Mi Cinema Paradiso

La ventana (de Carlos Sorín)

2012-01-05T13:46:00.000-08:00

Carlos Sorín: "Me interesé en la vida de Chejov"

El realizador de Historias mínimas presenta hoy en Toronto su nuevo filme, La ventana, inspirado en las últimas horas de vida del escritor. Aquí explica la génesis de un proyecto que lo toca en lo personal.

Este festival se caracteriza -entre tantas otras cosas, como incluir películas con estrellas de Hollywood y un cine más decididamente de autor- en presentar premieres mundiales. Y una de ellas es argentina. Además de las otras seis películas nacionales, que se ofrecen en distintas secciones, esta noche Carlos Sorín estará presente en la primera proyección internacional de La ventana, su nueva realización, que no irá a competir a ningún otro festival por el momento.

El director de La película del Rey e Historias mínimas llegó ayer mismo desde Buenos Aires, bien temprano por la mañana y al mediodía atendió a Clarín. Conocido por su sentido del humor, habló de su filme, aunque confesó que nunca lo vio terminado, así que lo "descubrirá" junto con el público.

La trama de la película es tan sencilla que "es casi inexistente, te podría decir que se evapora con sólo contarla", sonríe. Antonio es un hombre de 86 años que ha tenido un incidente cardíaco y espera a su hijo que, informado, regresa de Europa. Esas doce horas de espera, del amanecer al atardecer, es lo que se cuenta en la película. También es sobre el tiempo, sobre el fluir del tiempo, "y me hubiese gustado titularla Las horas, pero existe el filme de Stephen Daldry con ese nombre..."

¿Cuál es el origen de la historia que contás en "La ventana"?

Creo que se unieron varias cosas. Por un lado, mi antigua afición por Chejov, que revivió en el último año. Aparte de releer buena parte de sus cuentos, me interesé en su vida y busqué durante semanas un ejemplar en castellano de la que seguramente es la mejor biografía del escritor: La dramática vida de Anton Chejov, de Irene Nemirovsky. La encontré por internet. La descripción de las últimas horas de vida del escritor en un hotel del balneario de Badenweiler despidiéndose de su esposa y su médico con un brindis con champagne es realmente conmovedora. Tanto como el cuento de Raymond Carver, Tres rosas amarillas, en el que relata minuciosamente el mismo episodio. Esas lecturas estuvieron presentes en la génesis del proyecto.

Pero también hubo un hecho singular que cimbronó en el interior de Sorín: el año pasado falleció su padre. "Y aunque uno sepa que lo natural es que los padres mueran antes que los hijos, nunca termina de acostumbrarse a un hecho así, y también debe haber influido", concede.

¿Como se te ocurrió pensar en Antonio Larreta como protagonista?

Fue una idea de mi socio productor, José María Morales, que está haciendo un filme sobre la vida de Artigas basado en un guión de Antonio "Taco" Larreta. Siguiendo mi secuela de actores "no actores", yo quería un escritor para hacer el personaje que también es escritor. Hay una forma de hablar, de manejar la palabra, que es exclusiva de un escritor. ¿Quién no recuerda la forma de decir de Borges o Neruda? Tienen una musicalidad muy especial. Bueno, yo quería que de alguna manera eso estuviese en la película. Por otro lado también quería que tuviese 85, 86 años. La fragilidad de esa edad no la quería actuada, quería que fuese de verdad. De cualquier forma, "Taco" Larreta algo actuó, porque aunque realmente tiene 85, está en muchas mejores condiciones que el personaje. Y está la mirada, esa mirada inteligente que "Taco" no la actúa, la tiene.

¿Y como lo convenciste?

Viajé a Montevideo bastante nervioso, pero me encontré con que "Taco" estaba tanto o más nervioso que yo. Quería hacer el personaje, pero pensaba que no era la persona indicada. "Yo como actor soy antiguo", me decía, "soy un viejo actor uruguayo y no te voy a servir". Ahora que ya está hecha pienso que está muy bien en la película, realmente. En el elenco también está Arturo Goetz e hicieron una participación especial Carla Peterson y Luis Luque.

Sorín fue a filmar hacia el Sur, aunque no a la Patagonia. "No volví a la Patagonia -confirma-, pero filmé cerca de Bahia Blanca, cerca de Sierra de la Ventana y del límite con La Pampa. Algunos dicen que por ahí empieza la Patagonia, pero el paisaje es menos ríspido y mas bucólico."

¿Con que expectativas llegás a Toronto?

Más que expectativas llego con temores. No vi la película. La edité por un lado, trabajé el sonido por otro, pero nunca vi como funciona todo junto y en pantalla grande. La copia en 35mm. salió de Madrid y llegó a Toronto. Yo no fui a España y las únicas opiniones de gente que la vio son de las de mis socios y del director de fotografía. Nunca me pasó esto. Siempre llegué a los festivales con algunas pruebas previas con público. Ahora no. En fin, los whiskies que suelo tomarme después de la proyección me los tomaré antes...

No es la primera vez que Sorin viene con una película a Toronto. Bueno, es la segunda. "Vine con El perro y fue un éxito de ventas aquí totalmente desmedido. No creo que con esta peli repita".

Hablabas de los "no actores" que solías elegir. ¿Que balance podes hacer, qué es lo mas positivo y qué lo que no te convence de trabajar con ellos?

No tengo una opinión formada. Por un lado trabajar con "no actores" es muy limitante en el trabajo en profundidad del personaje, además de trabajoso, agotador. Y azaroso: nunca sabes cómo va a salir. Trabajando con actores podés pisar más sobre seguro, construir mas. Pero por otro lado extrañás lo imprevisto, una cierta frescura que puede salir de algo no programado, de lo "accidental". No sé qué es lo mas adecuado. Supongo que depende del tipo de película que uno quiere hacer.

Sorín viene de Buenos Aires, pero estuvo en Bogotá pocos días antes de partir. "Fui a evaluar y elegir los guiones que debían ser premiados con las ayudas que da la Dirección de Cinematografía del Ministerio de Cultura. Fueron unos días muy intensos. Hay mucho entusiasmo en Colombia con el cine. Da la sensación de que el cine colombiano está próximo a un despegue. Ojalá se dé."

Con "La ventana", ¿sentís que cerrás, al menos momentáneamente, un tipo de realizaciones, que arrancó con "Historias mínimas"?

A La ventana la veo distinta a Historias... y su saga. Es una película más construida, al menos en lo que se refiere a la imagen. Por eso filmé en 35mm., por la posibilidad de tener una imagen mas elaborada. También me parece que es una película un poco más ríspida, menos gratificante. Es también algo más ambigua, dando tiempo al espectador para que complete las cosas en su mente. De cualquier manera no estoy aun en condiciones de evaluarla. Esta noche, después de la proyección quizá tenga una idea mas próxima a la realidad.

Hermanos/Brothers

2012-01-05T13:10:00.000-08:00

Remake' correcto, aunque prescindible

Escribe: Carlos Boyero

Un director español nada pretencioso ni farolero, que ha conseguido un merecido triunfo comercial y crítico con su última y excelente película, me contaba con agradecido pasmo que algunos nombres apabullantes del cine estadounidense, gente tan cualificada y famosa como Paul Haggis, David Fincher y Mel Gibson, se habían interesado en hacer un remake en Hollywood de su bienaventurada criatura. Sabes que desde sus ancestros el cine de los grandes estudios se ha nutrido de los grandes talentos de cualquier parte, que muchos de los creadores del cine europeo encontraron allí los medios más potentes para expresar su mundo, que siempre han existido ojeadores en esa industria intentando captar las voces originales y los argumentos poderosos del cine de cualquier parte, pero en los últimos tiempos Hollywood abusa excesivamente de las versiones, algo que casi nunca mejora al producto original. Puede deberse a la sequía que atraviesa la imaginación de los productores, a la vagancia de readaptar productos que han funcionado muy bien en los mercados nativos. Recurre a ello incluso algún creador tan personal como Scorsese, al hacer en Infiltrados el remake de la película de Hong Kong Asuntos internos. Tengo que hacer esfuerzos épicos para recordar alguna versión que haya superado la calidad de lo que copia. Sería conveniente, aunque también ilusorio, que dejaran tranquilos a los clásicos. Para evitar las comparaciones, por sentido del ridículo.

La película danesa Brothers, dirigida por Susanne Bier (señora que posteriormente rodará en Estados Unidos la dura y conmovedora Cosas que perdimos en el fuego), no alcanza condición de clásico, pero sí poseía una temática compleja, tono árido, sentimientos turbadores, expresividad demoledora. Contaba la trágica historia y la sorprendente evolución de dos hermanos, uno de ellos ejemplar marido, padre, hijo y profesional, el otro descarriado y delincuente, a partir de que al primero se le dé por muerto en la guerra de Afganistán y el segundo intente aliviar la desolación de su cuñada y cuidar a sus sobrinas. El regreso del desaparecido, al que los talibanes han castigado con la peor de las torturas, la imposible integración en su antiguo mundo de este hombre atormentado, la tempestad anímica y fraternal que crean los celos con causa, la sospecha de que dependiendo de las circunstancias de la existencia Caín se puede transformar en Abel y a la inversa, estaba descrito de forma certera. Si la memoria no me engaña, creo recordar que el sexo no era tibio y el desenlace tan terrible como lógico.

Ese apasionante y progresivamente sombrío argumento vuelve a ser recreado por el cine estadounidense. Le encargan el control del barco a Jim Sheridan, algo que no puede obedecer a la casualidad ya que se trata de un director que ha retratado obsesivamente en su notable cine ambientes familiares marcados por la violencia. Ocurría en Mi pie izquierdo, El prado, En el nombre del padre, The boxer y En América. Y el protagonismo a tres intérpretes con prestigio y tiro como Tobey Maguire, Jake Gyllenhaal y Natalie Portman. Primer error de reparto. Al inquietante Maguire siempre te lo vas a creer como zumbado pero escasamente como ser modélico. Si hubiera invertido su papel con Gyllenhaal, esos personajes serían más creíbles. En cuanto a la tantas veces maravillosa Natalie Portman, tengo la lamentable sensación de que está perdiendo luz, de que su presencia es tan correcta como anodina. Las más veraces son las dos crías. Naturales, graciosas, confundidas.

Sheridan suaviza el tono bronco que poseía la historia original. También hace concesiones para que el espectador no acabe hecho polvo ante esta tragedia sin salida. Es una película correcta, pero no tiene capacidad para removerte, para que te identifiques emocionalmente con los traumas de esa gente con la que se ensañó el destino.

Scanners (de David Cronenberg)

2012-01-04T19:21:00.000-08:00

TRAMA : Cameron Vale es un indigente que es atrapado por agentes de seguridad luego de un incidente en un shopping. Cuando despierta, el doctor Paul Ruth le informa que se encuentra en las instalaciones secretas de la corporación ConSec -dedicada a la experimentación de armas-, y que el es un scanner: un individuo con enormes poderes telepáticos que le resultan imposibles de dominar (y que por ello causara el accidente del shopping). Vale es adiestrado como agente de ConSec, y es enviado a seguir los pasos de Daryl Revok, un scanner sicótico y renegado que está exterminando a otros scanners. Pero a medida que avanza la investigación, Vale comenzará a descubrir que las cosas no son como parecen.

Para los años ochenta, David Cronenberg se venía perfilando como un director de excepcional inteligencia. Si bien sus obras hasta entonces - como Shivers (1975), Rabia (1976) y The Brood (1979) - habían cosechado el favor de la crítica, aún era un desconocido para el gran público. Es que en realidad la inmensa mayoría de la filmografía de Cronenberg (de entonces y de ahora) es muy oscura y cerebral, y funcionan como filmes de culto antes que como blockbusters comerciales. De hecho Scanners, Amos de la Muerte sería el primer hit taquillero de Cronenberg; y no volvería a obtener un éxito similar en cuanto a recaudación sino hasta que le llegara el turno la adaptación de la obra de Stephen King La Zona Muerta (1983) y la remake de La Mosca en 1986.

En sí Cronenberg vendría a ser el equivalente en el terreno fantástico de un David Lynch. Si bien es mucho menos críptico que Lynch, no deja de generar obras complejas que exigen un público inteligente dispuesto a analizar ideas. Por otro lado, maneja una imaginería que a veces bordea lo retorcido; uno de los temas centrales de su filmografía es la fusión entre la mente y el cuerpo con la máquina, que en muchas ocasiones lo explicita de manera shockeante. Si se quiere, Cronenberg ha hecho suya una de las premisas del Ciberpunk, y la ha transformado en uno de los leit motiv de su obra. Pero a su vez, la densidad de su filmografía sólo le ha ganado adeptos en círculos intelectuales. Cronenberg alternaría filmes más personales como Almuerzo Desnudo (1991), Crash (1996) y ExistenZ (1999) con otras historias más standard y comercialmente más atractivas como Una Historia Violenta (2005) y Promesas del Este (2007).

Pero Scanners, Amos de la Muerte es una de sus obras más entendibles para el gran público. En el fondo no deja de ser una adaptación muy liberal del comic X-Men, con una evolución genética de la humanidad, hombres con superpoderes y sociedades secretas que están en guerra permanente. No es dificil poner al profesor X en el mismo lugar que el Dr. Paul Ruth, capacitando a personas con superpoderes y enseñándole a dominar los mismos.

Es una película bien hecha, aunque tiene detalles aquí y allá. Por un lado el filme tiene sus momentos de lirismo, como la sesión que comanda Jennifer O´Neil y en donde los scanners fusionan sus mentes; o cada escena en la que aparece Patrick McGoohan (El Prisionero), cuyos parlamentos son realmente inspirados ("Revok está matando a cada uno de los 237 scanners que existen en este planeta... maravillas de la evolución que la humanidad se ha perdido de conocer y que no podremos reponer"). El otro punto excelente es la elección de Michael Ironside como el villano de turno (este papel lo llevaría a la fama y se especializaría en este tipo de roles). Ironside es un villano inteligente y despiadado, incapaz de cometer errores. La secuencia inicial con el duelo de scanners - en donde le vuela la cabeza a Louis Del Grande - es shockeante y ya es todo un clásico.

Pero por otro lado, la historia comienza a flaquear un poco en credibilidad a medida que avanza. Por ejemplo, que el vagabundo Cameron Vale se transforme en un James Bond sicotrónico de una escena a la otra, o el descubrimiento del complot que termina por ser algo rebuscado - ¿las corporaciones no tienen idea en qué invierten o a quién tienen contratado? -. También la secuencia en la que Stephen Lack se conecta a una computadora central a través de su mente es muuuy traída de los pelos. Si bien es espectacular, la idea de que una computadora tenga un sistema nervioso (sic) al cual un hombre pueda conectarse es ridícula. A lo sumo, capturaría bytes y números binarios en vez de texto (a menos, claro, que el scanner tenga una copia de Windows instalada en su cabeza) .

Pero el enorme problema de Scanners, Amos de la Muerte es el protagonista. No sé por qué eligieron a alguien tan incompetente como Stephen Lack para interpretar al personaje principal. Lack se ve como un idiota, habla como un idiota y actúa como un idiota. Tiene carisma cero. Su perfomance es completamente amateur, y parece un niño grande en vez de una persona atormentada por un oscuro secreto. Es la presencia de Lack la que arruina definitivamente los méritos del filme.

Scanners, Amos de la Muerte es una muy buena película si uno hace caso omiso de Stephen Lack y de los defectos del guión. Michael Ironside y Patrick McGoohan compensan de sobra, y hay acción mezclada con ideas interesantes. Una buena opción para volver a visitar este fin de semana.

Fuente:
http://www.sssm.com.ar/arlequin/scanners.html

Adiós a Las Vegas (de Mike Figgis)

2012-01-04T19:05:00.000-08:00

“No sé si empecé a beber porque mi familia me dejó o si mi familia me dejó porque empecé a beber”

Encontré una crítica interesante acá:
http://luppanar.blogspot.com/2007/09/leaving-las-vegas-adis-las-vegas-1995.html

Dice la crítica de este blog:

No sé que tiene de especial, pero me atrae de una manera inexpresable. No puedo dejar de sentir nostalgia y mucha tristeza cuando me acuerdo de ella. En aquel lejano 1995 se escuchaban comentarios favorables por todos lados pero nunca creí prudente acercarme, acaso por la edad. Fue hasta hace cuatro o cinco años que la vi por casualidad en la televisión y desde ese momento retomo la experiencia cada vez que puedo.

La trama parte de un hecho muy simple y muy crudo, seguramente por todos bien conocido: un guionista fracasado pretende embriagarse hasta morir; en su carrera suicida conoce a una prostituta, aficionada a las adicciones de tipo psicológico, de la que irreparablemente se enamora. La vida, en su infinita sabiduría, les presenta a los dos una segunda oportunidad y ellos, en su obstinación y ceguera, la echan a la basura. Es en extremo lamentable y dramático observar como se despilfarra una existencia.

Creo que es la mejor historia de amor que se ha podido ver en el cine. Está tan bien realizada que nunca se cae en la cursilería a la que estamos tan habituados. Contrario a lo que ha sucedido hasta el cansancio, no se crea un guión para glorificar un amor imposible o lleno de dificultades; es todo lo contrario, la mesa está puesta y ellos prefieren seguir con sus vicios porque están profundamente arraigados. A pesar de todo lo que hay en contra, la tan inusual pareja se acepta tal y como es y bastan algunos diálogos para saber que están hechos “el uno para el otro”. Sera quiere tanto a Ben que soporta su repugnante comportamiento y aunque lo cuestiona, sabe que no puede hacer nada. Él por su parte consiente su profesión y aunque le duele profundamente nunca trata de censurarla.

Es efectivamente una historia romántica; totalmente sui generis si se quiere pero muy sentimental. Lo más rescatable es que se deja a un lado el cliché barato y narra las cosas como son en la vida real, duras, complicadas y bastante crueles.

Afirma Ben Sanderson, al explicar la razón de su comportamiento: “No sé si empecé a beber porque mi familia me dejó o si mi familia me dejó porque empecé a beber”. El hecho es que es un sujeto moralmente destrozado y ya no le importa nada, sólo desea un poco de felicidad, la cual es proporcionada por el alcohol. Por eso se dirige a Las Vegas, donde los bares nunca cierran.

Toda ella es un gran complejo de emociones inteligentemente amarradas. La fotografía es memorable, la musicalización es acertadísima y la dirección está impecablemente ejecutada, pero por sobre todas las cosas las actuaciones resplandecen y opacan su entorno. Sin duda, y por mucho, son los papeles mejor representados en la carrera de Nicolas Cage y Elizabeth Shue.

La cinta está basada en la novela autobiográfica de . Este escritor nació en 1960 y en 1990 redactó el libro “Leaving Las Vegas”. En 1994, dos semanas posteriores al inicio del rodaje, se suicidó; contaba con 34 años. Su padre aseguró que la novela era su nota póstuma.

El ojo del diablo (de Ingmar Bergman)

2011-12-29T06:18:00.000-08:00

"La castidad de una mujer es como un orzuelo en el ojo del diablo."

La castidad de Britt-Marie, hija de un pastor de la Iglesia, le provoca a Satán una verruga en un párpado, así que, para deshacerse de ésta, manda a la Tierra a don Juan Tenorio para que la seduzca.

Un domingo cualquiera (de Oliver Stone)

2011-12-27T19:48:00.000-08:00

Cuatro años antes, los Tiburones de Miami, dirigidos por el entrenador D'Amato (Al Pacino), habían ganado dos campeonatos consecutivos, pero ahora sólo consiguen acumular derrotas. Además, el público escasea y los antiguos ídolos están en el ocaso de sus carreras, particularmente Jack "Cap" Rooney (Dennis Quaid), que a sus 39 años se aferra desesperadamente a lo poco que le queda como jugador profesional. Por otra parte, son frecuentes los conflictos con Christina Pagniacci (Cameron díaz), la joven presidenta y propietaria de los Tiburones. Por si esto fuera poco, fuera del campo, D'Amato tiene serios problemas familiares. (FILMAFFINITY)

Ayrton Senna da silva

2011-08-09T07:39:00.000-07:00

Un predestinado. Ayrton Senna da Silva (Sao Paulo, 1960 - Bolonia, Italia, 1994), héroe deportivo brasilero, ganador nato, un capo de la fórmula 1 y un creyente sin parangón.

“Hay mucho por hacer, mucho por aprender. Pero no tengo mucho tiempo”.

El último día que se subió a un auto de fórmula 1, tomó la Biblia y leyó que Dios le iba a dar el mejor regalo: Él.

Director: Asif Kapadia

Un cuento chino... o tantas veces Darín

2011-08-05T19:26:00.000-07:00

Ayer vi Un cuento chino, una gran tragicomedia argentina, donde Darín ratifica su consabida calidad. "La vida es un gran sinsentido, un absurdo", dice el personaje principal que precisamente colecciona noticias increíbles, absurdas (afición que prolongó del padre).
-¿Cómo te trata la vida, querido?
-Como el culo.
Otro gol del cine argentino. Acá la crónica de Carlos Boyero.

UNA SOLEDAD CON ALMA

Si exceptuamos unos ojos poderosamente expresivos, no existe nada excepcional en el físico de Ricardo Darín. Pero su credibilidad y su campo magnético son inagotables en una galería muy variada de gente. Ha demostrado un instinto notable para elegir guiones con cuerpo y alma, pero incluso cuando se ha equivocado y todo es naufragio en determinadas películas, cuando está obligado a decir y hacer cosas que rezuman falsedad pretenciosa, él se las ingenia para otorgar algún momento de verdad a sus personajes. Y, por supuesto, posee el imán que caracteriza a determinadas personalidades, la cámara lo quiere y contagia ese amor al espectador. De entrada, siempre apetece ver una película protagonizada por él. Y te puede derretir con su enorme talento cuando se pone al servicio de una historia que merece la pena ser contada y un director en estado de gracia, algo transparente en su inmemorable canalla de Nueve reinas y en el lirismo dolorido de El secreto de sus ojos.

