio que sufre la madre tras el suceso. Un suceso que ya de entrada, muestra que las cosas van a ir por un camino muy diferente a la cinta original, cambiando el intenso misterio por insulsas secuencias sangrientas, y la controversia social, por un problema limitado a la propia pareja protagonista, que a diferencia de la cinta original, está interpretada por jóvenes actores, dejando claro a quien va dirigida la película.  Pero si hay algo realmente decepcionante en la película de Josef Rusnak, es el bebé asesino, ese que tiene que guiar la acción en la película. En esta versión se muestra a un bebe asesino tierno y dulce, sin ningún tipo de malformación, hecho que hace que las sangrientas escenas donde dicho bebe mata a sus víctimas, sean poco creíbles, dejando claro la finalidad de la película, la cual se construye a base de despropósitos que solo pueden mostrar una cacería con pocas pretensiones. Además, si le quitamos, como aquí, la gracia de ir conociendo poco a poco la fisonomía del bebé, que en teoría a de ser un ser monstruoso, acabamos por lapidar, las buenas intenciones que proponía la cinta dirigida por Larry Cohen.  En definitiva, un fiasco de remake como era de esperar, que no logra estar a la altura de la cinta original en ningún momento, esa que tan solo cree en ella misma cuando muestra sangre y la absurda cacería del bebé. La culpa no son los guiones vacíos y sin fundamento que proliferan hoy en día, sino el absurdo propósito de realizar la revisión de antiguas cintas de cierto nivel, para transformarlas en un producto que solo consigue destrozar la historia original. La reciente película escrita y dirigida por Paul Solet 'Grace' (2009), toca un tema similar, tratando sobre la obsesión y la enfermedad mental que sufre una madre tras la pérdida y resurrección de su bebé, una historia de enorme calidad que puede presumir de mostrar algo nuevo y convincente.De nuevo, un insufrible remake hizo que perdiera mi tiempo. 'Está vivo' (2009) de Josef Rusnak, despertó en mí una mínima esperanza de ver al menos algo decente, que volvió a hacerme caer en la trampa de las innecesarias revisiones. La cinta original, dirigida por Larry Cohen en 1974, una de las pequeñas joyas de esa década, ofrecía un punto de vista muy diferente. Así de entrada, y teniendo frescas ambas versiones, decir que hay una diferencia abismal entre una cinta y otra. Mientras la original trata el tema más profundamente y sin necesidad de mostrar grandes cantidades de hemoglobina, centrándose más en el drama, el misterio y la controversia que despierta en la sociedad el terrible suceso inicial, la cinta que nos propone Josef Rusnak, es todo lo contrario, y solo va a mostrar lo que vulgarmente podríamos llamar como 'chicha', es decir, una sucesión de secuencias donde la sangre sin sentido toma protagonismo.  Si lo acertado en la cinta original de Larry Cohen era el enfoque que se daba a la historia, mostrando toda la repercusión que despertaba el suceso alrededor de la familia protagonista, en la revisión de 2009, pese a contar con un guión en el que participa el propio Cohen, todo queda simplificado a la locura o trauma transitorio que sufre la madre tras el suceso. Un suceso que ya de entrada, muestra que las cosas van a ir por un camino muy diferente a la cinta original, cambiando el intenso misterio por insulsas secuencias sangrientas, y la controversia social, por un problema limitado a la propia pareja protagonista, que a diferencia de la cinta original, está interpretada por jóvenes actores, dejando claro a quien va dirigida la película.  Pero si hay algo realmente decepcionante en la película de Josef Rusnak, es el bebé asesino, ese que tiene que guiar la acción en la película. En esta versión se muestra a un bebe asesino tierno y dulce, sin ningún tipo de malformación, hecho que hace que las sangrientas escenas donde dicho bebe mata a sus víctimas, sean poco creíbles, dejando claro la finalidad de la película, la cual se construye a base de despropósitos que solo pueden mostrar una cacería con pocas pretensiones. Además, si le quitamos, como aquí, la gracia de ir conociendo poco a poco la fisonomía del bebé, que en teoría a de ser un ser monstruoso, acabamos por lapidar, las buenas intenciones que proponía la cinta dirigida por Larry Cohen.  En definitiva, un fiasco de remake como era de esperar, que no logra estar a la altura de la cinta original en ningún momento, esa que tan solo cree en ella misma cuando muestra sangre y la absurda cacería del bebé. La culpa no son los guiones vacíos y sin fundamento que proliferan hoy en día, sino el absurdo propósito de realizar la revisión de antiguas cintas de cierto nivel, para transformarlas en un producto que solo consigue destrozar la historia original. La reciente película escrita y dirigida por Paul Solet 'Grace' (2009), toca un tema similar, tratando sobre la obsesión y la enfermedad mental que sufre una madre tras la pérdida y resurrección de su bebé, una historia de enorme calidad que puede presumir de mostrar algo nuevo y convincente.

En definitiva, un fiasco de remake como era de esperar, que no logra estar a la altura de la cinta original en ningún momento, esa que tan solo cree en ella misma cuando muestra sangre y la absurda cacería del bebé. La culpa no son los guiones vacíos y sin fundamento que proliferan hoy en día, sino el absurdo propósito de realizar la revisión de antiguas cintas de cierto nivel, para transformarlas en un producto que solo consigue destrozar la historia original. La reciente película escrita y dirigida por Paul Solet 'Grace' (2009), toca un tema similar, tratando sobre la obsesión y la enfermedad mental que sufre una madre tras la pérdida y resurrección de su bebé, una historia de enorme calidad que puede presumir de mostrar algo nuevo y convincente.

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Titulo original: It's Alive
Año: 2008
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 83 minutos
Director: Josef Rusnak
Guión: Larry Cohen, Paul Sopocy, James Portolese.
Actores: Bijou Phillips, James Murray, Skye Bennett, Raphaël Coleman, Arkie Reece.