Darín puede dar vida a tipos muy variados, a los sentimientos más complejos, a la turbiedad y lo cristalino, la derrota y la supervivencia, la anormalidad y la normalidad sin dejar de ser él mismo. Es de esos actores superdotados y con algo especial que aparecen muy de vez en cuando en cinematografías fuera del Imperio. Javier Bardem también pertenece a esa raza. Lo extraño en el caso de Darín es que siga trabajando en Argentina, que el cine estadounidense no haya importado a precio de oro una personalidad como la suya.

Un cuento chino, dirigida por Sebastián Borensztein, es una película más amable que agria, digna y creíble, un cuento con origen triste que se empeña en hacer reales conceptos tan anticuados como la compasión y la solidaridad, el retrato de una soledad elegida que no se ha enquistado en la indiferencia ni en el egoísmo. Sus protagonistas son un chino desolado por esos accidentes absurdos que machacan la existencia, esas pérdidas afectivas que despojan de sentido al presente y al futuro, aislado y sin un peso en un país y un idioma que desconoce, y un ferretero solitario y disciplinadamente maniático, coleccionista de noticias extrañas que aparecen en los periódicos de cualquier parte, alguien que a pesar de sus imborrables traumas y sus permanentes fantasmas no ha perdido el sentido de la justicia ni la indignación moral, dispuesto a soltarle un cabezazo a la autoridad irrespetuosa y abusona, al proveedor que intenta estafarle mínima y cotidianamente en los negocios acordados, al cliente rompe-pelotas y melifluo.

La casual, surrealista y protectora relación que establecen a base de gestos, equívocos e intuiciones estos seres a la intemperie, aunque la del chino sea absoluta y la del ferretero disfrute de un refugio tan acorazado como patético, está bien contada. Igualmente, tiene mucho mérito por parte del director la creación de una atmósfera peculiar describiendo la desesperanzada vida y los rituales fijos de ese perdedor introvertido, cascarrabias con causa, secretamente tierno, generoso a su pesar, incapaz de dejar abandonado a su trágica suerte a un paria que va a alterar su sagrada intimidad.

No es una película retórica ni sensiblera, aunque el tema se prestara a ello. Tal vez le sobre el previsible desenlace a este cuento tierno, pero no está mal pensar que los desamparados afectivos pueden encontrar alguna vez un lugar en el sol. No suele ocurrir en la vida real, pero las ficciones se pueden permitir esa esperanza. Además, la taquilla siempre se lo agradece. Pero, sobre todo, está la interpretación de Ricardo Darín. Te hace comprender, respetar y querer a ese misántropo que no ha perdido el corazón.

Hacer el tiempo: Lo que pasa es que a mí me cuesta contener los sentimientos

2011-07-28T19:34:00.000-07:00

Hacer el Tiempo from Cinépata on Vimeo.

Compromiso con talento

2011-06-16T12:02:00.000-07:00

Durante los primeros meses de este año he tenido la oportunidad de ver las grandes películas que nos trae el cine español. Pa negre (Pan Negro) es la gran ganadora de los últimos premios Goya y es, desde luego, una película que se puede dejar de recomendar.

Y también la lluvia proyecta una temática muy en boga que nos podría ayudar a comprender lo que pasa en Puno y en el Perú en general y, así, tratar de entender por qué el pueblo quiere un gran cambio. Una película con un mensaje clarísimo.
Los ojos de Julia una gran película de terror con la notable Belén Rueda (Madrid, 1965) siempre recordada por Mar adentro, el Orfanato y El mal ajeno (de Óscar Santos), también recomendada en este blog.

Acá el comentario del crítico Carlos Boyero: "Todo es irreprochable en Pa Negre" del director Agustí Villaronga.

Veo la abrumadoramente larga gala de los Goya en la casa de unos amigos españoles en Berlín. No son especialmente cinéfilos ni pierden el sueño por los esplendores, desdichas y crisis del cine español, pero tienen tal sentido de la cortesía y la generosidad que logran piratear la señal de Internet para que yo pueda observar de forma difusa en la pantalla de un ordenador lo que acontece en el Teatro Real y pueda cumplir con mi obligación. También me hacen heroica compañía en esa fiesta interminable que dura más de tres horas . Calculo que si existiesen todavía los espacios publicitarios en la televisión pública lo más probable es que hubiéramos llegado al amanecer.

Las imágenes que vislumbro a través de esa pantalla me quitan para siempre los deseos de aprender a ser corsario en Internet. Ver de esta forma películas, programas de televisión, series y partidos de fútbol no entra en mis anhelos masoquistas. Seguiré comprando DVD y discos al precio que me exijan los enfurecidos y estafados creadores. Nunca atentaré contra los sagrados derechos de autor. Jamás dejaré que me laven el cerebro los internautas ni que se apodere de mí el síndrome de Estocolmo, como aseguran los escandalizados sabios que le ha ocurrido a Alex de la Iglesia, ese chico que era tan querido y admirado por sus colegas hasta hace poco y que sufrirá el destierro de su hogar ancestral por traidor, por haber enloquecido repentinamente, por plantearse que la Ley de esa ministra tan lúcida a lo peor tampoco sirve para que el desagradecido público se enamore de nuevo del cine español (¿lo ha estado alguna vez?) y retorne a las depauperadas salas que le dan cobijo.

Escucho el ardoroso y emotivo discurso con el que se despide de la presidencia de la Academia el hijo pródigo y me parece que es sincero en su furia y en su tristeza, que está convencido de que o su familia artística cambia de rollo ante las exigencias de una revolución imparable o el negocio común se irá al infierno. Hay aplausos tibiamente educados para el apóstata. No le lanzan flechas ni tomates. Pero sospecho que Alex de la Iglesia va a quedarse muy solito a partir de ahora, que se acabaron las risas a sus gracias, las palmaditas en la espalda, el baboseo, el respeto fingido o real hacia su imaginativo cine y su desbordante personalidad.

La ceremonia empezó bien, con un numerito cantor y danzarín acaudillado por Luis Tosar que tenía bastante gracia. También con la habitual comicidad, inteligencia e ingenio que desprende el impagable presentador Andreu Buenafuente. Pero la cosa fue decayendo, yo al menos precisé una notable paciencia para aguantar hasta el final las expectativas, derrotadas por las inacabables dedicatorias de la mayoría de los premiados, por sketches que se empeñaban vanamente en despertar la carcajada.

Las cuatro películas que competían eran muy atractivas. Este año no se había colado ninguna mediocridad arropada por la capacidad de adhesión que generan las productoras que ofrecen continuo trabajo a sus encantados votantes. Que haya ganado Pa negre , ese veraz, complejo, hondo, violento, estético y sombrío retrato de las barbaries que pueden ocurrir en la posguerra, los abusos de los ganadores y la aterrorizada supervivencia de los vencidos, de la mezcla de luces y sombras que existen en las relaciones de poder, es irreprochable. Es la película más sólida y emotiva que ha rodado ese director siempre inquietante llamado Agustí Villaronga . El trabajo de Nora Navas, Laia Marull, Marina Comas y Francesc Colomer es impecable. También gratamente sorprendente en el caso de esos niños tan espontáneos y creíbles.

Biutiful, una película que a ratos me irrita, posee un imán muy poderoso y es la admirable interpretación, entregado en cuerpo y alma, de Javier Bardem.

Cuentan que el guión que escribió Chris Sparling en Buried dio infinitas vueltas por las productoras norteamericanas antes de que Rodrigo Cortés se obstinara en hacer una película apasionante sin salir de un atáud. Lo que le ocurre dentro de ese espacio claustrofóbico a una persona horrorizada está poderosamente descrito en su escritura. La idea es tan original como el desarrollo. Hubiera sido demasiado mezquino negar algunos incontestables medios técnicos a Balada triste de trompeta. Y entiendo la expresión desencantada de Iciar Bollain al ver que También la lluvia, dotada de razones para ser la favorita, tuviera que conformarse con premios menores, incluido uno bastante merecido a la breve y rotunda interpretación de Karra Elejalde, actor con cuyo histriónico arte casi nunca he logrado conectar. No puedo opinar todavía de Chico y Rita, pero es de esas películas que tengo inaplazables ganas de ver. Disfruté con la elaborada frescura, la atmósfera y las descripciones sentimentales que crea David Pinillos en Bon apetit.

Sospecho que vamos a echar de menos a Alex de la Iglesia al frente de esa cosa tan tortuosa llamada Academia de Cine. Al menos, debería de convencer a Buenafuente para que siguiera presentando los Goya.

COMPROMISO CON TALENTO. Crítica de Carlos Boyero.
Dirección: Icíar Bollaín. Países: España, Francia y México. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama.

A cualquier cinéfilo joven le resulta familiar que han existido ancestralmente géneros denominados comedia, terror, bélico o western (aunque este lleve mucho tiempo en estado de defunción) pero le puede sonar a marciana la certidumbre de que en una duradera época se prodigaron etiquetas tan prestigiosas como cine político, social y de denuncia. Y se preguntarán cuáles eran los imprescindibles requisitos para inscribirse en esas temáticas. También la fe en que el cine podía ser utilizado como un arma para cambiar el mundo. Los posmodernos, esos impostores que no inventaron nada aunque supieran tanto del vacío vendible, se partieron de risa años más tarde ante esos planteamientos entre naifs y apolillados del cine militante. Y como todo en la vida, en esos géneros con vocación de trascendencia convivieron lo mejor y lo peor, el planfletario necio y el retratista complejo, el voceador de consignas esquemáticas y el intelectual en posesion de matices y capacidad para sembrar la duda.

El guionista Paul Laverty, habitual colaborador para bien y para mal en el siempre identificable cine de Ken Loach, y la directora Iciar Bollain, representan dos visiones del mundo, sensibilidades, formas de acercarse a la realidad, que estaban destinadas a encontrarse. El resultado en También la lluvia destila cosas buenas, matices, verosimilitud, sentimiento, las mejores esencias de ese cine político que dejó de estar de moda hace tanto tiempo.

Cine dentro del cine

Hay varias historias en esta película, incluida esa tan arriesgada del cine dentro del cine. Todas ellas funcionan. adquieren sentido al mezclarlas. Está la del rodaje en Bolivia de una concienciada película que reconstruirá el expolio y la legalizada barbarie que sufrieron los indígenas cuando las carabelas de Colón desembarcaron en América, la rebelión de éstos ante el tributo en oro que les exigen los civilizados depredadores, la protesta ante la voracidad de los colonizadores y la indefensión de los nativos del cura Bartolomé de las Casas. Le acompaña el retrato sicológico de la gente que está haciendo esa película, sus relaciones con la población indígena que actúa como secundaria y extra a precios tercermundistas, los tormentos internos y las dificultades externas para lograr que esa ficción que reconstruye un pasado atroz pueda llegar al final en medio de las tensiones ambientales, el dilema y el desgarro del posibilista productor, el angustiado director y los acojonados o dignos actores protagonistas al ser obligados por las circunstancias a tomar partido entre el arte y la realidad. La tercera historia se centra en el grito popular y las manifestaciones en Cochabamba contra la privatización del agua concedida a una multinacional, acaudillada por un indio que interpretaba en la película al lider indígena que se sublevó contra los invasores españoles.

El tema es suculento para las tentaciones de maniqueísmo, algo contra lo que no tengo prejuicios si es inteligente, si logra convencerme de que existen los buenos y los malos. Pero aquí tampoco aparece. Sí las luces, sombras, dudas, miedos, huidas, miserias, coraje , paradojas y contradicciones de los que pretendiendo denunciar mediante el arte atrocidades del pasado descubren que en la vida real y en su presente se está repitiendo la antigua tragedia de los eternos perdedores.

También la lluvia es algo más que un retrato digno acompañado de inmejorables intenciones. Es una buena y compleja película. Iciar Bollain cree en lo que está contando y lo sabe transmitir con talento.

LOS OJOS DE JULIA de Guillem Morales (una presentación de Guillermo Del Toro).
Boyero no gusta de este largometraje, es más cree que es una gilipollez: "Me parece directamente infame. Es de estas películas que cuando pretenten asustarte, te ríes. Belén Rueda es una mujer bellísima con algo especial, una de las grandes sorpresas del cine español. Pero en esta película todo me parece increíble".

El mal ajeno (de Óscar Santos)

2011-04-14T07:16:00.000-07:00

La cinta cuenta la historia de Diego, un médico tan acostumbrado a manejar situaciones límite que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, hará que su compañero sentimental señale a Diego como responsable directo de lo ocurrido. Durante un inquietante encuentro, Diego es amenazado con una pistola. Horas después, sólo recuerda el sonido de una detonación y la extraña sensación de haber recibido algo más que un disparo.

El encierro (de Tommy O'Haver )

2011-04-14T06:52:00.000-07:00

El encierro (Un crimen americano), basada en la historia de Gertrude Baniszewski, una ama de casa de los suburbios que, en los años sesenta, secuestró y mantuvo a una niña encerrada en el sótano en su casa de Indiana. Allí la sometió a todo tipo de torturas, e incluso instó a sus seis hijos y a varios vecinos a que participaran de este juego macabro.

Datos de la historia real (Wikipedia):

Sylvia Marie Likens (1949-1965) fue una víctima de asesinato, tortura y violación de Indianápolis, Indiana (Estados Unidos). Fue torturada hasta la muerte por Gertrude Baniszewski y sus hijos, así como varios jóvenes y niños del vecindario. Aunque muchos vecinos admitieron haber oído gritos y lamentos procedientes de la casa de Baniszewski, no avisaron a la policía porque ellos consideraban que era mejor no entrometerse. Cuando se dio a conocer el caso de Sylvia Likens en Estados Unidos, el país entero quedó horrorizado. Los médicos forenses describieron el caso como "el caso de abuso físico más terrible del estado de Indiana". En su honor, hay un pequeño monumento con su foto colocado por orden del Departamento de Policía de Indianápolis.

En junio de 1965, Jennifer y Sylvia Likens fueron dejadas al cuidado de una ama de casa llamada Gertrude Baniszewski, una señora asmática con seis hijos (de diferentes padres) a quien habían conocido pocos días antes en la Iglesia. Sylvia era una muchacha callada y agradable a la que todos querían, que además ayudaba fregando los platos y planchando. Su hermana Jennifer también era muy callada, y había nacido con una pierna encogida, que había ido avanzando hasta llegar a poliomielitis. A pesar de su discapacidad, se las arreglaba para bailar y montar en patineta. Sus padres, Betty y Lester Likens, pagaron a Baniszewski unos muy necesitados 20 dólares a la semana por cuidar de las niñas, y quedaron convencidos de que Gertrude cuidaría de Sylvia y Jenny como de sus propias hijas. Al principio, todo iba bien, y las chicas parecían llevarse bien con los chicos Baniszewski. Tal vez el primer aviso del horrible crimen que iba a ocurrir después fue exactamente después de siete días de su llegada, cuando los 20 dólares llegaron con un día de retraso. Entonces, Baniszewski llevó a las niñas al sótano y les dijo: «Bien, perras, he cuidado de vosotras durante una semana por nada. El cheque de vuestro padre no ha llegado». Cuando Sylvia intentó explicar que seguramente el dinero se había retrasado, Gertrude ordenó a ambas que se inclinaran sobre una cama, se quitaran la falda y ropa interior y las azotó con una pala en las nalgas. Como Jennifer tenía poliomielitis y era la más pequeña, Sylvia propuso a Gertrude que la castigara a ella en vez de a su hermana pequeña. Baniszewski accedió.

Después de una semana, Betty y Lester Likens vinieron a visitarlas. Nadie se quejó y los Likens se marcharon contentos. A partir de entonces, Baniszewski y sus hijos, así como varios adolescentes del barrio, empezaron a abusar física y psicológicamente de Sylvia. En realidad no podía soportar a las chicas, pero sobre todo a Sylvia, a quien acusaba de ser una sucia y una promiscua. Un día, Gertrude le preguntó a Sylvia por qué pasaba tanto tiempo en la tienda de alimentos donde trabajaba. Likens explicó que había encontrado botellas de soda vacías y que las estaba llevando a la tienda para ganar unos cuantos centavos extra. Baniszewski no le creyó y la obligó a desnudarse completamente e introducirse una botella de Coca-Cola en la vagina delante de todos sus hijos y de Jenny. Este suceso, en la vida real, ocurrió dos veces. La primera vez la botella se rompió estando en el interior de la niña y los cristales rotos le desgarraron las paredes vaginales. Cuando esto ocurrió, todos menos Jennifer estallaron en risas y aplausos, mientras Baniszewski no paraba de fumar. También le pegaba muy a menudo con una paleta de casi un centímetro de espesor. Cuando ella se cansaba de esa tarea, cedía el derecho a manipular la paleta a su hija mayor, Paula. Paula Baniszewski tenía 18 años y era obesa. Pesaba 86 kilos. Paula pegaba a Sylvia varias veces al día.

A la hora de cenar, Sylvia generalmente no comía nada. Se limitaba a observar como los demás comían. En muchas ocasiones, su hermana Jenny robaba disimuladamente un poco de pan para ella, pero tenía tanto miedo a Gertrude que nunca se atrevió a desafiarla. Una vez, Sylvia tuvo que quitar a Paula su traje de educación física, ya que sin él no podía dar la correspondiente clase de gimnasia. Cuando Gertrude se enteró, mandó a su hija Stephanie, una prostituta, y a su novio, Coy Hubbard, a arrojarla por las escaleras del sótano. Sylvia recibió un fuerte golpe en la cabeza y permaneció inconsciente durante casi dos días. Coy Hubbard, quien tenía 15 años y era el novio de una de las hijas de Gertrude, pesaba 85 kilos y medía casi dos metros. Se convirtió en uno de los peores tormentos de Sylvia. Era una especie de experto en judo y le encantaba lanzar a la chica por el aire. En el sótano de los Baniszewski, había un viejo colchón, que se suponía que le proveería a Sylvia un suave aterrizaje. Coy, generalmente, calculaba mal, y Sylvia aterrizaba con un crujido en el suelo de cemento. Todo el mundo se reía. Nadie, incluyendo a Jenny, hizo nada al respecto. De hecho, todos, menos Paula, parecían deleitarse con su comportamiento.

El 28 de julio de 1965, el reverendo Roy Julian pasó a saludar. Se fue bastante preocupado por la señora Baniszewski, pues en su condición era difícil soportar tal contingente de niños. La señora Saunder, enfermera de salud pública, hizo una llamada. Gertrude explicó que una de las niñas a su cuidado, Sylvia Likens, era una prostituta y estaba corrompiendo a sus hijos. La señora Saunders se compadeció, pero nunca volvió a llamar. Una vez, Sylvia orinó en su cama sin darse cuenta. Esto fue porque la niña recibia de castigo patadas entre las piernas, y de tantas patadas perdió el control de su vejiga. Gertrude, enfadada, volvió a introducirle la botella de Coca-Cola en la vagina, aunque esto era algo ya habitual para Sylvia. Entonces, Baniszewski decidió que Sylvia no estaba a la altura para dormir arriba con el resto de la familia. El sótano y el colchón serían lo suficientemente buenos para ella. A partir de entonces, Sylvia sólo se alimentó de una pequeña porción de agua y galletas saladas a la semana. También fue torturada y obligada a comer sus propias heces. La muchacha se desnutrió y deshidrató. De vez en cuando, los chicos Baniszewski la sumergían en baños excesivamente calientes. Cuando salía, su piel estaba irritada y roja por el calor. Una vez se desmayó en la bañera y fue sacada por el pelo. En un momento dado (muy difícil de señalar según los médicos forenses), Sylvia dejó de resistirse a sus castigos. Entonces, la señora Baniszewski le arrancó la blusa y los pantalones cortos, que es el estado en el que se quedaría Sylvia durante el tiempo de vida que le quedaba allí. A John Baniszewski Jr., a pesar de tener sólo trece años, le gustaba escuchar los dolorosos gritos de Sylvia cuando le pegaba patadas o apagaba los cigarrillos de su madre en los brazos, piernas o estómago de Likens. También gozaba al darle puñetazos en el rostro, golpearle el vientre o patearle y pisarle la cara mientras estaba en el piso.

A Ricky Hobbs, un muchacho del barrio de Indianápolis, le había gustado Sylvia desde el momento en el que llegó, pero ella le rechazó y empezó a salir con otros chicos, lo que le produjo un gran odio hacia ella. En varias ocasiones, él y Coy Hubbard ataban a Sylvia Likens a una viga de madera que había en el sótano, después de una gran cantidad de golpes que le propinaban ambos. En una ocasión, Richard Hobbs acogotó a Sylvia durante tanto tiempo que todo el mundo pensó que se había muerto. Durante ese largo período, la señora Baniszewski contó por todo el vecindario que Sylvia era una prostituta, lo que causó que los vecinos no la miraran con buenos ojos. Luego obligó a la niña a escribir varias cartas donde detallaba escabrosos asuntos sexuales y confesaba que era una prostituta. Gertrude dijo además que Sylvia no había hecho más que causar problemas desde que llegó a su casa y que era una muchacha inmanejable, y que justamente por eso la había enviado al Reformatorio de Indiana. Los vecinos y vecinas que vivían a lado de la casa de la señora Baniszewski oían gritos, lamentos, gemidos y golpes, pero no hicieron nada al respecto porque pensaron que era mejor no meterse en problemas.

El hogar de los Baniszewski era el punto de encuentro de muchos chicos y chicas del barrio. Cuando varios jóvenes observaron que Sylvia soportaba el abuso al que era sometida, ellos también comenzaron a mofarse de ella y a aplicarle castigos físicos. Los chicos la mordían, besaban, acosaban, intimidaban, y abusaban de ella sexualmente. También traían a sus respectivas novias y a varios amigos, que también se reían de ella. Nunca pensaron que la broma iba a llegar tan lejos. Cuando en el juicio se les preguntó por qué habían hecho eso y por qué no habían ayudado a Sylvia, todos contestaron lo mismo al fiscal: «No lo sé, señor». Frecuentemente, estos otros invitados también decidían participar en los tormentos a la niña. Alguien hizo un dibujo de la niña poniéndole cuerpo de mujer y una posición sexualmente explícita. Este dibujo circula hoy día por Internet. Pocas semanas antes de su muerte, Gertrude, con una aguja al rojo vivo, escribió en el abdomen y estómago de Sylvia: «Soy una prostituta y estoy orgullosa de serlo». A mitad del trabajo se cansó, pero Ricky Hobbs continuó el trabajo por ella mientras John Baniszewski Jr. le sujetaba los brazos a Sylvia Marie. A la mitad de penúltima palabra, la aguja dejó de quemarle la piel, por lo que Hobbs empezó a hacerle cortes en vez de rozar la aguja en la piel para escribir. «¿Qué harás ahora, Sylvia?», musitó Gertrude con la mirada fría. «¿Qué harás? Ahora ya no podrás mostrarte desnuda ante ningún hombre sin que te vea la marca. Ahora ya nunca podrás casarte. ¿Qué vas a hacer?». El mayor castigo para aquella mujer, más allá de las torturas, de las palizas, de las humillaciones, parecía ser el no permitir a la muchacha que se casase, el dejar que viviera sola -como ella- para siempre. Esa tarde, Coy Hubbard pasó por la casa. Golpeó a Sylvia en la cabeza con un palo de escoba, dejándola inconsciente. Pocos días antes de la muerte de la muchacha, ella intentó escaparse. La descubrieron y fue duramente castigada. Su hermana Jennifer Likens fue obligada a abofetearle la cara hasta que estuviera completamente roja. El día anterior a la muerte de Sylvia Likens, Paula Baniszewski le dio a Sylvia su tratamiento especial: le pasó sal por todas sus heridas. A la mañana siguiente, Sylvia estaba casi incoherente. Tenía moretones, cortes y heridas de todo tipo por todo el cuerpo, hedía a causa de la falta de aseo, las cicatrices de quemaduras resaltaban por todas partes de su piel y hablaba sobre irse con sus padres y alcanzarlos en la feria donde se encontraban. Gertrude decidió que debía mojarla con la manguera. Una manguera de jardín fue llevada hasta el sótano. Todo el mundo se rió mientras el agua salpicaba sobre el demacrado cuerpo de Sylvia Likens. Ella no se movió. No pudo hacerlo. Estaba muerta.

Richard Hobbs fue quien llamó a la policía con la vaga noción de que le harían el boca a boca y ella resucitaría milagrosamente, quedando ellos como héroes, y que todo estaría bien. Al ver el cuerpo, los oficiales y médicos declararon que el de Sylvia Likens era el peor caso de abuso físico que habían investigado en la historia del estado de Indiana. Sylvia Likens murió por hemorragia cerebral, shock y desnutrición.
Juicio

En el juicio, los adolescentes y niños del barrio aceptaron su culpabilidad y detallaron los castigos a los que habían sometido a Sylvia. Gertrude Baniszewski intentó librarse de la cárcel cargando toda la culpa en sus hijos y los adolescentes del barrio, aludiendo que ella no sabía nada de lo que ocurría en el sótano, pero todos los niños declararon lo mismo sobre Baniszewski: ella alentaba la tortura y participaba en ella. Jennifer Likens declaró lo mismo.

La mayoría de las personas que fueron invitadas a ver cómo torturaban a Sylvia, terminaban maltratandola también, la humillaron y violaron, y ellos parecían deleitarse con todos esos gritos de dolor y querían también maltratarla, en el momento del juicio, el fiscal les preguntó el porqué de su actitud, por qué maltrataban también a Likens, por qué no hicieron nada para ayudarla, todos contestaron que no sabían, ninguno de ellos supo justificar su actitud.
Condenas

* Gertrude Baniszewski fue hallada culpable de asesinato en primer grado y sentenciada a cadena perpetua. Se le recluyó en la Prisión de Mujeres de Indiana. Obtuvo su libertad condicional el 4 de diciembre de 1985, luego de estar veinte años en prisión. Poco antes de morir en 1990, Gertrude Baniszewski aceptó finalmente su culpabilidad, responsabilizando a sus problemas personales y a una serie de medicamentos que ingería, por sus actos criminales.

* Paula Baniszewski fue hallada culpable de asesinato en segundo grado y sentenciada a cadena perpetua. Obtuvo su libertad condicional el 23 de febrero de 1973, luego de servir siete años en prisión. Tuvo una hija en ese mismo año y la llamó Gertrude.

* Coy Hubbard fue hallado culpable por homicidio impremeditado y sentenciado a 21 años de prisión. Se convirtió en un delincuente y volvió a la cárcel con frecuencia.

* Richard Hobbs fue hallado culpable por homicidio involuntario y sentenciado a 21 años de prisión. Murió a los 20 años de cáncer de pulmón.

* John Baniszewski Jr., pese a tener trece años de edad, fue sentenciado a cumplir 21 años de cárcel; fue el preso más joven del reformatorio de la historia de ese estado. Tras cumplir su condena, se convirtió en pastor laico, para contar su historia.

* Stephanie Baniszewski fue hallada culpable por cómplice y fue sentenciada a cumplir 12 meses en prisión. Ella junto con Coy Hubbard arrojaron a Sylvia por las escaleras del sótano, lo que le produjo una hemorragia cerebral.

Una esposa de mentira (de Dennis Dugan)

2011-04-14T06:47:00.000-07:00

Una buena comedia con Adam Sandler y Jennifer Aniston:

"Una Esposa de Mentira” (Just go with it), es una comedia romantica protagonizada por Adam Sandler y Jennifer Aniston. En está, Danny (Sandler) es un cirujano plastico el cual finge estar casado y el cual se encuentra pasando a la vez por momentos muy tormentosos en su relación para así ganarse la lástima y compasión de bellas mujeres. Para así al final terminar consiguiendo algo más que un beso por parte de ellas. En una fiesta, Danny se topa con Palmer (Brooklyn Decker) y cree que ella será con quien pase el resto de su vida, sin embargo ella encuentra en un bolsillo de Danny un anillo de compromiso y se niega a seguirlo viendo si no es que este le explique convincentemente una razón por la cual él portaba con el anillo (ya que lo conocio sin este). Ahi es cuando entra Katherine (Jennifer Aniston) quien trabaja con Danny y cae en el chantaje de este y se hace pasar por la próxima ex esposa del mismo…a partir de ahí una serie de eventos y confusiones se comienzan a dar en el resto de la cinta".

El arca rusa / Padre e hijo (de Alexander Sokurov)

2011-04-14T06:40:00.000-07:00

Copio un artículo de www.cineismo.com sobre Alexander Sokurov:

No es incondicional mi admiración por Sokurov. Después del deslumbramiento de Madre e hijo, encontré su filmografía muy despareja y Taurus, una frustración. En Padre e hijo volví a apreciar la veta intimista, que explora con excelentes resultados. Y entre sus mediometrajes documentales, en Una vida humilde logra un retrato hermoso y conmovedor, que no consigue en Dolce. Pero siempre es interesante su elaboración sobre la imagen, la fotografía, el plano, por eso celebro el estreno de El arca rusa, una de las películas más originales y creativas en lo que va del (pobre) 2003.

La primera referencia obligada es acerca de su aspecto técnico, pues se trata del primer film en toda la historia del cine íntegramente filmado en una sola toma; es decir que se rodó en los 96 minutos de tiempo real en que transcurre la película, sin un solo corte, sin montaje alguno. Esto supera el ya paradigmático ejemplo de Festín diabólico (o La soga) de Hitchcock, que fue filmada en la que se supone es una toma, aunque en realidad Sir Alfred tuvo que cambiar de rollo varias veces, disimulando los cortes. La tecnología digital ha hecho posible que Sokurov filmara sin cortes y en alta definición: la cámara al hombro mandaba toda la información a un disco rígido con una calidad de imagen muy superior a la del video convencional, y se la transfirió más tarde a un negativo de 35 milímetros.

Pero no es aconsejable distraerse con el virtuosismo técnico del film: El arca rusa es un homenaje al museo del Hermitage de San Petersburgo y a la Rusia zarista. Y constituye además un maravilloso monumento visual que excede todo contenido ideológico o referencia a la tecnología.

El museo del Hermitage ocupa hoy un conjunto arquitectónico compuesto por varios edificios imperiales que incluyen el Teatro Hermitage y el Palacio de Invierno que habitaban los zares en los siglos XVIII y XIX, obra de Pedro el Grande, y donde Catalina II colgó su colección de pinturas en 1764. Allí tuvo lugar la revolución bolchevique de octubre de 1917, allí se soportó durante casi tres años el sitio de los nazis a la ciudad, y hoy es uno de los museos más importantes del mundo. San Petersburgo cumple 300 años y Sokurov le rinde homenaje en este film.

Su cámara entra al museo por una puerta trasera y desde allí, con muy pocos momentos de reposo, recorre pasillos, sube y baja escaleras, atraviesa más de treinta salones, vuelve sobre lo recorrido, todo en un único plano secuencia. Pero el viaje no sólo es espacial, sino que en ese mismo plano recorre los últimos 300 años de la historia de Rusia, que tuvieron en ese Palacio su centro de poder. Como en muchos de sus films, la imagen aparece acompañada por un narrador o una voz en off, la de un personaje de nuestros días preguntándose qué hace en ese lugar, poblado por gran cantidad de personajes vestidos como en épocas pasadas. Nadie parece percibirlo, excepto un hombre cuyo traje denota que no es contemporáneo del resto. Se trata de un noble y diplomático francés, quien se muestra tan sorprendido como el narrador –cuyo punto de vista comparte la cámara, o el mismo Sokurov– de hallarse en esos salones, y de hablar ruso. Esa suerte de Virgilio confundido lo guía por los distintos círculos o salones del Hermitage que conforman este arca rusa, reservorio de las creaciones, del espíritu y la identidad de un país. ¿Se trata de un sueño? ¿Son fantasmas? La cámara-narrador y su interlocutor comparten un recorrido espacio-temporal, mientras cruzan filosos e irónicos diálogos sobre la historia y la mentalidad rusas. Los tesoros artísticos que desfilan ante nuestros ojos son notables: varios Rembrandt, El Greco, Van Dyck, pintura medieval, italiana, la lista es interminable. El viaje temporal no sigue un orden cronológico, sino que las distintas capas del pasado se extienden, se pliegan, se superponen. Vemos en escenas privadas a Pedro el Grande, fundador de la ciudad, a la emperatriz Catalina II la Grande supervisando el ensayo de una obra de teatro, a Nicolás I en una ceremonia diplomática con toda su plana mayor, al último zar, Nicolás II, desayunando en familia mientras afuera estalla la revolución, y estas escenas alternan con momentos del siglo XX y XXI: en una ocasión, los itinerantes acceden a un salón en el que personas actuales, reales, visitan el museo y contemplan sus cuadros mientras el francés dialoga con ellos; en otra oportunidad, atraviesan una puerta prohibida y se encuentran en un exterior helado, donde un carpintero fabrica su propio ataúd, rodeado de ruinas y marcos sin telas (esa fue la época socialista, cuando San Petersburgo se llamaba Leningrado; esa fue la guerra). Los distintos momentos históricos se suceden fluidamente sin orden lógico, a la manera de un sueño, o al modo en que en una misma pared del museo conviven cuadros de épocas diferentes.

Para concretar su proyecto, Sokurov convocó a tres orquestas y más de mil actores y extras que ensayaron durante varios meses con la colaboración de 22 asistentes de dirección, quienes marcaban a cada paso la entrada y salida de los actores, a lo largo del recorrido de la cámara, que en ocasiones vuelve sobre sí misma en giros de 180º grados. Un mecanismo de relojería, que funcionó como tal. El director de fotografía y operador de steadycam es el alemán Tilman Büttner, fotógrafo de Corre Lola corre, otro tour de force camarográfico.

El viaje culmina en 1913, en un baile de gran gala en el que participan cientos de personajes en una coreografía majestuosa, al son de la música de Glinka.

Más allá de lo novedoso de su realización, el interés por El arca rusa radica en que continúa las inquietudes intelectuales de Sokurov. Discípulo declarado de Tarkovski, prosigue en este film las investigaciones sobre las posibilidades de la imagen, que había dado planos tan sorprendentes en Madre e hijo. Por otra parte, Sokurov es un romántico que vuelve a reflexionar sobre la historia de Rusia (estudió Historia en la universidad), como antes en Moloch –sobre el ocaso de Hitler–, Taurus –los últimos días de Lenin y su tensión con Stalin– y en Voces espirituales –crítica de la presencia soviética en Afganistán–. En esta oportunidad, el cineasta no oculta su nostalgia por la época zarista, y su espíritu crítico hacia el período socialista; además cuestiona la dependencia rusa de la cultura europea y reflexiona sobre su lugar de tensión entre Europa y Asia: “los rusos no tienen ideas propias (...) No me gustan los uniformes”, se escucha mientras vemos desfilar cientos de ellos por los salones del Hermitage, denotando la importancia de la oficialidad rusa durante el sistema zarista. El pueblo, mientras tanto, como todo orgánico, está ausente. Cuando salimos del museo, en una maravillosa e hipnótica procesión de cientos de uniformes y damas de la corte que dejan atrás una era que se acaba, y esperamos ver las calles transitadas, es el mar lo que encontramos. En ese mismo Palacio de Invierno, Sergei Eisenstein había filmado Octubre, su tributo a la revolución de 1917. El film de Sokurov se instala en el otro extremo, no sólo en cuanto a las cuestiones de montaje, sino a la posición ideológica: ahí está –entre otros– ese “momento perfecto” en que las hijas del zar corren bellísimas, idealizadas como ninfas, por los pasillos del Palacio. Al director no le preocupan las acusaciones de reaccionario que llueven sobre él.

Otro tema que reitera es su interés por el arte: el recorrido de los museos ya había tenido una primera aproximación en Elegía de un viaje, que culminaba con la visita a un museo de Holanda y fue una suerte de ensayo de El arca rusa.

Y por fin el tratamiento del tiempo, protagonista del film junto con el espacio, continúa las exploraciones temporales que aborda de una u otra manera en toda su obra. El film transmite la sensación que se tiene cuando se entra en cualquiera de los grandes museos de Europa: el pasaje a otra realidad, a un tiempo otro que el presente cotidiano. En lugar de la representación indirecta del tiempo que construye el montaje, todo este film constituye una imagen-tiempo en la que presente y pasado conviven simultáneamente. Se siente el fluir del tiempo en el plano, para usar palabras de Tarkovski. Un tiempo que tal vez nos lleva a una catástrofe. No es casual que la película termine disolviéndose en la imagen del mar rodeando el Arca, mientras el narrador dice resignado: “Estamos destinados a navegar para siempre.”

Josefina Sartora

Carancho (de Pablo Trapero)

2011-04-14T06:32:00.000-07:00

Carancho es el retrato de dos perdedores. Sosa, el abogado sin licencia que encarna Ricardo Darín, se define por sus sucios trajines y luce apaleado, molido a golpes; es un tramposo, pero también víctima de las malas jugadas que le lanza el destino y personaje principal de una historia ominosa, renegrida. Buscavidas urbano, es el buitre que se beneficia con el dolor ajeno, el marrullero, el hombre sin atributos que transita por la vía equivocada y siempre a punto de ser arrollado. Pero siendo todo eso, en el fondo es también un iluso: está convencido de que su suerte ya cambió para mejor porque una mujer lo ama y está dispuesta a acompañarlo en sus trapacerías.

Pero esa mujer, Luján, interpretada por Martina Gusmán, no solo es perdedora; también se destruye. Novata doctora de emergencias de un hospital, ella vive de noche, asiste a moribundos y fracturados y es arrastrada por Sosa, el carancho, ave carroñera, en su trayectoria terminal. Es protagonista de un ‘film noir’, pero carece de glamour; es ordinaria, como todos. No tiene el ímpetu de una Verónica Lake, ni la exaltada rapacidad de una Barbara Stanwyck, heroínas del filme criminal de vertiente negra. Exhibe, más bien, las huellas de su decadencia física. Carancho es una película que privilegia superficies, texturas, asperezas y, por eso, muestra en primer plano cicatrices y desgarraduras. El personaje de Darín las lleva en el rostro; ella, en las piernas y el pie, donde oculta sus pinchazos. El oscuro romanticismo de Carancho se sustenta en la atracción que suscitan en la pareja esas huellas y laceraciones.

Carancho es, por eso, una cinta que narra acciones criminales, pero también una historia de amor. Amor visceral, entre víctimas. Pablo Trapero, el director de “Mundo grúa”, “El bonaerense” y “Leonera”, hace su película más oscura y una de las más logradas. Acierta no solo en el retrato individual, sino en la descripción de los lugares, el gran Buenos Aires nocturno y peligroso, y los ambientes, esas oficinas donde se transan arreglos sórdidos entre compañías de seguros, médicos, abogados y caranchos para perjudicar a las víctimas de accidentes de tránsito. Un sistema corrupto se pone en evidencia no a través de la denuncia proclamada o señalada, sino a través de su encarnación en una trama de acción y pasiones fuertes.

Tan fuertes y penetrantes como el tratamiento visual y sonoro de la película, con la presencia de las luces y murmullos de la ciudad enmarcándolo todo. Carancho es una crónica urbana, de colores saturados, sobre todo en las noches, cuando se privilegian los reflejos luminosos sobre las superficies lisas. Mientras más cálidos son los rojos y amarillos que rebotan en la imagen, más densa es la descomposición del mundo que vemos. Las gradaciones cromáticas que van del rojo intenso de los semáforos a los tonos violáceos o amoratados de los rostros golpeados y cortados, marcan la dialéctica de los espacios dramáticos: pasamos de la amplitud nocturna de la ciudad a la estrechez de los lugares donde se pacta y se trampea y de ahí a la proximidad de los planos afectivos, cercanos, a los rostros de personajes entrampados.

Martina Gusmán y Ricardo Darín son el sustento de la película. Imponen sus presencias físicas y corporalidad. Urgidos por el deseo o impulsados por la necesidad de sobrevivir, se mueven como si les dolieran los huesos o les pesaran los cuerpos. Sobre todo Darín, notable actor, tan embotado, interior, trasnochado, ambiguo y estólido como el mejor Robert Mitchum.

Ricardo Bedoya

El escritor fantasma

2011-01-23T13:44:00.000-08:00

Los sentimientos de encierro, acoso y paranoia son combustibles en la obra de Roman Polanski. En El escritor oculto están en la base de la trama, impulsan el relato y definen a su personaje central.

Ewan McGregor acepta ser el ‘escritor fantasma’ de la autobiografía de un ex-ministro británico (Pierce Brosnan) acusado de crímenes contra los derechos humanos y residente en Estados Unidos. Viaja hasta la residencia costera del político para iniciar su trabajo y desde el primer momento se convierte en prisionero de un espacio y un lugar. Pero no a la manera opresiva y patológica de Catherine Deneuve en “Repulsión”, del propio Polanski encarnando a “El inquilino”, o acaso de Mia Farrow en “El bebe de Rosemary”, sino de un modo más amable y contemporáneo. Desde su llegada se instala en un régimen de control panóptico, en una residencia de grandes ventanales sobre las dunas del lugar. El ‘escritor fantasma’ es el prisionero de una jaula de cristal. Ahí debe redactar, reescribir y corregir la versión diseñada por un ‘fantasma’ anterior, muerto de modo misterioso.

Lo que sigue es propio de un buen thriller: el protagonista cree ser el motor de una investigación, pero en realidad es objeto de presiones subterráneas, intereses encontrados y tensiones cruzadas que no percibe. Convencido de la visión amplia y transparente garantizada por las ventanas sobre la costa, no se da cuenta de que ellas más bien lo dejan sin abrigo, desprotegido, en un escenario extraterritorial, a merced de los pactos urdidos entre la Casa Blanca y el gobierno de Downing Street durante la guerra de Iraq. Polanski se revela como un alumno aprovechado del Hitchcock de “Intriga internacional”, pero sobre todo del Fritz Lang de “Mientras Nueva York duerme” y “Más allá de la duda”: lo laberíntico y angustioso no nace del abigarramiento formal ni de la profusión de incidentes, sino de la austeridad de los decorados, la geometría de las líneas visuales, la racionalidad de la trama construida. Todo en esta película sigue la pauta de un destino dado, como el camino rastreado por el GPS del auto en una secuencia muy lograda.

Polanski encuentra los signos de lo amenazante, lo reprimido y lo siniestro en los escenarios más cotidianos: una pista de estacionamiento al atardecer, el paisaje de un pueblo costero visto desde un taxi, un hotel sin huéspedes. Pero también lo vislumbra y apunta en la observación del entorno, de los personajes que tratan con el ‘fantasma’: la seductora seguridad de Brosnan (en la mejor actuación de su carrera) oculta trasfondos, así como lo ocultan las mujeres que lo rodean, Olivia Williams y Kim Cattrall. El erotismo del poder y las tensiones entre el ministro y las mujeres forman parte de una trama subterránea, un signo más que el escritor fantasma intuye sin analizar ni comprender del todo. Cuando descubre los vínculos entre las decisiones políticas y los mandatos de la vida privada, es demasiado tarde para todos. “El escritor oculto” es un thriller que anuncia la era de los destapes de Wikileaks.

Otro punto a favor de Polanski: su capacidad para crear un suspenso creciente pero casi impalpable, que no depende ni de giros espectaculares de la trama ni de momentos álgidos, ni de la expectativa de descubrir al final un gran misterio. No estamos ante un relato de Agatha Christie, sometido a la servidumbre del hallazgo del responsable del delito. Lo que importa aquí no es el punto de llegada sino el transcurso y la observación del comportamiento de este ‘fantasma’ que discurre por escenarios cada vez más espectrales, abstractos y laberínticos.

Ricardo Bedoya (fuente: El Comercio, Lima).

“EL PLACER DE LOS OJOS”,PROGRAMA ESPECIALIZADO EN EL SÉPTIMO ARTE, CUMPLE UNA DÉCADA

2010-12-11T05:40:00.000-08:00

ENTREVISTA. Ricardo Bedoya
El cine desde la pantalla chica

“EL PLACER DE LOS OJOS”, PROGRAMA ESPECIALIZADO EN EL SÉPTIMO ARTE, CUMPLE UNA DÉCADA AL AIRE. UNA EXCELENTE OCASIÓN PARA QUE SU CONDUCTOR HAGA MEMORIA Y ANALICE QUÉ HA SUCEDIDO EN EL CINE PERUANO EN LOSLTIMOS 10 AÑOS.

Por: Enrique Planas

El tiempo es circular. Y el crítico Ricardo Bedoya se dio cuenta de ello cuando entrevistaba recientemente a Gianfranco Brero por su participación en la película “La vigilia”, de Augusto Tamayo. De pronto, recordó que el actor había sido su primer entrevistado a propósito de su gran papel en “Tinta roja”, de Francisco Lombardi. Y sacó la cuenta: Habían pasado 10 años exactos. La década ininterrumpida que Bedoya cumple desde que Fernando Cáceres, entonces director de Canal 7, le encargara conducir un programa de cine dentro de lo que se había diseñado como la franja cultural del canal, que incluía teatro (con Luis Peirano), literatura (Iván Thays), historia (Javier Protzel), entre otros. A diferencia de los demás, su programa ha sobrevivido en el aire.

¿Cómo se ha transformado el programa en estos 10 años?
Ha habido transformaciones varias. El estilo de los informes fue cambiando también. Al principio eran muy largos, analíticos, ahora son más cortos, nunca exceden un bloque. Creo que la televisión no es un medio en el que se puede ejercer la crítica ni reflexionar. Se puede dar información, una opinión valorativa, pero no se puede sustentar demasiado.

¿Crees que en diez años la oferta cinematográfica en el Perú se ha mantenido igual?
Estamos peor. Hace 10 años recién se iniciaba el sistema de multisalas, concebido para extender el negocio de la exhibición y concentrar la distribución de películas. Es decir, hay más cines pero menos películas. Ha habido una concentración y la oferta se ha limitado.

¿Qué ha cambiado en el cine peruano en una década?
“El placer de los ojos” nace cuando empieza la onda digital. Antes la mayoría de películas se filmaban en 35 mm. Aparece una generación nueva con otra formación, distinta a la de los cineastas mayores. Menos ideológica, más académica, con una apertura a los cines del mundo y la actualidad. Si vemos “Octubre” y pensamos en Kaurismaki o Bresson, no es por la oferta de los cines de Lima, sino por lo que puede verse en DVD. Si Claudia Llosa alude a una directora como Jane Campion, es porque su cine puede verse en DVD. Ese soporte es fundamental para una mirada nueva. Es también una generación consciente de los fondos internacionales de producción, del circuito de festivales, que sabe cómo presentar sus proyectos. Ya no piensan solo en proyectar en nuestras salas, territorios tan difíciles de entrar. Ellos intentan conquistar una multiplicidad de plataformas de exhibición.

¿Eso no ha creado, sin embargo, un divorcio entre cineastas locales y público?
El público masivo va a ver blockbusters. El territorio de las pantallas se dedica cada vez más a los grandes espectáculos. El cine de autor, o como quieras llamarlo, encuentra su propio público en circuitos paralelos. Lo que tienen que hacer los cineastas es prepararse para conocer esos nuevos circuitos.

La ley de cine que nos rige también ha sobrepasado la década de vigencia. ¿Podemos pensar en el desarrollo del cine sin ella?
Sí y no. Es una ley dada cuando existía el sentimiento de pérdida de la anterior, muy importante pero muy proteccionista. Cuando se da, en 1994, lo que hace es depurar todo aquello que sonara a intervención del Estado. Tenía un esqueleto muy elemental, basado en el deber del Estado de fomentar la cultura. Pero lo que la ley hizo fue hacer depender el cine de los fondos públicos, siempre escasos. Nunca funcionó. Además, no creo que los nuevos cineastas le deban a la ley lo que son. Claudia Llosa, por ejemplo, consiguió sus propios fondos de financiación, como lo hizo Josué Méndez. Por más que hayan recibido recursos de Conacine, no son productos de una ley. Son productos de su propia mirada y de su propio sistema de producción. Sin duda, se necesita una ley, no solo como un primer apoyo económico sino como una carta de presentación.

¿Una ley como la que ahora se discute en el Congreso?
Pienso que esa ley que se ha aprobado en comisiones tiene problemas. Es una ley que tiene una serie de disposiciones mercantilistas. El cine peruano, desde 1994, se hipotecó a la posibilidad de que el Estado le diera dinero. Ahora se está arrastrando al negocio de la exhibición y distribución. Creo que ambas cosas deben ser separadas. Si el Ministerio de Cultura tiene la intención de apoyar al cine peruano, debe crear un fondo con sus propios recursos, que no esté amarrado al azar de que el negocio cinematográfico vaya bien o mal o a la voluntad de los distribuidores.

Celda 211 (de Daniel Monzón)

2010-12-06T14:10:00.000-08:00

Las películas carcelarias suelen seguir dos líneas argumentales: o muestran la minuciosa preparación y ejecución de fugas individuales o colectivas o describen los incidentes de un motín. Las grandes películas de esta vertiente del cine se orientan en una u otra vía: desde "El agujero", de Jacques Becker, hasta "Brute Force", de Jules Dassin; desde "Fuga de Alcatraz", hasta "Motín en el pabellón 11", ambas de Don Siegel.
Pero en todos los casos, priman las atmósferas enrarecidas, los ambientes cerrados, la angustia claustral y el relato se consolida en torno a un personaje fuerte, despiadado, un líder que exige lealtades, impone disciplina, ejerce autoridad, arbitra, juzga y sanciona. Puede tener la serenidad de un Burt Lancaster o un Clint Eastwood o la crispación de Neville Brand o de Malamadre, el personaje que encarna Luis Tosar en "Celda 211", del español Daniel Monzón.
Monzón conoce bien la tradición fílmica que representa la vida carcelaria, pero también las del cine negro y social, que suelen ir aparejadas. "Celda 211" cita –algunos dirían que copia y hasta saquea– una película como "Motín en el pabellón 11", pero la aclimata a una época y a un espacio.
Vemos una cárcel española de hoy donde conviven homicidas comunes, funcionarios honestos, policías crueles, autoridades corruptas, narcotraficantes colombianos, presos de ETA, y entre todos ocasionan un desmadre que la administración política, sin escrúpulos, aprovecha para manipular desde fuera y salir bien librada. El sistema cínico y oportunista de un Estado que da la espalda, ignora y hasta elimina a los leales.
Pero esta lectura política no está encarnada en frases, discursos o latiguillos de denuncia, sino en una trama que se va construyendo a partir de episodios pequeños, coincidencias, infortunios, confusiones, apariencias que engañan, y una dinámica que alterna la descripción del caos y el desorden colectivo con la historia de una relación personal, de confianza e intimidad, entre el recluso Malamadre, líder carismático de la revuelta, y el "topo" Juan (Alberto Ammann), funcionario de prisiones que pasa como recluso por afán de supervivencia. Lo mejor de la película está en la descripción de la dependencia que se crea entre el dirigente mesiánico y el funcionario. Sus objetivos son opuestos, pero entre ambos construyen sus propios espacios de poder complementarios y, de paso, administran sus precarias y amenazadas existencias.
Tosar es Malamadre y luce estólido, concentrado, físico; es el prototipo del "duro", lo que incluye el aura de ángel caído que asume por momentos. Su personaje es un eje de la acción y concentra los aciertos de la película. Cuando la trama se aleja de él y de su entorno, se debilita y luce artificial e inconsistente.
Monzón se siente más cómodo filmando el encierro, creando el suspenso de los pequeños incidentes y ambientando espacios sórdidos que multiplicando las líneas narrativas. Por eso, el destino de la esposa embarazada de Juan aparece como un recurso de guion más bien forzado y la intervención de los presos de ETA como una treta para fechar la acción y arraigarla.

Woody Allen cumple 75 años

2010-12-01T04:55:00.001-08:00

Hoy el diario El País de Madrid informa que el genial cineasta está de cumpleaños:

Woody Allen, autobiografía en 35 milímetros
El cineasta cumple 75 años con más de 60 películas, una docena de libros y cientos de conciertos de jazz en su haber.

Escribe Álvaro P. Ruiz De Elvira.

___

"Él era tan duro y romántico como la ciudad que amaba. Tras sus gafas de montura negra se agazapaba el vibrante poder sexual de un jaguar. Nueva York era su ciudad y siempre lo sería". Isaac (Woody Allen), en Manhattan.
_________

Woody Allen nació un 1 de diciembre de hace 75 años en Brooklyn. En la mitad del otoño, su estación favorita para rodar películas por sus cielos nublados y hojas naranjas, por su niebla misteriosa y la luz especial que alumbra Manhattan. Pero no nació con el nombre que todo el mundo conoce. Lo hizo como Allan Stewart Königsberg. No fue hasta 1952, 17 años después, que se transformó en Woody Allen sobre un escenario. Humorista casi desde que llegó al mundo, escritor, universitario de un solo semestre, actor, dramaturgo, adicto al psiquiatra antes de llegar a los 30, músico, director... el legado de Allen en estos tres cuartos de siglo es inconmensurable. En su faceta más conocida, la de cineasta, ha participado hasta la fecha en 60 películas, de las cuales ha dirigido 46. Y pretende seguir con su terapia de una película anual hasta que no pueda más.

"Yo era un niño pasablemente feliz, ¿saben? Me criaron en Brooklyn durante la Segunda Guerra Mundial. Mi analista insiste en que mis recuerdos de infancia son exagerados, pero les juro que me criaron bajo una montaña rusa de Coney Island, en Brooklyn". Alvy Singer (Woody Allen), en Annie Hall.

Inquieto, delgado, bajito (no pasa de 1,65), tímido, con gafas, don Juan de Manhattan, pero, sobretodo, ateo judío poco ortodoxo. Así se ha representado Allen a lo largo de una filmografía que bien podría ser una autobiografía en 35 milímetros. Sobre su infancia, creemos saberlo todo tras ver al pequeño Alvy Singer en Annie Hall, al jovencito Sandy Bates en Recuerdos o al trasto de Joe en Días de Radio aprendiendo sobre la vida en un barrio de clase media baja en Brooklyn. De esta última, el cineasta siempre ha reconocido que todo está inspirado, aunque un poco exagerado a modo de cómic, en su infancia.
Dios mío, este infeliz es patético[....] Si yo tuviera valor para salir a contar mis chistes yo mismo. Alvy Singer (Woody Allen), en Annie Hall (1977).
La carrera humorística de Allen comenzó en los años 50 en los cabarets que luego plasmaría en Broadway Danny Rose y como escritor de chistes para otros cómicos. De ahí pasó a la televisión donde colaboró como guionista y como humorista en programas como el programa de Johnny Carson o el Ed Sullivan Show. En la que se puede considerar su trilogía de películas más memorables, Annie Hall, Manhattan y Hannah y sus hermanas el cómico hace un ejercicio autobiográfico con sendos personajes que se dedican a la escritura y producción de humor.

"Y si llega a decir algo mas sobre Ingmar Bergman le salto de un puñetazo las lentillas de contacto" Isaac Davis (Woody Allen), en Manhattan (1979).

Es en el cine y no en la televisión donde Allen ha depositado siempre su corazón. Desde que tuvo uso de esa razón tan humorístico-analítica tan personal, Allen ha disfrutado con las grandes películas de la historia del cine. De Chaplin a Scorsese pasando por Minelli, Bergman, Wilder, Kurosawa, Fellini o Hitchcock. Allen, miembro de la última gran generación del cine, la de Scorsese, Coppola, Spielberg, Mallick..., ha podido absorber de los maestros en las salas de cine.
Son constantes sus homenajes a los clásicos del cine estadounidense, japonés y europeo. En su obra de teatro y guión de cine Sueños de un seductor, Allen habla directamente en sus ensoñaciones con el Humphrey Bogart de Casablanca. Escenas de Annie Hall, Toma el dinero y corre o Todos dicen I love you le sirven para homenajear a Groucho Marx, su cómico de cabecera. El expresionismo alemán está presente en Sombras y niebla. Como recalca Jorge Fonte en su libro Woody Allen (Cátedra), Manhattan le debe mucho a Vincent Minelli o a Billy Wilder. Y en casi todos sus trabajos, Bergman y Fellini son una constante.
En 1969 Allen rodó su primera película como director, Toma el dinero y corre, una historia de ladrones cómicamente desgraciados rodada a modo de falso documental (formato que repetiría en 1983 con Zelig). Fue un éxito de taquilla que le abrió las puertas en la industria para poder rodar una serie de comedias gamberras como que funcionaron mejor o peor como Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972), El dormilón (1973) y La última noche de Boris Grushenko (1975).
Fue en los años 70 del siglo pasado cuando Allen alcanzó la mayoría de edad cinematográfica con Annie Hall (1977), Interiores (1978) y Manhattan (1979). Películas ambientadas en Nueva York, la ciudad que prácticamente no abandonaría como escenarios de sus conversaciones y obsesiones hasta 2006, cuando comenzó su viaje europeo por Inglaterra, Francia y España. Allen consiguió lo que nadie en Hollywood consigue jamás: ser el dueño de sus historias, desde que las concebía anotándolas en un trozo de papel hasta el montaje final, sin interferencias de los estudios o de los productores. Durante su época dorada a lo largo de los 70, 80 y 90 rodó también, entre otras, Broadway Danny Rose (1984), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Días de radio (1987), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Maniatan (1993), Poderosa Afrodita (1995) o Desmontando a Harry (1997).
Mi psicoanalista me advirtió que no saliera contigo, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista. Isaac Davis (Woody Allen), en Manhattan.
En todas estas obras los temas fetiche de Allen aparecen sin descanso: las mujeres, las relaciones (siempre trabajó con sus parejas que eran actrices: Diane Keaton, Mia Farrow, Louise Lasser...), las infidelidades, el poder de la conversación, la muerte, la religión judía, el cine, el jazz, la magia, el psicoanálisis y el sexo. Allen cumple hoy 75 años. Y ya estamos esperando su próximo trabajo, que llegará en 2011: Medianoche en París, con presencia de Carla Bruni - Sarkozy incluida.
Especial en Eskup: 75 años de Woody Allen Videogalería: Entrevista en el canal TCM

Más información (fuente: diario El País de Madrid):

Personaje: Woody Allen
Encuesta: ¿Cuál es tu película favorita de Woody Allen?
Video: Woody Allen. El "intelectual" de Brooklyn con gafas
Video: Woody Allen y la muerte
Video: Woody Allen. La magia contra la realidad
Video: Woody Allen. El desafío a la realidad
Video: Woody Allen: Absorber del cine clásico
Video: Woody Allen. Relaciones
Video: Entrevista con Woody Allen
Video: ¿Has estado en las localizaciones de sus películas?
Video: El personaje al que le tienes más cariño
Video: ¿Cuál es el Woody Allen de Carlos Boyero?
Videogaleria: Entrevista a Woody Allen

Mentiras y gordas (de Alfonso Albacete y David Menkes)

2010-11-22T07:26:00.000-08:00

Mentiras y gordas: "Piensas que demasiado nunca es suficiente". Para algunos: apología, un himno a la frivolidad, para otros una mirada honesta a la vida de estos tiempos. Quizá un poco de ambas cosas. Lo que sí, vale la pena.

Los Infiltrados (de Martín Scorsese)

2010-11-22T07:13:00.000-08:00

Esta película de Scorsese le otorgó el Premio Oscar. Sin duda, ha tenido mejores. Este largometraje policial donde el suspenso, las traiciones, la violencia y el amor van tejiendo una historia con un reparto portentoso: Jack Nicholson, Leonardo DiCaprio, Matt Damon. Como casi todo lo del cineaste newyorkino: IMPERDIBLE.

León, el profesional (de Luc Besson)

2010-11-22T07:03:00.000-08:00

León, el profesional o "El perfecto asesino" es una historia entrañable plagada de sangre y violencia. Vemos a León (el magnífico Jean Reno), a Mathilda (una jovencísima Natalie Portman) y al corrupto policía Stansfield (Gary Oldman). Una producción par toda la familia y para pensar en "tener raíces"... siempre.

Carancho (de Pablo Trapero)

2010-10-24T05:19:00.000-07:00

"Carancho" es el "Detour" de Pablo Trapero. Desde el inicio, al ver las fotos de un accidente automovilístico, sabemos que ese personaje apaleado que yace sobre la pista lleva las de perder. Que no existe atajo que le evite pasarla mal y terminar peor porque va en rumbo fijo de colisión. El abogado de licencia cancelada que encarna Ricardo Darín es el outsider típico del cine negro, el hombre sin atributos sentenciado por el destino. Cree que su suerte ha cambiado porque encuentra una mujer que empieza a amarlo y que lo sigue en todos sus tropiezos, pero se equivoca.

Martina Gusmán es la doctora de emergencias que se topa con Darín y se ve arrastrada por su sino. Ella no es una traidora "mantis religiosa" como suelen serlo las mujeres del cine negro, sino otra apaleada, igual que Darín. Sólo los diferencia el lugar del cuerpo donde llevan las cicatrices. Darín las exhibe en el rostro; ella en la parte baja de la pierna y el pie, donde esconde sus pinchazos. Por eso, "Carancho" es una película de amor antes que de crímenes. Mejor, es de amor y de crímenes, porque aquí todo se mezcla en un clima de confusión turbia, corrupción general y pesadilla compartida por la pareja. Son amantes perdedores, víctimas antes que ejecutores. Al ver a Martina Gusmán encerrada en un baño para inyectarse no pude dejar de recordar a la Piper Laurie de "El audaz" ("The Hustler"), encarnación cabal del personaje que se destruye por frustración e incapacidad de hacer reconocer su talento.

"Carancho" es violenta y nocturna, de colores vivos y cálidos, llena de luces rojas o amarillas reflejadas sobre vidrios y superficies lisas, para dar el clima de noches intensas y saturadas (es el lado "Taxi Driver" de "Carancho") y de espacios ceñidos, con planos cercanos de rostros cortados, amoratados, sanguinolentos. Darín recibe más golpes que el Cristo de Mel Gibson, pero en ese ensañamiento no hay complacencia: es la consecuencia lógica de estar entrampado. Pablo Trapero es un cineasta de temperamento, que sabe filmar por igual la sordidez, la descomposición, la crispación de la violencia, el desahogo amoroso, la tensión y el relajamiento. En su obra, "Carancho" está al nivel de "Mundo grúa" y "El bonaerense", sus mejores películas.

Ricardo Bedoya

El último exorcismo (de Daniel Stamm)

2010-10-24T05:12:00.001-07:00

“El último exorcismo”, de Daniel Stamm, prueba que el género de terror está siempre en movimiento, se actualiza y fusiona con otros géneros, cambia, experimenta. Las primeras imágenes de la película dan una impresión de “ya visto”: la cámara movediza sobre el hombro del operador sigue a un personaje en su actividad ordinaria. Es decir, el truco de “El proyecto de la bruja de Blair” o de “REC”: enfrentar el horror sobreviniente, que rompe lo cotidiano, con el estilo del reportaje. Por cierto algo hay aquí de eso, pero el camino es distinto y, si se quiere, más atractivo, porque el reporteado es el pastor Cotton Marcus (Patrick Fabian). Mediático, cínico, escéptico, permite que lo siga el equipo que realiza un documental sobre su último exorcismo y ante el que descubre sus malas artes. Es un exorcista que no cree ni en Dios ni en el demonio; es un fraude dispuesto a protagonizar un truculento “reality show”.

Manteniendo invariable el estilo de reportaje trucado, viajamos con Cotton y el equipo hacia la zona rural de Luisiana, donde llevará a cabo una de sus ‘performances’ frente a una ‘endemoniada’ adolescente, hija de un angustiado y fiel creyente. Es entonces que la película se encamina por vías inesperadas. “El falso documental” empieza a mostrar su capacidad para descubrir un mundo agobiado por la superstición, la superchería religiosa y el fundamentalismo. La ignorancia estimula la credulidad ante el fraude y provoca una violencia que tensa la narración.

Aun sabiendo que el exorcismo de Cotton es un engaño, las apariencias llevan a creer que tal vez exista algo sobrenatural ahí. El clima ominoso que contradice la transparencia y legibilidad de la imagen digital, el ambiente cargado y lo aparatoso del cuadro de transformación de la “poseída” son pistas que conducen hacia el dominio de lo fantástico. De pronto se muestra el revés del miedo, el mecanismo de la ilusión, el truco que provoca escalofríos. “El último exorcismo” juega a desmontar los recursos persuasivos del terror.

Pero enseguida el clima del horror vuelve a aparecer y hasta el tramposo pastor parece empezar a creer en Luzbel. La película nos coloca en una posición de incertidumbre: con la incredulidad suspendida, los espectadores estamos dispuestos a aceptar la presencia demoníaca, pero también la posibilidad de horrores cotidianos, patologías arraigadas, violencia doméstica, incesto. Todo es posible en ese mundo de fanatismos medievales.

Durante casi toda la proyección estamos en el umbral de una explicación realista y científica del asunto que la película se niega a dar. El director Daniel Stamm sabe que las buenas cintas del género de terror se mueven en los intersticios, moviéndose entre lo probable y lo improbable hasta llegar a una inequívoca resolución.

La actuación de Ashley Bell, como Nell, la endemoniada, es clave en este logro: sus gestos y actitudes se mantienen en una zona incierta en la que conviven la inocencia y la perturbación. Como también se mantienen en una frontera los recursos usados en la película: los movimientos súbitos de objetos y torsiones corporales parecen prescindir de efectos especiales elaborados. Todo aquí tiene un aire artesanal, de película barata de serie B.

La secuencia final es, tal vez, discutible, pero redondea la faena fantástica. Es un homenaje, además, a clásicos como “El bebe de Rosemary”, “Magia negra”, de Terence Fisher, y a un gran filme de terror olvidado de los años setenta, “Carrera contra el diablo”, de Jack Starret.

Ricardo Bedoya
Diario El Comercio, Lima.

Después de la vida (After Life) de Agnieszka Wojtowicz-Vosloo

2010-08-17T11:33:00.000-07:00

–¿Por qué morimos?
–Para que la vida sea importante.

En Después de la Vida (After Life), a Christina Ricci le cuesta –como a todos, creo– aceptar su propia muerte (un deceso impregnado de espejismos y recuerdos contradictorios que la hacen confundir la vida con la muerte y viceversa).
Dentro de todo lo mediano de esta película, supuestamente de terror, hay una confesión muy dura que hace la protagonista cuando acepta que el amor hace daño, causa demasiado dolor; y que por eso mismo ella se había jurado, desde una temprana edad, el no amar a nadie para no volver a sufrir. Medida extrema, pero atendible a razón de experiencias propias.
Ricci se presentaba, hasta antes de esta cinta dirigida por Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, como una de las mujeres más codiciadas del cine. En País Prozac se llevó mi corazón. Pero en Después de la Vida su imagen evoca más a películas de vampiros.
El largometraje es singular, creo que esto lo digo llevado más por el deseo que por una cuestión más racional. El sepulturero tiene un don especial que lo hace ‘conversar’ con los muertos. Así, les ‘ayuda’ a aceptar su muerte. La mujer implora por una nueva oportunidad. Y la recibe. Pero el miedo la paralizó.
–Creí que eras distinta –le dice el sepulturero a la protagonista–. Pero eres igual a todos: dices tener miedo de morir, pero le tienes miedo a vivir.
La conclusión a la que la hace llegar es patética y contundente:
–Menos mal que ya estoy muerta –apostilla ella–. Ya todo pasó.
Uno quisiera decir lo mismo: agradecer por haber terminado con todo y poder descansar en paz. ¿Falta poco? No se sabe.

Christina Ricci está muerta. Si nos morimos con ella, hagámoslo de una vez.

Leonera (de Pablo Trapero)

2010-08-16T17:19:00.000-07:00

Julia amanece en su departamento, rodeada de los cuerpos ensangrentados de Ramiro y Nahuel. Ramiro aún vive; Nahuel ha muerto. Ambos, de un modo confuso y simultáneo, han sido sus amantes. Julia está embarazada de uno de ellos. Julia es enviada a una unidad penitenciaria, donde se alojan a las reclusas madres y embarazadas.

Allí, pasa los días iniciales abstraída y ajena. Dos personajes se incorporan a su vida. Uno es Marta, una compañera de reclusión que ya ha criado a dos hijos dentro de la cárcel y que se convierte en guía y consejera; el otro es Sofía, su propia madre, un personaje ambiguo con el que Julia se reencuentra después de muchos años. Sofía trata de reparar los errores del pasado, ayuda a su hija, le contrata un buen abogado, le lleva ropa para el bebé, y de a pocos restablece una relación con Julia.

La causa judicial por la muerte de Nahuel tiene dos posibles culpables: Julia y Ramiro, ambos recluidos en distintas unidades penitenciarias. Sus testimonios se oponen, el uno incriminando al otro.
El hijo nace, se llama Tomás. La crianza en la cárcel es difícil. Sin embargo, Julia comienza a sentirse madre casi sin quererlo. Comprende que lo único que le importa es la nueva criatura que ahora la acompaña, que no hay para ella más en la vida que ese niño. Julia decide visitar a Ramiro a la unidad masculina donde este es retenido. Los hecho de aquella noche son confusos para ambos, al igual que sus sentimientos.

http://www.leoneralapelicula.com/

DEMASIADO AMOR (de Ernesto Rimoch)

2010-08-01T18:02:00.000-07:00

Esta semana pude ver una película mexicana del 2001. Lamentablemente no encuentro fragmentos en YouTube. Pero la película es altamente recomendable. Acá la sinopsis que hay en internet:
"Demasiado amor" es la conmovedora historia de una mujer que después de una difícil odisea de amor y soledad, encuentra su verdadera esencia. Laura y Beatriz son dos hermanas mexicanas en busca de un sueño compartido: tener una casa de huéspedes en el extranjero (España)y vivir de las rentas. de ésta. Lo han planeado durante años y, finalmente agobiadas por la crisis y la rutina, un día deciden que una de las dos tendrá que partir, así que lo dejan a la suerte (lo deciden con una moneda).
Y la suerte decide que sea su hermana y no Bea-triz quien viaje primero. Cuando Laura parte a España para arrancar el proyecto, Beatriz se queda sola en México aguardando el momento de alcanzar a su hermana, y comienza a vivir tres vidas diferentes. Mientras alberga la ilusión de irse, Beatriz comenzará a alimentarse de sueños y fantasías. En medio de amores fáciles, que le permiten reunir suficiente dinero para sostener a Laura, Beatriz conocerá a Carlos, un hombre con quien recorrerá la geografía de México, descubriendo las inimaginables bellezas de su país, de su alma y de su propio cuerpo.

También encuentro datos sobre el cineasta mexicano Ernesto Rimoch (México, 1951) que trabajó con obras de nada menos que Julio Cortázar:

Director, guionista y productor. Nació el 18 de agosto de 1951 en la Ciudad de México. Estudió Ingeniería industrial en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM, 1970-1975), y cine en la National Film School de Inglaterra.

A mediados de la década de los setenta Ernesto Rimoch se inscribió a un curso de cine que impartían profesores del Centro de Estudios Cinematográficos (CUEC / UNAM) en La Casa del Lago de la UNAM, durante dicho curso realizó los cortometrajes Muerte súbita (1976) y Boceto (1977). Trabajos que envío a la National Film School de Gran Bretaña y que le permitieron su ingreso a esta escuela, donde permaneció casi cuatro años (1978-1982).

En 1981, con el apoyo del Institute d’Hautes Etudes Cinématographiques (IDHEC) escribió y dirigió el cortometraje Mask, basado en el cuento El perseguidor, de Julio Cortázar. Sobre este trabajó comentó: “(...) Es un filme que a [Julio] Cortázar le encantó, yo le mandé el guión, le hizo observaciones varias veces, luego lo conocí [al escritor] y lo vio cuando estuvo terminado. No sé que habrá pensado finalmente, porque cuando escribes ves las cosas de una manera, pero que otro ponga en imágenes algo que escribiste es difícil, sin embargo quedó satisfecho”. (Importante, no depender del subsidio: Ernesto Rimoch. Por Raquel Peguero. La Jornada, sección cultura, 27 de diciembre de 1994. P. 33).

“Esta adaptación me la motivó mi amor por el cuento y por el jazz que contiene. Desde que lo leí por primera vez, hace ya muchos años, pensé que se trataba de un tema formidable para ser llevado a la pantalla; apenas tuve la oportunidad así lo hice. (...)

“Las dificultades en la adaptación para mí fueron más bien de condensación, Mask es una película de 32 minutos de duración y muchos elementos tuvieron que desaparecer en la versión final. (...)

“La palabra pesa demasiado en la mayoría de las adaptaciones (...). Lo que se lee con soltura no se acepta tan fácilmente cuando se escucha en la boca de tal o cual actor. (...)” (Fallan las adaptaciones cinematográficas que intentan hacer trasposiciones literarias y no esenciales: Rimoch. Por Martha Coda. Unomásuno, sección cultura, 20 de mayo de 1986. P. 22).

Este cortometraje recibió el premio de mejor película internacional en el Festival de Alès, Francia, y fue nominado para el premio Grierson Award, en Inglaterra (1981).

En 1982 viajó a París, Francia, donde trabajó inicialmente como asistente de producción y dirección del chileno Helvio Soto. Posteriormente realizó documentales para la televisión europea: Un hombre como Julio (1983), que trata sobre la obra de Julio Cortázar; México: los tres sismos (1989), historia de la reconstrucción de las vecindades del Centro Histórico de la Ciudad de México destruidas por el terremoto de septiembre de 1985 y La línea (1992), largometraje que a través de 12 historias narra la vida de la frontera entre México y Estados Unidos, que fue nominado al Ariel (1994) en la categoría mejor largometraje documental.

En 1994 regresó a México y fundó la productora Casa Artífice Producciones, con la cual inició el rodaje de su primera película en la industria nacional, El anzuelo, basada en un guión original de él mismo y de Eva Saraga.

Rimoch consideró a “El anzuelo, un proyecto ‘genuino donde hay una serie de pactos, sucesos y personajes que se quedan grabados’. Si bien el argumento puede parecer banal, ‘para mí la historia son los personajes. La riqueza de una película son siempre ellos, sobre todo cuando los centrales y los secundarios hacen un trabajo uniforme”. (Importante, no depender del subsidio: Ernesto Rimoch. Ob. Cit.).

Para Nelson Carro, el principal mérito de Rimoch fue el estupendo reparto que integró, “en el que figuras de talento reconocido se mezclan con otras quizás menores, que en ningún momento desentonan en el conjunto. Al contrario, no hay ningún papel pequeño ni descuidado, todos los personajes tienen su importancia y así están escritos e interpretados. En buena medida, este afortunado resultado se basa en el agudo sentido de observación del director y guionista, capaz de construir una comedia finalmente enraizada en la realidad, por lo menos en un sentido: los personajes y las situaciones retratadas en la película son perfectamente reconocibles como pertenecientes a un grupo social, la clase media”. (El anzuelo. Por Nelson Carro. Tiempo Libre, publicación semanal, 20 al 26 de junio de 1996. P. 2).

Esta cinta fue bien recibida en la XI Muestra de Cine Mexicano de Guadalajara, donde ganó los premios de la Crítica Nacional, Dicine, del Jurado Internacional y el de la Organización Católica Internacional de Cine (OCIC). Además recibió la Diosa de Plata y el Ariel por ser considerada la mejor Ópera Prima en 1996. De este último premio también estuvo nominado en la categoría mejor argumento original.

Después de siete años de su primer largometraje industrial, Ernesto Rimoch dirigió y coescribió junto con Eva Saraga, Demasiado amor (2001), filme basado en la novela homónima de Sara Sefchovich.

Escena de Demasiado amor (Dir. Ernesto Rimoch, 2001)
Colección IMCINE

“Creo —dice, Ernesto— que la película en relación con la novela es totalmente diferente y a la vez nada diferente. Lo es, en el sentido de que quebrantamos algunas situaciones y reconstruimos algunos personajes. Por ponerte un ejemplo: En el libro dice ’conocí un arquitecto tal y tal’ y nosotros [Ernesto y Eva] desarrollamos 20 minutos con ese arquitecto, hicimos de él un personaje muy rico dramáticamente. A veces hay que decirlo, uno tiene que crear un personaje de la nada, pero no por manosear la obra sino para fortalecerla con los atributos del lenguaje cinematográfico. Y cuando digo ‘nada diferente’ es porque estoy convencido que conserva la esencia, las bondades de su discurso, su espíritu”. (La ruta íntima para conocer México. Por Magali León. Unomásuno. Suplemento semanal Sábado, 12 de mayo de 2001. P. 16).

Finalmente, para Eva Saraga y Ernesto Rimoch lo más significativo al escribir este guión fue “la construcción del personaje principal, por sus complejas características y por el crecimiento que alcanza a lo largo del relato. Beatriz [el personaje principal] es como un outsider, un ser marginal que evoluciona hasta configurarse como alguien ejemplar. Después de haber sido una mujer gris, introvertida, que no se quiere así misma, insegura, dependiente a dar todo por los otros, termina siendo una mujer valiente, congruente con sus decisiones que sabe vivir con intensidad y que logra entregarse aun pese a los costos. Todos esos cambios, todos esos matices, tenían que definirse sin nudos o saltos, fluidamente, para que el espectador disfrutara su película”. (Idem)

Cabe señalar, que este filme en la XLIV entrega del Ariel fue nominado en la categoría mejor guión cinematográfico adaptado. Tanto El anzuelo (1994) como Demasiado amor (2001) han sido exhibidas en diferentes festivales internacionales.

Por otra parte, Ernesto Rimoch considera a Manuel Puig como uno de los mejores guionistas y adaptadores cinematográficos porque “nos da tal vez los mejores ejemplos de lo que se puede hacer con nuestra literatura llevada a la pantalla”. (Fallan las adaptaciones cinematográficas que intentan hacer trasposiciones literarias y no esenciales: Rimoch. Ob. Cit.)

Además, el cineasta fue presidente de la Asociación Mexicana de Productores Independientes (AMPI, 2000-2002) y actualmente (2002) es vicepresidente de la Federación Iberoamericana de Productores.

El juego de la silla (de Ana Katz)

2010-07-29T18:54:00.000-07:00

Una reseña de Yvonne Yolis sacada de www.cineismo.com

El juego de la silla es, básicamente, una familia. Cuando la directora pensó en esta historia, no tenía en claro la estructura, los conflictos, la puesta en escena ni el final. Tenía en mente a un grupo de personas frente a una situación muy concreta: Víctor vive en el extranjero y está de paso, por un día, para visitar a su mamá y a sus hermanos. Todos están muy ansiosos por su llegada y esperan compartir con él los rituales del pasado y el afecto acumulado por largo tiempo. Los Lujine –que de ellos se trata– fueron lo primero que surgió; después se convirtieron en una película y en una obra de teatro, alternadamente (primero se rodó, luego se montó la obra teatral durante un año, y por último se editó y terminó el film).

A partir de la lograda caracterización de cada uno de los personajes, de la premisa de la reunión familiar preparada para el hermano mayor y acotando los tiempos y el espacio a un solo día y lugar, Ana Katz desarrolla una comedia de situaciones en la que el humor se cuela a través de la pausada observación de lo cotidiano. Las secuencias se van sucediendo y el concepto es siempre el mismo: lo habitual y, aparentemente, más normal del mundo (un diálogo, una comida, un juego) comienza a coquetear con la locura y se tiñe de patetismo. Es el patetismo de lo cotidiano puesto en escena; lo cercano y conocido que se vuelve siniestro visto con otros ojos.

La narración trabaja sobre esa delgada línea entre la “normalidad” y la “locura”. Va y viene entre la identificación del espectador con los personajes –cualquiera estuvo en una escena similar– y la vergüenza ajena que produce la exposición de las miserias, la estupidez o la verdad inconfesable. Todo esto produce risas, pero, sobre todo, una tensión insoportable. El montaje lento, la puesta en escena algo teatral, la seriedad con que se toman los Lujine cada uno de los ritos (muchas veces absurdos o ridículos) que llevan a cabo, terminan de definir el tono y refuerzan la sensación de que en cualquier momento algo va a explotar.

El film abre con un avión que está por aterrizar y empieza a presentar a cada uno de los personajes. Además de describirlos y de dar pistas sobre lo que está por ocurrir, el relato hace saber que los roles están bien definidos en la familia: cada cual cumple con un papel inamovible. Andrés (Nicolás Tacconi) es rebelde, despreocupado, desordenado y algo “vago”. Laura (Ana Katz) es un poco tonta, ingenua, insegura, muy “nena” para la edad que tiene. Lucía (Luciana Lifschitz) es la hermana menor, llena de entusiasmo y gracia. Silvia (Verónica Moreno), la ex novia de Víctor, es amiga de la familia, callada y tímida, tiene la ilusión de que él la siga queriendo. Nélida (Raquel Bank) es la jefa del hogar y es quien digita los pasos a seguir durante el día de agasajos a Víctor (Diego De Paula). Sus deseos son órdenes; no se le puede decir que no a una madre...

Durante el único día juntos, los Lujine comparten una cena y charlan –frase hecha tras frase hecha– sobre el clima o el tango en Europa. Víctor debe recordar (y cantar) su canción preferida y mirar los videos de su infancia. Laura le dedica varios dibujos y –contra la voluntad de todos– desafina una balada con su guitarra. Lucía realiza una coreografía con música latina a todo volumen. Andrés despliega un elemental inglés para dialogar con su hermano y complacer, una vez más, a mamita. Así, entre éstas y otras situaciones similares, más que un gran conflicto, El juego de la silla va sumando pequeñas tensiones.

El clima festivo que debía tener el reencuentro de los Lujine choca con la decepción, la bronca y el dolor cuando las horas no alcanzan, el amor los desborda, las cosas no salen como lo planearon y los juegos se convierten en algo más que eso. Justamente, el juego (que da nombre al film) de correr alrededor de la silla hasta que queda un solo ganador condensa todo el sentido contenido en el film y, cuando estalla, desencadena mucho más que el final de la película.

Un hombre muy serio (de los hermanos Coen)

2010-07-29T18:44:00.000-07:00

A serious man, es una película de los premiados hermanos Coen (No es país para viejos) que incursiona en el drama con un humor negro que arranca más de una buena risotada.
Interesante, descabellada. Una mirada mordaz de las costumbres judías y un aplauso. El final pudo estar mejor. Pero, de todas maneras, vale la pena.
Copio a continuación una nota de Terra (México):

Un Hombre Serio (A Serious Man), la realización más reciente de los hermanos Joel e Ethan Coen, recrea a través de una comedia de humor negro los problemas que ahogan la vida de 'Larry Gopnik', un judío que vive atormentado, luego de que su esposa le revela que está enamorada de un colega y su mejor amigo.

La película forma parte de la 51 Muestra Internacional de Cine que estará vigente hasta el 30 del presente mes en la Cineteca Nacional, que incluye una serie de realizaciones de los más reconocidos directores contemporáneos.

La trama escrita por los Coen, ambientada en el medio Oeste, en la ciudad de Minneapolis a finales de los 60, narra la historia del introvertido profesor de física, interpretado por Michael Stuhlbarg, un profesor que aspira a ser elegido catedrático de la universidad en la que imparte matemáticas.

Pero el mundo se le pone de cabeza desde que 'Judith' (Sari Lennick), su mujer, le exige el divorcio para hacer una nueva vida al lado de 'Syl', un viudo judío allegado a la familia; sin embargo, le pide que sea bajo el ritual de su religión.

Por si fuera poco, 'Gopnik' vive un gran dilema cuando 'Cliv', un estudiante coreano, le exige que lo apruebe, porque de lo contrario su padre se molestará. Luego de negarle el deseo a ese individuo, se da cuenta de que mañosamente le ha dejado un sobre con un soborno con cientos de dólares.

Los problemas en la vida de este profesor aumentarán con dos hijos: 'Danny', próximo a tener su bar mitzvah, y 'Sarah', una hija, que le arranca billetes de la cartera cuando él no está, obsesionada con hacerse una cirugía estética en la nariz. Para rematar, debe soportar a 'Arthur', un hermano parásito, pendenciero y fanático de los juegos de azar.

'Gopnik' no encuentra la salida y en su deseo porque alguien le dé una respuesta y lo haga despertar de esta pesadilla, decide acudir a los rabinos de su comunidad, siendo recibido en primera instancia por uno muy joven e inexperto; luego por otro de mayor experiencia, pero el gran rabino no tendrá tiempo para atenderlo, por lo que su situación se estanca cada día más.

En Un Hombre Serio los Coen parecen regocijarse en hacer una especie de un detrás de cámaras, sobre lo que pocas veces se conoce a fondo en el judaísmo.

Sin duda, después de su filme Quémese después de Leerse, en esta ácida comedia reflejan una parodia de los ritos, costumbres y modos de vida de la comunidad judía del medio Oeste estadunidense, la tierra natal de estos reconocidos cineastas.

Los Coen seleccionaron un reparto que les quedó a la medida para este largometraje en el que participan otras figuras como Simon Elder, quien interpreta el papel del 'Rabino Scott'; Richard Kind como el 'Tío Arthur'; George Wyner, como el 'Rabino Nachter', y Adam Arkin, como 'Don Milcarm', entre otros.

Pesadilla en Elm Street: el origen & Paraíso (de Héctor Gálvez)

2010-05-19T20:33:00.000-07:00

Hoy volví al cine. Pero fue distinto: estuve solo. Creo que la última película que vi en el cine Planet, sin estar acompañado, fue la inolvidable DÍAS DE SANTIAGO de Josué Méndez. La semana pasada estuve con un amigo viendo Paraíso de Héctor Gálvez y, ahora, el remake de Pesadilla en Elm Street.
La película no es tan mala. Hasta se podría decir que se deja ver. Aunque en vez de terror, provocaba risas en la sala atestada de gente (la contracara de Paraíso, porque nadie ve cine peruano, a menos que la pela sea nominada a los premios Óscar).

Hablando de los premios Óscar: el único mérito de la película fue darle el papel de Freddy Krueger a un actor que me conmovió en Little Children. Estamos hablando de Jackie Earle Haley.
Eso fue todo.
Mejor -para que el post valga la pena- los dejo con el trailer de Paraíso, una buena película del limeño Héctor Gálvez:

En el diario El Comercio encontré una nota de Sonia del Águila que aprovecha para sacarle detalles al director de Paraíso:

Satisfecho de sus logros e inyectado de una gran confianza para iniciar un nuevo proyecto cinematográfico. Así se encuentra el cineasta Héctor Gálvez, quien con su ópera prima Paraíso ha logrado sobresalir en el cine nacional. Su meta: trascender fronteras con su arte y su envidiable capacidad de plasmar en una historia la vida real.

Paraíso fue estrenada internacionalmente en setiembre pasado en una muestra del festival de Venecia, uno de los tres más importantes del mundo del cine. Los peruanos, recién hace un par de días, tuvimos la dicha de gozar del trabajo de Gálvez.

La historia del primer largometraje del joven cineasta nacional gira alrededor de los problemas que enfrentan cinco jóvenes en su paso a la adultez. Transcurre en el asentamiento humano Paraíso, en Huachipa, lugar donde el cineasta estuvo trabajando para una ONG.

“Conocí a los chicos del barrio Paraíso de Cajamarquilla en el año 2000. Llegué a ese lugar para dictar un taller de video. Las madres se habían acercado a la ONG -donde trabajaba en ese momento- para pedirme que hiciera algo con sus hijos, que andaban metidos en pandillas. Así que les propuse hacer un taller de lenguaje audiovisual para generar autoestima en ellos”, recuerda Gálvez.

“Los cinco amigos de esta historia fueron creciendo a propia voluntad en cada página del guión, encarnando las muchas situaciones que fueron tomadas en muchos casos de la experiencia de vida de estos muchachos (…) Ahora que la película está terminada no sé si les hice del todo justicia, si toda la chispa y picardía que tienen en sus conversaciones de grupo han quedado reflejadas, si he tenido los mejores finales para ellos. Uno siempre queda insatisfecho”, remarca el cineasta.

La ópera prima de Héctor Gálvez ha participado en una serie de Festivales. Pero fue en el Festival de Huelva el 2009 que logró alzarse con el premio a mejor guión. Con la esperanza de seguir creciendo en el difícil mundo del cine en nuestro país, ya inició el guión de una nueva película, que –espera- logre grandes reconocimientos y, por qué no, trascienda las fronteras de nuestro país.

Sobre “Tarata” (Fabrizio Aguilar) y “La teta asustada” (Claudia Llosa), Gálvez asegura que son dos grandes producciones del cine nacional. “A más películas habrán mayores reconocimientos y saldrán mayores talentos entre directores y actores”, destacó.

Entre los personajes del filme figuran:

Gabriela Tello: Interpreta a ‘Sara’, una chica que ayuda a su madre en las ventas del mercado. Pese a su pobreza, estudia, y busca superarse en la vida. “Paraíso” es el primer filme en el que participa Gabriela.

Joaquín Ventura: Interpreta a un joven que tras la muerte de uno de sus amigos, sueña con alcanzar sus ideales y metas. Joaquín asegura que la actuación no le roba el sueño, lo que busca es hacer algo detrás de cámaras.

Willian Gómez: Es ‘Lalo’, el palomilla del grupo que pone la chispa en el colegio. William, por el momento dejó la actuación de lado para dedicarse de lleno a sus estudios de diseño.

Ricardo Darín trabajará con el director brasileño Walter Salles

2010-03-29T05:12:00.000-07:00

SAO PAULO [EFE]. El actor argentino Ricardo Darín anunció que participará en el nuevo proyecto cinematográfico del director brasileño Walter Salles, que se rodará en la Patagonia argentina y chilena, informó un medio local.

“Voy a trabajar con Walter Salles ahora, en setiembre o en octubre. La película será rodada en la Patagonia, en el sur de Argentina y una parte sería filmada en Chile, en la zona donde ocurrió el terremoto”, comentó Darín en declaraciones a la revista brasileña “Serafina”. Una confesión que ha entusiasmado no solo a la prensa, sino también a los amantes del cine que esperan verlos trabajando juntos.

UNA PERSONA MARAVILLOSA
El protagonista de El secreto de sus ojos, que ganó este año el premio Óscar a Mejor Filme Extranjero, se abstuvo de revelar detalles de la nueva producción, pero aseveró que “el proyecto está firme”.

“Salles es una persona maravillosa, de aquellas que uno conoce y en media hora siente como si fuera un hermano”, declaró.

“En el primer almuerzo que tuvimos, pasamos cuatro horas llorando de la risa, con mucha emoción. Esas cosas no pasan todos los días”, agregó el actor, reconocido en Brasil por sus papeles en El hijo de la novia y Nueve reinas.

Salles dirigió las laureadas Estación central y Diarios de motocicleta, además de debutar en Hollywood en el 2005 con “Dark Water”.

Las cinco películas españolas de Almodóvar

2010-03-23T19:51:00.000-07:00

El diario El País de Madrid informa de 5 películas escogidas por Pedro Almodóvar:

Pedro Almodóvar no sólo dirige cine, también lo programa y en las antípodas. El director manchego lleva eligiendo cinco películas españolas para que se proyecten en el festival La Mirada Film de Melbourne. La cita comienza el próximo día 1 y concluye el 11 de abril. La sección se titula Almodóvar presents y en ella elige cinco títulos que para él son joyas del cine español. Esta es su quinta edición. Pese a ser programador, no acudirá a la cita.

Para este año ha escogido:

1. Amantes, de Vicente Aranda;
2. Tésis, de Alejandro Amenábar;
3. Atraco a las tres, de José María Forqué;
4. Mater Amantísima, de José Antonio Salgot;
5. Los tramposos, de Pedro Lazaga.

El festival también proyectará, bajo la sección New Releases, la película coproducida por El Deseo El último verano de la boyita, de la realizadora argentina Julia Solomonoff, y que llegará a las pantallas españolas el próximo 7 de Mayo.

Cabe destacar además, que el festival cuenta desde su primera edición con otros programadores que escogen una película española que se presenta cada año como la película sorpresa. En esta edición participarán Martin Scorsese y Stephen Doldry, aunque habrá que esperar al momento de la proyección para saber qué película española consideran indispensable.

El compromiso (de Elia Kazan)

2010-03-17T06:28:00.000-07:00

Título en inglés: The Arrangement
Año: 1968
Duración: 127 min.
País: Estados Unidos
Director: Elia Kazan
Guión: Elia Kazan (Novela: Elia Kazan)

Ayer vi El compromiso. Lo hice estimulado por mi primer contacto con la filmografía de Kazan: Esplendor en la hierba. Lamentablemente esta segunda experiencia me dejó decepcionado. La película se me hizo muy larga. Hay flashbacks recurrentes y un personaje atormentado por los recuerdos de casa y por su vida amorosa. No alcanza (la sociedad tampoco le alcanza al personaje). No me gustó.
Encuentro una sinopsis de la pela en internet:

"Un nuevo día comienza para los Anderson: Eddie se va a trabajar, dejando en casa a su mujer y a su hija, pero en la autopista intenta repentinamente suicidarse. Tras una estancia en el hospital, de vuelta a casa se encierra en un mutismo que sólo rompe para intentar reconstruir para su mujer lo que ha sido su último año de vida, en el que su éxito como ejecutivo de una empresa de publicidad y su relación con una secretaria de la agencia, Gwen, no han hecho más que poner en evidencia la falsedad de su vida. A partir de entonces Eddie intenta retomar las riendas de su vida, volviendo sin éxito a la agencia, recuperando su relación con Gwen y asistiendo a su padre moribundo frente a la oposición de su propia familia. En medio de esta crisis personal, recapitula sobre todo lo que ha sido su vida hasta entonces y tiene que hacer frente al intento de su esposa de recluirlo en un hospital psiquiátrico, de donde lo rescatará Gwen."

Sigo insistiendo en que la película es muy larga y resulta aburrida. Sin embargo, comparto una crítica elogiosa de www.criticalia.com:

"Estamos ante un excelente melodrama de implicaciones psicológicas, dirigido por uno de los grandes maestros de la dirección escénica teatral de Estados Unidos, Elia Kazan, un hombre nacido en Estambul, aunque de origen griego, emigrado con su familia en los primeros años de su infancia. Establecido en Nueva York, donde estudió, pronto se labró una notable reputación como actor y más tarde como director teatral. Creó junto a Lee Strasberg el Actor’s Studio, la más famosa escuela dramática del mundo, de donde surgieron talentos como Marlon Brando, Paul Newman o James Dean. Tentado por el cine, comenzó a dirigir películas cuando tenía treinta y seis años, en 1945, y hasta su último filme, en 1976, había rodado diecinueve cintas, entre las que hay algunas obras maestras como “Viva Zapata” , un desbordante ejercicio sobre el poder y la corrupción en política a su manera cuasi revolucionario; “La ley del silencio”, soberbio melodrama sindical, con el que Kazan quiso exculparse por haber delatado a compañeros izquierdistas ante el Comité McCarthy; “Al este del Edén”, drama sobre la juventud angustiada de la posguerra, casi un presagio de los años liberalizadores que llegarían en los sesenta; “Esplendor en la yerba”, donde la sensualidad y el sur se daban la mano; “América, América”, fresco histórico y costumbrista sobre sus antepasados emigrantes a Estados Unidos.
En “El compromiso”, Kazan adaptó su propia novela, contando la historia desgarrada de un ejecutivo en crisis que decide un día, casi de improviso, acabar con su vida. Salvado de la muerte por los pelos, este hombre se replantea lo que hasta entonces ha sido su existencia, y sus relaciones con su mujer, su amante, su padre. Hay sinceridad en este ejecutivo que ha alcanzado relativas cuotas de poder económico a costa de prostituir su vida, en un trabajo que detesta, en una familia que no le entiende. Encomiable labor de Kazan en la dirección, tratando con rigor un tema que, en otras manos, hubiera podido dar un detestable resultado. A ello contribuye sin duda un ajustadísimo reparto, encabezado por el imprescindible Kirk Douglas, formidable como siempre, y a quien siguen impecablemente Faye Dunaway y Deborah Kerr, en papeles especialmente difíciles por ser negativos. Secundarios de la talla de Richard Boone completan esta visión tirando a negra de un mundo sin demonio pero con carne. "

Lecciones de vida /Life Lessons (de Martin Scorsese)

2010-03-16T05:54:00.000-07:00

Esta es una de las tres Historias de Nueva York (ojo: no está completa, es una selección de escenas).

La isla siniestra / Shutter island (de Martin Scorsese)

2010-03-14T20:36:00.000-07:00

¿Qué es peor? ¿Vivir como un monstruo o morir como un hombre bueno?

Muchas películas de Martin Scorsese (Nueva York, 1942) generan un impacto muy fuerte en un sujeto como yo que tiene mucha fijación por los desadaptados, los sicóticos y, faltara más, por mis viejas paranoias. En Taxi driver, por ejemplo, uno puede sentir -antes que conmiseración o sentimientos negativos- una especie de empatía con ese infeliz conductor de taxi que parece sumido en una espiral de espantosa irrealidad que lo desbarata, pero no termina por derrumbarlo. En Cabo de miedo, Scorsese puede erotizar, excitar magistralmente, cuando en realidad debería de producir terror y ansiedad (un temible rufián coquetea con una niña que llega a darle el primer beso de su vida).
La isla siniestra es una poderosa exploración de la locura. Una película que oscila entre la verdad (la realidad) y la mentira (las ficciones que pergeña la locura). Leonardo DiCaprio, a estas alturas casi un fetiche del director newyorkino, muestra una solidez actoral en un libreto que puede volver loco a cualquiera. Acá, todo está hecho de espejismos, alucinaciones y desbarajustes emocionales. ¿Quién dice la verdad y quién miente? El personaje busca acorralar a quienes considera elementos negativos. Empero, es él quien termina encarcelado por la irrealidad que transpira cada escena de la película. Como dice Carlos Boyero: el arte de Scorsese bucea en la locura. Scorsese demuestra una vez más que es uno de los más grandes. Y DiCaprio está a la altura de sus tentativas.

El arte de Scorsese bucea en la locura
(por Carlos Boyero)

En Corredor sin retorno, la película más impresionante que he visto sobre manicomios y la capacidad contagiosa de ese vértigo que confunde la realidad, figuraba en sus títulos de crédito iniciales esta temible sentencia de un trágico griego: "A quien los dioses se empeñan en destruir, primero le vuelven loco". Muchos años después, Martin Scorsese, director eternamente obsesionado por los volcanes de la mente, con un largo historial en su cine de protagonistas paranoicos, psicópatas, esquizofrénicos y autodestructivos, aborda en la muy esperada Shutter island las tenebrosas brumas de la enfermedad más indeseable.

Adapta una novela de Dennis Lehane, escritor apasionante y guionista en varios capítulos de la legendaria serie de televisión The wire. Por alguna extraña razón, ya que suelo devorar cualquier cosa que lleve su firma, he demorado la lectura de Shutter island. Y me alegro, porque me hubiera privado de los continuos giros y la apabullante sorpresa final que plantea Scorsese en esta película tensa, compleja, hipnótica y que en determinados momentos puede parecer confusa, aunque pensándola después (algo que revela que te ha dejado poso) descubres que lo aparentemente retorcido tenía coherencia, que el director te puede descolocar con el desenlace pero eso no implica que te haya engañado.

Scorsese ha confesado su admiración por las películas negras, misteriosas y góticas que produjo la RKO en los años cuarenta y cincuenta. Cine de presupuesto escaso y maravillosamente aprovechado, con estilo y aroma. Aquí trata de encontrar esa atmósfera perdida. Y aunque no le cite, también hay transparentes influencias de Hitchcock.

Pero Scorsese, a diferencia de Tourneur y de Val Lewton, dispone de los medios más grandiosos. Los utiliza muy bien. Recreando un mundo febril y enigmático en una isla azotada por tormentas y tempestades. Sus habitantes son los dementes más peligrosos, los guardianes que les vigilan y una corte de psiquiatras presuntamente siniestros que han descubierto la eficacia de las lobotomías. Allí llegan dos policías de élite con la misión de averiguar el secreto que ocultan varias inexplicables desapariciones de enfermos.

Scorsese narra con maestría el angustioso acorralamiento de los sabuesos que hurgan en aparentes maquinaciones. Crea un universo desasosegante, nos ofrece sutiles pistas de que nada es lo que parece, alterna las pesadillas con la realidad. Sales de esta película con sensaciones muy raras. En mi caso, también con la certeza de que no he mirado el reloj a pesar de durar 140 minutos. Es la prueba de que me ha enganchado esta retorcida y enfermiza tela de araña.

La película rumana If I want to whistle, I whistle y la danesa Submarino tienen vocación de tragedia, pero no logran contagiarla. La primera cuenta la crisis de un encarcelado chaval cuando se entera de que la madre va a largarse del país llevándose a su hermano pequeño. La segunda describe los efectos devastadores que sufren en su vida adulta dos hermanos, uno alcohólico y el otro yonki, que tuvieron una infancia desdichada por el abandono y desequilibrio que les creó la borracha de su madre. Ambas están correctamente dirigidas, pero no logro establecer la menor empatía con las toneladas de sufrimiento que almacenan los protagonistas.

Tampoco consigo establecer complicidad y hay un montón de cosas que no entiendo en la española El mal ajeno, exhibida en la sección Panorama. La produce Alejandro Amenábar, la ha escrito Daniel Sánchez Arévalo y la dirige Óskar Santos. Mezcla demasiados géneros con escasa armonía. Identificas las obsesiones del autor de Azuloscurocasinegro y Gordos. También te remite a Abre los ojos. Y el debutante Óskar Santos posee fuerza visual. Todo ello no evita que me pierda frecuentemente en este cóctel de Urgencias, delirios, amores al límite, psicopatías, cine de terror, etcétera. Hay alguna secuencia turbadora pero también muchas más pretensiones que aciertos. Eso sí, te hace reconocer la extrema vulnerabilidad, las contradicciones y los traumas que pueden sufrir los médicos, esas personas obligadas a convivir con el dolor, la enfermedad, el miedo, la muerte.

El último voto / Voto decisivo (de Joshua Michael Stern)

2010-03-14T19:58:00.000-07:00

Quisiera agradecerles por su hospitalidad. Ha sido muy interesante. Dije muchas cosas que no pensaba y ambos hicieron muchas promesas que probablemente no podrán cumplir. Para ser honesto los últimos días me han parecido como un extraño sueño. Lo que era algo gracioso ya no lo es. Según lo que he leído América casi se muere del susto. Sé que el mundo está mirando, tal vez hasta riéndose la gente en la televisión está diciendo que América de alguna manera se merece este momento. Supongo que eso significa a mí. No puedo decir que he sido algo la mayor parte de mi vida. En algún lugar del camino yo revisé y no es que tuviera grandes sueños pero una vez tuve algo. Algo cercano a la fe y a la esperanza o cualquier palabra que quieran usar para lo buena que podría ser la vida. Pero entonces los años empiezan a pasar rápido y de repente lo que le sale bien a todos los demás no te sale tan bien a ti. Pero esta noche me siento... avergonzado. He tenido mis oportunidades, más que la mayoría. Crecí en un país donde si hubiera decidido hacer más con mi vida que beber e ir a la deriva, podría estar parado tal vez donde están ustedes esta noche. En vez de eso, he tomado todo de gratis y no he dado nada. Estoy avergonzado frente a mi hija y a mi país, nunca he servido ni sacrificado nada de lo que me han pedido. Cosas tan sencillas como prestar atención, votar. Si América tiene un verdadero enemigo esta noche, supongo que soy yo. Esta noche un hombre común va a elegir entre dos hombres excepcionales. Mañana el voto de un hombre hará una diferencia. Porque mañana tendremos un presidente y no simplemente alguien que llene una silla en Washington. Necesitamos a alguien que sea más grande que sus discursos. El tipo de presidente del que aprendamos en la escuela y aún nos importe. América necesita un gran pensador. ¿Saben? Como un gigante, realmente alguien que le dé el frente a nuestros problemas. Alguien que tenga la sabiduría para guiarnos y ponernos en paz con nosotros mismos y con el mundo. Y para que conste quiero que los dos sepan que pienso grandes cosas de ustedes. Esta noche voy a hablar por personas que nunca he conocido cuyas cartas me conmovieron de una manera que no creí posible. Mi primera pregunta viene de Peter Matthews, de Kentucky: "Querido señor Johnson: Mi esposa y yo tenemos 3 pequeñas niñas ambos tenemos dos trabajos sólo tratando de subsistir. Y algunas semanas no lo logramos. Cuando trabajas duro y aún así no puedes ocuparte de tu familia empiezas a cuestionarte como sostén, como hombre. Sé que soy un hombre, he luchado por mi país y estoy orgulloso de ello pero me asusta pensar qué sucederá si una de mis niñas se enferma. ¿Puede preguntarle a los candidatos si somos el país más rico del mundo cómo es que tantos a duras penas podemos vivir?"

EL ESPÍRITU DE CAPRA
(Crítica de Javier Ocaña, diario El País de Madrid)

Ahora que Barack Obama aspira a revitalizar una nación maltrecha, tal y como hizo en los años treinta su homólogo Franklin D. Roosevelt con el new deal, parece que también resucita Frank Capra, algo así como el retratista cinematográfico del espíritu de Roosevelt, en la persona de Joshua Michael Stern, director y guionista de El último voto, sorprendente fábula político-social en torno a unas reñidísimas elecciones presidenciales en EE UU. Y para que no falte de nada, Kevin Costner se reencarna en James Stewart al interpretar a uno de esos héroes anónimos, personificación del ánimo de superación de un país, tan típicos del director de Caballero sin espada y Juan Nadie. Como en Salve, héroe victorioso (Preston Sturges, 1944), un tipo del montón que esconde una gran mentira se convierte en la personificación de todo un pueblo. No en vano, su voto efectuado pero no contabilizado en un principio decidirá la suerte republicana o demócrata de un Estado y, claro, de la presidencia. Lo que aprovecha Stern para disparar contra los medios de comunicación y contra el lado más absurdo de las campañas, dejando clara la futilidad del ideario político en beneficio del puro y simple negocio del voto. Pero lo hace con el convencimiento de que, en el fondo, y tras un periodo de reflexión, el ser humano es, como también pensaba Capra, bueno por naturaleza. Es el sistema el que lo corrompe. Sólo falta acabar con el sistema.

LOS ABRAZOS ROTOS (según Ricardo Bedoya)

2010-03-14T12:03:00.000-07:00

Hoy, domingo 14 de marzo, aparece la crítica de Ricardo Bedoya en el diario El Comercio de Lima, a propósito del estreno del último largometraje de Pedro Almodóvar.

Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar, es un melodrama cerebral, frío, distanciado y, por eso, casi espectral. Es como la radiografía de un “melo” clásico, digamos “Sublime obsesión” o “Palabras al viento”, de Douglas Sirk. Los ingredientes necesarios están allí, sin faltar ni uno: las pasiones amorosas se agolpan en una suma de situaciones argumentales improbables y hay escenas de obsesión, de celos desbordados, de fascinación con una silueta femenina, de nostalgia por un pasado trágico. La protagonista —como debe ser— es deseada por dos hombres, el millonario y el cineasta, el protector y el creador, para los que es prostituta y actriz, respectivamente. Dualidad que se encarna en las apelaciones del personaje, Lena (Magdalena-Madeleine, como la protagonista de Vértigo) y Severine, como la Catherine Deneuve de Bella de día.

Pero no solo eso. Las imágenes alternan el arrebato cromático de rojos y amarillos, emblemas de pasión, exaltación y sangre, con las sombras del mundo sofocante del protector, el castillo del vampiro que busca dominar a la mujer hasta someterla. Los gestos de Penélope Cruz se modelan ante una cámara de cine que es instrumento de una indagación fetichista de su apariencia, que a ratos recuerda la de Audrey Hepburn y, más tarde, la de Marilyn Monroe o la de Kim Novak de Vértigo.

Y hay más. Un cineasta ciego que palpa la pantalla en el intento inútil de sentir la textura de los píxeles y se complace escuchando la voz de Jeanne Moreau, y un millonario posesivo que es “sordo” ante las palabras que la mujer que domina le dice a su amante, lo que origina el mejor momento de la película: Penélope Cruz poniendo su propia voz a la de una imagen muda, en una secuencia de confesión, agresión, ruptura, liberación, todo a la vez.

Pero Almodóvar no se satisface con eso: hace dos películas en una y apuesta a la construcción “en abismo”. El melodrama Los abrazos rotos está perforado por elementos de varios géneros: hay acentos típicos del drama criminal negro (el protector tiene un impulso homicida), se cuela el relato de una historia de vampiros que refleja la conducta de los protagonistas, que succionan la imagen y el alma de Lena, y hasta de una comedia en el estilo de Mujeres al borde del ataque de nervios, que es la película dentro de la película, llamada “Chicas y maletas”.

Pero Los abrazos rotos es también una película sobre un director de cine enamorado de la mujer que filma. Es decir, sobre el voyeurismo, la pasión de mirar y la imposibilidad de ver. La visión plena y la ceguera se suceden como formas de relacionarse con el mundo. El vidente Mateo Blanco y el ciego Harry Caine son la misma persona y usan sentidos diversos para acceder a su objeto de deseo: Penélope Cruz es mirada por la cámara y su director para, luego, inmaterial, convertida en imagen, ser tocada por él y restaurada en una fantasmagoría destinada a vivir en el recuerdo del espectador.

Esta es una de las cintas más ambiciosas de Almodóvar. Está llena de ideas, giros, momentos magníficos, referencias más que pertinentes a otras películas y directores (desde Rossellini hasta Fritz Lang). Es “almodovariana” por los cuatro costados, pero se la siente teórica, admirable pero no conmovedora, notable pero no emocionante. Tal vez le falte esa pizca de locura, temperamento, furia, exceso, radicalidad estilística, desprecio por la verosimilitud y falta de pudor al solicitar la emoción o las lágrimas del público que tienen los grandes melodramas, esos que venera Almodóvar, los de Ophuls, Sirk, Curtiz o Minnelli.

CONTRACORRIENTE de Javier Fuentes-León sigue cosechando galardones

2010-03-09T04:26:00.000-08:00

Hoy El Comercio informa de un nuevo premio que recibe la película Contracorriente:

El público sigue teniéndola como favorita. Primero se ganó a los espectadores en el festival más importante de cine independiente: Sundance. Ahora lo hizo en Colombia, en el Festival de Cartagena. La cinta Contracorriente, dirigida por el peruano Javier Fuentes-León, se llevó el Premio del Público Cinecolor en la Competencia Iberoamericana de Largometrajes.

La película rodada en Cabo Blanco, en Piura, se impuso sobre filmes como “Viaje redondo”, de Gerardo Tort (México), y nada menos que la premiada el domingo con el Óscar a Mejor Película Extranjera: “El secreto de sus ojos”, de Juan José Campanella (Argentina-España). Estos largometrajes quedaron en segundo y tercer lugar, respectivamente. Cabe señalar que “Gigante”, de Adrián Biniez (Uruguay), se llevó el premio a Mejor Película.

Actualización (lunes 15 de marzo). El Comercio informa del gran recibimiento que tuvo Contracorriente en el Festival de Cine de Miami.

La edición on line del diario El Mundo presentó una entrevista al director peruano Javier Fuentes-León, a raíz del éxito se su primer largometraje Contracorriente, ganador del premio del público del Festival de Sundance 2010 y en el de Cartagena.

El filme, rodado en el norte de nuestro país, cuenta la historia de amor secreto entre dos jóvenes, Miguel (un pescador) y Santiago (un pintor). “Es una historia de amor que tiene la intención de conmover al público para que se identifique y rompa las barreras y entender que el amor es tan sincero, tan complejo, tan intenso y tan válido como el amor entre un hombre y una mujer”, explica Fuentes-León a la publicación española.

“Recorrí por un tiempo la costa peruana, desde Arequipa hasta el norte. Cuando llegué a Cabo Blanco sabía que era el lugar ideal. Tenía todo lo que necesitaba porque parecía un pueblo estancado en el tiempo. Tenía el muelle y la cantina. Lo que tuvimos que armar fue el estudio del pintor”, cuenta Fuentes-León, y apunta que “la geografía era perfecta para la película porque el pueblo está atrapado entre el mar y el precipicio, lo que me daba la metáfora de que el pintor estaba atrapado en ese pueblo”.

PREMIADA NUEVAMENTE
A los mencionados galardones se suma un nuevo reconocimiento obtenido en el Festival de Miami, donde Contracorriente recibió el premio del público tras un “prolongado aplauso al final de la proyección y un gran interés por saber más de la película por parte de los espectadores”, según consigna elmundo.es.

A la cinta le quedan aún muchos festivales por recorrer. Ya tiene su presencia confirmada en los festivales de Praga, Estambul, los festivales latinos de Montreal, Chicago, San Diego y Houston. “Nada mal para un hombre que se graduó de médico en su país natal y decidió salir para perseguir su sueño”, dice el medio on line.

Acá la nota del diario El Mundo de España:

Contracorriente es el primer largometraje del director peruano Javier Fuentes-León(41) que ganó el premio del público del Festival de Sundance 2010, el de Cartagena y que ahora compite en el Festival Internacional de Cine de Miami.

El filme cuenta la historia del amor secreto entre Miguel, un joven pescador de un pueblo costero en el norte de Perú donde existen costumbres muy arraigadas sobre la muerte; y Santiago, un pintor que se ha mudado al lugar en busca de inspiración. Miguel está casado con Mariela, quien tiene siete meses de embarazo y con quien lleva un estilo de vida muy tradicional. Santiago se ahoga accidentalmente nadando en el mar y regresa después de muerto para pedirle a Miguel que encuentre su cuerpo y lo entierre de acuerdo al ritual de los pescadores. Esa será la única manera para que su alma pueda descansar en paz y deje de vagar en este mundo. Sin embargo, según las creencias del lugar sólo la persona más cercana al muerto puede hacerse cargo del entierro por lo que al hacerlo Miguel estaría confirmando los rumores del pueblo y pondría en riesgo el perder a las personas que más quiere.

Contracorriente es una película que si bien trata sobre la realidad de una minoría, toca la sensibilidad de muchos.

"Es una historia de amor que tiene la intención de conmover al público para que se identifique y rompa las barreras y entender que el amor es tan sincero, tan complejo, tan intenso y tan válido como el amor entre un hombre y una mujer", cuenta Fuentes-León, aunque "al final la historia de amor más grande es la del pescador y su mujer". Fuentes-León entendió que había logrado expresar lo que quería cuando la película fue estrenada en el festival de cine de San Sebastián 2009 donde la "reacción del público fue impresionante. Nos dieron un aplauso parados de varios minutos". Allí el filme ganó el 'Sebastiane' que es el premio a la mejor película de temática homosexual.

En Miami la película fue muy bien recibida con un prolongado aplauso al final de la proyección y una gran interés por saber más de la película por parte de los espectadores. Una de las preguntas fue sobre la locación del filme, pues se trata de Cabo Blanco donde el escritor y premio Nobel de literatura Ernest Hemingway solía pasar temporadas pescando. Cabo Blanco su gente y su geografía es como si fueran un personaje más en la historia. Con sus barcas en el mar, su muelle y sus formaciones rocosas con cuevas frente al oceáno, se convirtió en el escenario perfecto para la historia.

"Recorrí por un tiempo la costa peruana, desde Arequipa hasta el norte. Cuando llegué a Cabo Blanco sabía que era el lugar ideal. Tenía todo lo que necesitaba porque parecía un pueblo estancado en el tiempo. Tenía el muelle y la cantina. Lo que tuvimos que armar fue el estudio del pintor", cuenta Fuentes-León y apunta que "la geografia era perfecta para la película porque el pueblo está atrapado entre el mar y el precipio lo que me daba la metáfora de que el pintor estaba atrapado en ese pueblo".

Ahora a Contracorriente le quedan muchos festivales por recorrer y ya tiene su presencia confirmada en los festivales de Praga, Estambul, los festivales latinos de Montreal, Chicago, San Diego y Houston. Nada mal para un hombre que se graduó de médico en su país natal y decidió salir para perseguir su sueño.

"Está película confirmó que no me he equivocado", afirma Fuentes-León que también aconseja a quienes quieran seguir ese camino, "lo importante es tener un balance entre lo que es el sueño y lo que es la realidad. Creo que hay que desarrollar una habilidad que te permita sobrevivir mientras mientras desarrollas tu proyecto".

Contracorriente es una producción internacional que cuenta con inversión peruana, colombiana, francesa y alemana. El rol de Miguel lo interpreta Cristian Mercado (Bolivia), el de Santiago lo hace Manolo Cardona (Colombia) y el de Mariela, Tatiana Astengo (Perú). El filme ya tiene distribuidor en Estados Unidos y se estrenará en Colombia el 23 abril y en Perú el 26 de agosto.

Crazy heart (de Scott Cooper)

2010-03-08T18:56:00.000-08:00

Jeff Bridges personifica a un alcohólico impenitente y, además, cantante de música country. Conocerá a una mujer que lo ayudará a redimirse. Gracias a este papel ganó el premio Oscar a mejor actor principal. Creo que, más allá de su destacada interpretación de canciones, las mejores escenas se dan en su soledad, donde el alcohol se hace dueño de su vida y, luego, cuando confiesa su vicio en Alcohólicos Anónimos. Es inevitable remitirse a Rachel quiere casarse (de Jonathan Demme), otra gran película que aborda con solidez el tema del alcoholismo.

ESE ACTOR, ESE HOMBRE
Escribe Carlos Boyero, Diario El País de Madrid
fuente: http://www.elpais.com/articulo/cine/actor/hombre/elpepuculcin/20100305elpepicin_4/Tes

En ese espectáculo y ensoñación llamado cine cuyo alimento primordial jamás podrán ser esas cosas tan incomibles e imbebibles en términos artísticos de la honestidad y del rigor, sino la magia pura y dura, existen desde su nacimiento, en el mudo y en el sonoro, actores y actrices cuya presencia justifica el precio de la entrada, en posesión de un atractivo interno inmarchitable (también externo, pero saben llevar con estilo las inevitables arrugas y la decadencia física) transmisores naturales de sensaciones impagables. Con algunos de ellos tampoco puedes certificar que su talento sea grandioso, versátil, profundo y camaleónico. Les basta con su presencia, su gestualidad, sus movimientos, su voz, el irrenunciable amor que les profesa la cámara.

En mi mitología particular, Jeff Bridges ocupa un lugar de honor. Siempre me gusta verle y oírle. Si además, su personaje tiene alma y la película es buena, el placer es absoluto. Ha navegado sin mancharse en medio de mediocridades y guiones que no le merecían. Cuando ha existido armonía entre la calidad de la historia, el conductor de ella y la personalidad de Bridges, el resultado es memorable. Ejemplos: La última película, Fat city, Un botín de 500.000 dólares, 8 millones de maneras de morir, Tucker, Los fabulosos Baker Boys, El rey pescador, El gran Levowski, Arlington road, The door in the floor. Nunca recibió premios ni reconocimiento académico por ello. Sí la admiración y el amor del público con paladar y sentido estético. Los galardones de interpretación casi siempre han sido roñosos con Mitchum, Marvin, Connery, Nolte, Eastwood, Bridges, gente dura, sobria y vivida, inequívocamente masculina. Dudo que el menosprecio académico haya perturbado excesivamente a estos auténticos profesionales.

Casi todas las quinielas coinciden en que, por fin, a Bridges le va a caer el Oscar. El vehículo que le puede llevar a él se titula Corazón rebelde. Bridges está ejemplar metiéndose en el castigado cuerpo, la esforzada supervivencia y la resignación ante el prolongado cutrerío profesional y afectivo de un cantante de country que está en las últimas, alcohólico y posibilista, con pavor a responsabilidades familiares y sentimentales, un desesperado estoico al que la vida le ofrece la última oportunidad de redención. ¿Les suena el argumento? Robert Duvall, que aquí ejerce de productor (no puede ser casual) e interpreta a un sabroso personaje secundario, ganó un merecido Oscar con una temática similar en Gracias y favores. Eastwood también visitó ese atormentado universo en El aventurero de medianoche.

Es una película bonita y agridulce, con alguna tentación de blandura, con momentos previsibles, bien contada. Pero tiene algo excepcional. Bridges es creíble y querible, patético y seductor, buscavidas y digno. Es estilo, sutileza, magnetismo, humanidad. Hasta canta bien.

Celda 211 de Daniel Monzón

2010-03-08T18:16:00.000-08:00

Celda 211 es probablemente la película del año 2009 para el prolífico cine español. Arrasó con los premios Goya (en total 8, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Director).
El director de esta relevante película es Daniel Monzón (1968) y el protagonista es Luis Tosar (1971), encarnando al despiadado Malamadre.

La sinopsis la podemos encontrar en la página oficial www.celda211.com

Juan, funcionario de prisiones, se presenta en su nuevo destino un día antes de su incorporación oficial. Allí, sufre un accidente minutos antes de que se desencadene un motín en el sector de los FIES, los presos más temidos y peligrosos (el cabecilla es Malamadre). Sus compañeros no pueden más que velar por sus propias vidas y abandonan a su suerte el cuerpo desmayado de Juan en la Celda 211. Al despertar, Juan Comprende la situación y se hará pasar por un preso más ante los amotinados. A partir de ese momento, nuestro protagonista tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino.

Esto sí es cine, además español

Escribe Carlos Boyero

El género de cárceles tiene un atractivo enorme para los que nunca las hemos padecido, al encontrarnos con gente torva en situaciones límite, con villanos desesperados que van a jugarse lo poco o nada que les queda para vencer a sus secuestradores legales, para dar la reivindicativa y casi siempre sangrienta bronca, para conseguir escapar. Es uno de los escenarios favoritos del cine de acción, puede mostrar el luminoso anverso y el temible reverso de los que han transgredido las leyes (están excluidos en esa narrativa que aspira a exaltarte los grandes tiburones, los banqueros, los gánsteres disfrazados de ejecutivos, los líderes políticos, los delincuentes de lujo, los que nunca pisan las cárceles y si excepcionalmente lo hacen saben que obedece a un pacto inocuo, a un simulacro del orden para calmar el revuelo social), ya que por muy ingenuos que seamos la complicidad del espectador sólo puede identificarse con el marginal, el solitario, el que juega en desventaja, el más débil aunque sea muy fuerte.

La primera secuencia de Celda 211 te avisa, como en Grupo salvaje, de que esto va en serio, de que va a hablar de fronterizos en situación tétrica. Te obliga a cerrar los ojos. La segunda, que ejerce de prólogo expositivo, es horrorosa, con actores que recitan con tonillo presuntamente natural pero vergonzantemente falso lo que ocurre en esa cárcel. En la tercera aparece un cráneo afeitado y unos andares intimidantes. Se hace llamar Malamadre, es el jefe de los malos, no es el individualista épico que interpreta Eastwood en Fuga de Alcatraz ni el tenebrosamente lírico y maquiavélico Hannibal Lecter, ni el cerebral profesional de la resistencia que encarna Tim Robbins en Cadena perpetua. Es un macarra resolutivo y de voz cavernosa, un hijoputa que te obligaría a salir corriendo si divisaras su sombra en la calle, el genético rey de una selva eterna, con salida sellada. Desde ese momento sabes que todo lo que diga, haga o sienta ese personaje te lo vas a creer, que has entrado en el campo magnético de un personaje con cuerpo y alma, con naturalismo y matices, siniestro y conmovedor, héroe y malvado, letal y legal, retorcido y diáfano, superviviente y guerrero, esencialmente trágico, un fulano del que no vas a poder apartar los ojos y los oídos cada vez que aparezca, que te hará sentir miedo y compasión, que sabes que sólo puede perder aunque aterre provisionalmente al sistema, capaz de barbarie pero con códigos de honor, volcánico y secreto, líder y víctima, alguien que te impresiona, del que te preocupa su suerte, que va a dejar poso imborrable en tu memoria.

Daniel Monzón narra admirablemente con pulso, nervio, ritmo, suspense y complejidad emocional esta historia de perdedores épicos, de guardianes de la ley que descubren con miedo, pasmo y sangre que la vida puede colocarte al otro lado. Hay un giro excepcional en el guión al plantear que los asesinos desclasados pueden utilizar como rehenes políticos a los asesinos patrióticos. Hay diálogos para quitarse el sombrero. Es una película con eso tan difícil de lograr llamado atmósfera, con gente que te va a implicar en lo que les ocurre.

También existen lastres en este cine ejemplar que le impiden alcanzar la condición de obra maestra. Sobran los flash-backs sobre la vida familiar del guardián que se transformó en presa, sobra la manifestación de los familiares de los presos, sobran algunos actores sonrojantes. Lo último es preocupante en una película con personajes que sólo funcionan si te los crees. Y resultan modélicos el sinuoso Morón, el violento Resines, el maquiavélico buscavidas Carlos Bardem o Luis Zahera, un individuo con gorra, gesto amenazante y voz convulsa que parece interpretarse a sí mismo, esos presos que desprenden realismo. Son el complemento ideal para una interpretación prodigiosa. La de Luis Tosar. Desde fuera y desde dentro, acojonando y enterneciendo, revelándote zonas de luz en un fulano tenebroso, clavando el gesto y la palabra. Sólo lamentas que no aparezca en todos los planos. Yo pensaba que era un actor tan eficaz como lineal, intensamente taciturno. Prejuicio borrado. Lo que hace aquí es magnético, sutil, veraz y emocionante. Para enmarcar.

Lo que la teta nos puede dar

2010-03-08T18:10:00.000-08:00

Luego de que la película argentina El secreto de sus ojos ganara el premio Oscar, El Comercio de Lima, publica hoy un artículo de Ricardo Bedoya (o comentario):

La teta asustada no obtuvo el Óscar, pero los reconocimientos que recibió en festivales de cine y la candidatura de la Academia de Hollywood son méritos que tienen en su haber Claudia Llosa y sus productores. Pasado el entusiasmo mediático, es necesario evaluar con claridad los logros alcanzados por esta película peruana. La lección es que se puede competir en las ligas mayores mediando un trabajo muy serio y profesional. En primer lugar, marcando distancia de las reglas niveladoras del “cine para consumir al paso” en una multisala cualquiera. El punto de vista personal y exigente de un cineasta hace que una historia de “aquí y de ahora”, singular y muy arraigada en una cultura —la nuestra— pueda ser entendida y apreciada en diversos lugares y subtitulada en muchas lenguas.

En segundo lugar, mirando hacia más allá, hacia mercados de pantallas múltiples que se interesan por “otros cines”. Para llegar a ellos, se requiere de coproducción internacional, pero, sobre todo, del cumplimiento escrupuloso de las leyes nacionales de promoción al cine, teniendo dos objetivos: lograr un nivel regular en la producción de películas, y apoyar las “primeras obras”, los proyectos originales y las cintas producidas en todo el territorio del Perú. Que otras películas peruanas triunfen en el futuro puede ser el logro mayor que permite vislumbrar la repercusión actual de “La teta asustada”.

Enseñanza de vida / An Education (de la danesa Lone Scherfig)

2010-02-28T05:47:00.000-08:00

La semana pasada vi Enseñanza de vida (An Education). Les comparto la crítica de Ricardo Bedoya en el diario "El Comercio".

Enseñanza de vida empieza bien: en el Londres de 1961, seguimos a una adolescente en su paso a la edad adulta. Entre las rutinas de la escuela y las exigencias familiares para una postulación exitosa a Oxford, Jenny, de 16 años, se descubre vivaz y abierta a los estímulos culturales que llegan de París. La notable presencia de Carey Mulligan como Jenny y el clima evocativo de época, pintado con trazos rápidos de discreta nostalgia, combinan a la perfección. La mirada brillante de la muchacha y su gesto de curiosidad la emparientan con las actrices que a inicios de los sesenta supieron encarnar la inocencia, la rebeldía, la frescura, la malicia, la inquietud adolescente, la fascinación por romper reglas y devorar la vida, todo a la vez; desde la Rita Tushingham del Free Cinema británico hasta la Jean Seberg de “Buenos días tristeza” y “Sin aliento”.

Por eso, la aventura de Jenny con David (Peter Sarsgaard), el último caballero de aires románticos y aparentes buenos modales antes de la llegada del desbarajuste del “swinging London”, es lo mejor de la cinta. Con él, la chica descubre el goce de los escarceos amorosos, de la fascinación con el dinero gastado en diversión, de las “escapadas” clandestinas de fin de semana. Disfruta del hedonismo y de la “irresponsabilidad” sin preguntar nada, como corresponde a una muchacha curtida en la fantasía de pasar las noches en las “boîtes” existencialistas de moda. Las promesas de la educación sentimental y sensorial adelantan a la ambición de la educación académica.

La cinta tiene una impecable recreación de época y actuaciones secundarias magníficas (el padre Alfred Molina; la profesora Olivia Williams), pero el conjunto resulta insatisfactorio. El último tercio del filme flaquea. La enseñanza de vida se transforma en previsible “lección” y el descubrimiento de la personalidad de David se resuelve con desgano. Como si el encanto previo hubiese sido anuncio fatal de la verdad y sino inevitable del personaje. El retintín moralista de esa conclusión termina irritando.

Preciosa / Precious de Lee Daniels

2010-02-24T05:33:00.000-08:00

Hace una semana vi Preciosa, del director Lee Daniels. Un drama bastante doloroso -por momentos insoportable-, con varias escenas de violencia familiar (violaciones de su progenitor, inclusive). Narra todo los avatares por los que pasa una joven marginal con un desbordante sobrepeso y con una familia poco más que atroz.
Preciosa es una producción de la archifamosa presentadora de televisión yanqui Oprah Winfrey y Tyler Perry, triunfadora el año pasado 2009 en el festival de cine de Sundace: Gran Premio del Jurado, Premio de la Audiencia y Premio Especial del Jurado.
Hoy, el diario El Comercio de Lima, en una nota titulada La luz al final de uno mismo, aborda esta película que está dentro de las diez nominadas a Mejor Película, y la actriz que encarna a Preciosa también disputa el lauro para Mejor Actriz, para este 2010 (premios Óscar):

EL FILME DE LEE DANIELS EXPLORA LA NATURALEZA DE LA ESPERANZA RETRATANDO EL MUNDO INTERIOR DE UNA ADOLESCENTE MARGINAL.

Muchas veces la miseria se retrata de la manera más lacrimógena para ser digerida por audiencias propensas a la sensiblería y la compasión. Este no es el caso de “Preciosa” (“Precious: Based on the Novel “Push” by Sapphire”), filme que se estrenará mañana en nuestro país y en el que su director, Lee Daniels, va más allá del drama autocompasivo: celebra la esperanza del discriminado trascendiendo a su origen o contexto.

Centrada en la terrible vida de Precious (en manos de la debutante Gabourey Sidibe, actualmente nominada al Óscar a Mejor Actriz), la película describe los avatares a los que se enfrenta esta obesa adolescente neoyorquina que espera su segundo hijo fruto de las violaciones de su padre. A su situación se suma el hecho de que es iletrada, que posee un hijo pequeño con síndrome de Down producto del incesto, además de sufrir los abusos psicológicos de su madre Mary (Mo’Nique, favorita a llevarse el Óscar a Mejor Actriz de Reparto).

Hasta ahí parecería ser solo una gran apología al infortunio. Sin embargo, Precious no se deja vencer por las miserias que marcan su rostro de tristeza. Ella busca superarse a pesar del aplastante peso de la realidad: con sus 158 kilos y una eterna melancolía intenta moldear su propio camino, paso a paso, mientras se refugia en mundos imaginarios.

En este intenso drama de 110 minutos veremos también en pantalla a Mariah Carey en el activo papel de una trabajadora social que apoya a Precious y a Lenny Kravitz, quien debuta en el cine como un compasivo enfermero.

Con sus seis nominaciones al Óscar —entre ellas, Mejor Película y Mejor Director (para Lee Daniels)—, esta adaptación de la novela “Push”, de la escritora Sapphire, fue ovacionada en Cannes por 15 minutos, además de llevarse varios premios. En su estreno en Sundance arrasó con los galardones del gran jurado y del público; también se llevó el trofeo especial del jurado para Mo’Nique y obtuvo cuatro nominaciones al Bafta. Además, Mo’Nique se alzó con el Globo de Oro a Mejor Actriz de Reparto.

"África mía" cumple 25 años

2010-02-22T05:38:00.000-08:00

MADRID [EFE].- “Yo tenía una casa en África, al pie de las colinas del Ngong” es una de las frases más famosas que ha regalado el cine. Y así comienza “África mía”, una película que cumple 25 años convertida en uno de los romances más memorables de la historia del celuloide.

A principios del siglo XX, Karen Blixen (Meryl Streep), una mujer europea, llega a Kenia para dirigir una plantación junto con su marido, un mujeriego incorregible con el que se ha casado, pero del que no está enamorada. La relación que Karen establece con África, sus gentes y el cazador Denys Finch Hatton (Robert Redford) es el hilo de una película que es tan sencilla como poética.

No era una historia fácil de resolver y antes que Kurt Luedtke, guionista de “África mía”, ya se habían interesado por narrar la biografía de Blixen otros cineastas, como el director Orson Welles, incondicional admirador de la escritora. Después de tres años de trabajo y síntesis, Luedtke recogió algunos capítulos de todas las obras de Blixen, que firmó sus libros con el seudónimo de Isak Dinesen, centrándose en su relación con Finch Hatton.

Ganadora de 7 premios Óscar, entre ellos Mejor Película, Mejor Director (Sydney Pollack) y Mejor Guion Adaptado, la cinta tuvo un enorme éxito de público y fue calificada de obra maestra y joya inolvidable, con lo cual se convirtió en todo un clásico del cine.

Aunque también ha sido criticada por su carácter excesivamente edulcorado y blando, especialmente al comparar la película con la biografía de Blixen, más centrada en la relación de la autora danesa con el pueblo masai y la tierra africana que en su romance con el cazador Denys Finch Hatton. Pero “África mía” es, ante todo, una historia bella, llena de magia, que tiene el poder de emocionar al espectador y hacer que su imagen perdure. Por 25 o más años.

En el nombre del Padre (de Jim Sheridan)

2010-02-16T05:05:00.000-08:00

Terrorismo y un error judicial son el punto de partida para la inolvidable En el nombre del Padre. Daniel Day Lewis ha sido considerado con justicia el mejor actor de su generación (ha merecido ya dos premios Oscar y otras tantas nominaciones). Esta una película irlandesa de 1993 basada en los casos de los Cuatro de Guildford y los Siete de Maguire.
Título original: In the name of the Father.
Año: 1993.

"La teta asustada", una fábula de valor universal que tendrá una dura competencia

2010-02-03T05:13:00.000-08:00

Hoy, en el diario El Comercio de Lima aparece un artículo del reconocido crítico y especialista en cine Ricardo Bedoya llamado: La fábula de valor universal de Claudia Llosa tendrá dura competencia en el Óscar

¿Qué ha puesto a “La teta asustada” en la línea de carrera para ganar el Óscar a la mejor película extranjera? Sin duda, el trabajo de su directora, Claudia Llosa, y de su equipo de producción. “La teta asustada” es la película que representa de modo cabal a una franja del cine latinoamericano que se mueve con seguridad por los vericuetos de la financiación internacional para las películas de “autor” o de “arte y ensayo” (por llamarlas de alguna manera), conoce los festivales que la pueden acoger mejor y aspira a construir un público propio, quizá no masivo —porque no es el de los “blockbusters”—, pero sí amplio y diverso.

Y lo hace con la apelación de lo universal, de una fábula enraizada en un lugar y época muy precisos, pero capaz de movilizar sentimientos compartidos por muchos. La historia de Fausta (Magaly Solier), personaje principal de la cinta, es la de una joven que busca superar su ligazón a un miedo ancestral, a una violencia heredada, a un trauma del pasado, para poder florecer, abrirse a nuevas posibilidades de vida y encontrar su sexualidad. Su trayectoria se asemeja a la de la protagonista de un cuento infantil: en el camino se encuentra con una madrina malvada que pretende apoderarse de su canto y su voz, y con un caballero que la salva, el jardinero bienhechor. Y como escenografía de fondo está una Lima popular vista desde la estilización formal —la dirección artística de la película es un aporte muy importante— y no desde los afanes testimoniales del realismo documental.

¿QUÉ LE ESPERA EN LA ENTREGA DEL ÓSCAR?
Es difícil decirlo. En la categoría de Mejor Película Extranjera suelen ganar los filmes menos voceados. La competencia de este año es fuerte. “La cinta blanca”, del austríaco Michael Haneke, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de 2009, es el retrato frío, riguroso y en blanco y negro de la formación del huevo de la serpiente del nazismo: el mal se incuba y se disemina entre los niños de un pequeño pueblo alemán en los días de la Primera Guerra Mundial. Es la favorita.

“Un profeta”, del francés Jacques Audiard, es considerada por algunos críticos confiables como la mejor película carcelaria que se haya hecho. “El secreto de sus ojos”, del argentino Juan José Campanella, aborda un asunto cercano al de “La teta asustada”, el ajuste de cuentas con los traumas del pasado histórico, pero en un estilo opuesto, el del “thriller” conducido con brío narrativo y velocidad. La última candidata, “Ajami”, de Israel, ganó la Cámara de Oro en el último festival de Cannes.

Películas nominadas a los Premios OSCAR 2010

2010-02-02T07:32:00.001-08:00

Y sí, La teta asustada de la peruana Claudia Llosa quedó entre las cinco finalistas para el Premio a Mejor película de lengua extranjera (situación inédita en el cine peruano). Acá el listado completo:

Las 10 películas nominadas a mejor largometraje del año. Como ya se había anunciado, este año la reglamentación ha sido modificada y, por ende, en el rubro Mejor Película hay lugar para 10 candidatas. Éstas son:

1. Avatar,

2. Enseñanza de vida,

3. The Blind Side,

4. The Hurt Locker,

5. Bastardos sin gloria,

6. Sector 9,

7. Preciosa,

8. Up,

9. A Serious Man,

10. Amor sin escalas.

Las actrices nominadas.

1- Sandra Bullock por The Blind Side;

2- Meryl Streep por Julie and Julia;

3- Gabourey Sidibe por Preciosa,

4- Carey Mulligan por Enseñanza de vida

5- Helen Mirren por The Last Station.

Los actores nominados.

1- Jeff Bridges por Crazy Heart;

2- George Clooney por Amor sin escalas;

3- Jeremy Renner por The Hurt Locker;

4- Morgan Freeman por Invictus

5- Colin Firth por A Single Man.

Los nominados en el rubro de reparto. En cuanto a los actores, los candidatos son:

1- Woody Harrelson por The Messenger;

2- Matt Damon por Invictus;

3- Christopher Plummer por The Last Station;

4- Stanley Tucci por Desde mi cielo

5- Christoph Waltz por Bastardos sin gloria.

Las mejores actrices de reparto para la Academia están entre:

1- Vera Farmiga por Amor sin escalas;

2- Anna Kendrick por Amor sin escalas;

3- Mo Nique por Preciosa;

4- Penélope Cruz por Nine

5- Maggie Gyllenhaal por Crazy Heart.

Los directores elegidos.

1- James Cameron por Avatar;

2- Kathryn Bigelow por The Hurt Locker;

3- Lee Daniels por Preciosa;

4- Quentin Tarantino por Bastardos sin gloria

5- Jason Reitman por Amor sin escalas.

Los mejores guiones: Original:

1- The Messenger (Oren Moverman);

2- The Hurt Locker (Mark Boal;

3- Bastardos sin gloria (Quentin Tarantino);

4- A Serious Man (Joel Coen y Ethan Coen)

5- Up (Bob Peterson y Pete Docter).

Adaptado:

1- Enseñanza de vida (Nick Hornby);

2- Sector 9 (Neil Blomkamp y Terri Thatcher);

3- In The Loop (Jesse Armstrong);

4- Preciosa (Geoffrey Fletcher)

5- Amor sin escalas (Jason Reitman y Sheldon Turner).

Films extranjeros.

1. La película argentina El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella

2. La teta asustada, de la peruana Claudia Llosa

3. La cinta blanca, del austríaco Michael Haneke (ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes)

4. Un profeta, de Jacques Audiard

5. La israelí Ajami, de Scandar Copti y Yaron Shani.

Soy Leyenda (de Francis Lawrence)

2010-02-02T07:24:00.000-08:00

Particularmente, no me llama la atención Will Smith como actor, pero me gustó mucho su actuación en Día de la Independencia y en esta película donde demuestra todo su talento para un drama futurista que tiene momentos que lo dejan a uno sin aliento.
Comparto información sobre esta película sacada (y editada) de www.notasdecine.es:

Título original: I am legend
Director: Francis Lawrence
Género: acción
Año: 2007
Int: Will Smith, Sally Richardson, Alice Braga, Willow Smith
Montaje: Wayne Wahrman
Guión: Mark Protosevic y Akiva Goldsman, basándose en una novela de Richard Matheson
Música: James Newton Howard

Había leído críticas desastrosas acerca de esta película, pero, la verdad, dejando a parte que a veces resulta lenta, no ha estado mal la experiencia de ver solito a Will Smith en Nueva York.

El argumento sonará de “28 días después”: una científica modifica genéticamente el virus del sarampión, para que, una vez inyectado a un paciente enfermo de cáncer, éste desaparezca. Por supuesto, la historia acaba mal, ya que el virus muta y, al transmitirse por el aire, mata al 90% de la población humana. Del 10% restante, sólo un 1% es inmune a la infección, lo cual significa 540 millones de personas infectadas, y bastante agresivas, tratando de comerse a los pocos que quedan sanos. Lo único que les frena es la luz solar, la cual les quema la piel si se exponen a ella. Will Smith es el único inmune que queda en Nueva York, además de ser un científico militar que cree poder conseguir la cura.

La cinta se divide en dos partes: en la primera nos muestran la vida de Smith sólo en Nueva York, su rutina y sus precauciones para no caer en las manos de “los buscadores de sombras”, incluso nos muestran su incipiente locura ante la soledad total que lleva sufriendo durante cuatro años. En en la segunda, se desarrolla una pequeña trama dónde incluyen la voluntad divina para conseguir la salvación de la humanidad.

Lo que más me ha gustado es el silencio. Toda la película, sobre todo la primera parte, está ausente de ruido y música. Lo que consiguen es que sientas la soledad del protagonista, el vacío que debe sentir en una de las ciudades más grandes del mundo, estando solo. Durante la segunda parte, los enfrentamientos con los infectados añaden volumen, pero sólo en el momento del ataque, lo cual desemboca en más de un susto que hace saltar del asiento.

Smith es, sin duda, lo mejor de la cinta. Está inmenso en su intento de conservar la cordura ante la durísima situación que está viviendo, tratando, a su vez, de encontrar una vacuna para el virus. La relación que tiene con su perra Sam, consigue encoger el corazón de quién tiene un animal y le quiere como a alguien de su familia. Muy tierno y muy emocionante.

Cabe mencionar que, como ya hiciera en “En busca de la felicidad”, vuelve a trabajar con una de sus hijos, Willow, que no hace un gran papel como su hermano Jaden, pero que ya apunta maneras interpretativas como sus papás.

Hacia el final de la película el ritmo baja bastante, llegando incluso a aburrir, pero en conjunto vale la pena.

¿Bailamos? (de Peter Chelsom)

2010-02-02T07:16:00.000-08:00

John Clark (Richard Gere) es un abogado con una vida normal y un matrimonio de años. aparentemente monocorde. Pero algo le falta en su rutina, y una pista al respecto la tiene cuando desde el Metro ve una hermosa mujer (Jennifer López) en la ventana de un llamativo edificio. Muy pronto descubrirá que el sitio es una academia de baile, y decide -impulsado más por la curiosidad que por la coquetería, o una extraña mezcla de ambas- inscribirse en un curso de baile a espaldas de su familia (esposa e hija).
Lo curioso de ¿Bailamos? es que no es un filme romántico -como aparenta al principio-, sino una historia sobre cómo alguien redescubre su pasión por la vida y su interés en lo nuevo. Gere está sólido en su rol de galán otoñal y la dinámica que el director consigue con el grupo de baile es muy divertida. Recomendable.
Título original: Shall we dance?
Año: 2004

Director:

Peter Chelsom

Actores:

Richard Gere		Susan Sarandon
Jennifer López		Richard Jenkins
Stanley Tucci

Descubriendo a Forrester (de Gus Van Sant)

2010-01-26T06:17:00.000-08:00

-¿Sabes qué es a lo que más miedo le tiene la gente?
-A lo que no entienden. Cuando no entendemos, nos|apoyamos en nuestras conjeturas.
___________
"La llave que te abrirá el corazón de una mujer es un regalo inesperado en un momento inesperado".
___________
Perder familia nos obliga a buscar a nuestra familia. No siempre a la familia que es de nuestra sangre, sino la que puede volverse de nuestra sangre. Si tenemos la sabiduría para abrir la puerta a esta nueva familia, descubriremos que lo que deseábamos del padre que antes nos guiaba, del hermano, que antes nos inspiraba...

Esplendor en la hierba (de Elia Kazan)

2010-01-26T05:50:00.000-08:00

El portal sobre cine www.alohacriticon.com tiene una interesante nota sobre la biografía, filmografía y otros datos sobre el cineasta Elia Kazan

ELIA KAZAN
(1909-2003)

Director, productor, guionista, actor y escritor, Elia Kazan (de apellido real Kazanjoglou) nació en Estambul (Turquía) el 7 de septiembre de 1909. A los cuatro años emigró con sus padres, de nacionalidad griega, a los Estados Unidos.

Después de acudir al Williams College y estudiar interpretación en la Universidad de Yale, Kazan se unió al Group Theatre, en donde comenzó su trayectoria como intérprete teatral, que en los años 40 amplió con algunas películas cinematográficas, como “Ciudad de conquista” (1940) o “Blues in the night” (1941), ambos títulos dirigidos por Anatole Litvak.

En 1932 contrajo matrimonio con Molly Day Thatcher y a mediados del decenio comenzó a destacar como director escénico, triunfando en Broadway con adaptaciones de “Un tranvía llamado deseo”, “Muerte de un viajante” o “La gata sobre el tejado de zinc”, en las cuales sobresalía como excelentes director de intérpretes.

Su talento teatral no pasó desapercibido para los estudios de Hollywood, debutando en el cine como director con “Lazos humanos” (1945), versión cinematográfica de la novela de Betty Smith por la cual el actor James Dunn logró el Oscar al mejor actor secundario.

Dos años después de este debut fílmico, Elia creó en Nueva York junto a Lee Strasberg el Actors Studio, vivero de importantes intérpretes significados en la figura de uno de sus actores habituales, Marlon Brando, quienes desarrollaban sus actuaciones mediante el método del director teatral ruso Konstantin Stanislavski.

Sus siguientes películas en los años 40, producidas por Darryl F. Zanuck, conformaron una serie de títulos que consagraron a Elia Kazan como uno de los mejores directores del momento, casi siempre adoptando obras literarias que abordaban temas de importante calado social, como “La barrera invisible” (1947), película con Gregory Peck, Dorothy McGuire y John Garfield que abordaba el antisemitismo, o “Pinky” (1949), drama racial interpretado por Jeanne Crain, Ethel Waters y Ethel Barrymore, tres actrices que serían nominadas a la estatuilla de la Academia de Hollywood.

“La barrera invisible” fue galardonada con varios premios Oscar, entre ellos a la mejor película, mejor dirección y mejor actriz secundaria para Celeste Holm.

Otros títulos rodados por Kazan en este período fueron “El justiciero” (1947), un título de misterio protagonizado por Dana Andrews, y “Mar de hierba” (1947), película con la pareja Spencer Tracy/Katharine Hepburn como estrellas principales.

Los años 50 prosiguieron la excepcional trayectoria de Elia Kazan como director, a pesar del desprestigio sufrido a partir de 1952 entre parte de sus compañeros de profesión por haber delatado a varios de sus antiguos camaradas en el Partido Comunista, al que perteneció durante sus primeros tiempos teatrales.
Ante sus primeras negativas para revelar nombres y tras amenazas y presiones de cercenar su trayectoria profesional en Hollywood, Elia terminó finalmente colaborando con el Comité de Actividades Antiamericanas.
Algunos nombres citados por Kazan fueron los de John Garfield, Lee Strasberg, Lillian Hellman o Clifford Odets.

Con anterioridad a estos tristes sucesos, Kazan había dirigido tres magistrales películas. “Pánico en las calles” (1950), con Richard Widmark, Paul Douglas y Barbara Bel Geddes, la traslación de “Un tranvía llamado deseo” (1951) de Tennessee Williams con Marlon Brando y Vivien Leigh como pareja protagonista, y “¡Viva Zapata!” (1952), biopic de Emiliano Zapata, quien fue encarnado de manera excepcional por su amigo Brando.

Por “Un tranvía llamado deseo” Elia volvió a ser nominado al Oscar como mejor director. La estatuilla fue en esta ocasión para George Stevens por su trabajo en “Un lugar en el sol”.
Vivien Leigh, como mejor actriz principal, y Karl Malden y Kim Hunter, en la categoría de secundarios, sí lograron el premio de la Academia por sus interpretaciones.

Gracias a “¡Viva Zapata!”, película escrita por John Steinbeck, Anthony Quinn consiguió el Oscar al mejor actor secundario. De nuevo Marlon Brando, al igual que en “Un tranvía llamado deseo”, fue nominado pero no logró el galardón, hecho que haría por “La ley del silencio” (1954), una controvertida alegoría que Kazan emplearía para justificar su proceder en la Caza de Brujas.

“La ley del silencio” ganó el Oscar a la mejor película, Eva Marie Saint consiguió el Oscar como mejor actriz secundaria y Elia Kazan alcanzó su segundo premio como mejor director.

En los años 50 también rodó “Fugitivos del terror rojo” (1953), uno de sus títulos menos conocidos y de menor interés, centrado en una diatriba anticomunista protagonizada por Fredrich March y Gloria Grahame; “Al este del Edén” (1954), inspirada adaptación del clásico de Steinbeck que lanzó al estrellato a James Dean y se convirtió en su primera película como productor; “Baby Doll” (1956), escabroso drama de Tennessee Williams con Carroll Baker, Eli Wallach y uno de sus actores fetiche, Karl Malden; o “Un rostro en la multitud” (1957), un estupendo título escrito por Budd Schulberg con Andy Griffith, Patricia Neal y Anthony Franciosa.
Por “Al este del Edén” Elia volvió a ser nominado al Oscar. El ganador en esta ocasión fue Delbert Mann por “Marty”.

Después de tres años sin dirigir, Kazan retornó al cine con “Río Salvaje” (1960), un film co-protagonizado por Montgomery Clift y Lee Remick, continuado por “Esplendor en la hierba” (1961), película romántica con Warren Beatty y Natalie Wood como pareja estelar que le valió un Oscar a William Inge como mejor guionista, y “America America” (1963), cinta nominada al Oscar como mejor film del año.
Esta última película, centrada en una familia de inmigrantes y basada en su propia novela de carácter autobiográfico, también le valió una quinta nominación como mejor director, consiguiendo el Oscar e británico Tony Richardson por “Tom Jones”.

En 1963 falleció su esposa Molly y cuatro años más tarde volvió a casarse. Su nueva esposa fue Barbara Loden.

“El compromiso” (1969), título que volvía a adaptar un texto escrito por el propio Kazan protagonizado por Kirk Douglas, Faye Dunaway y Deborah Kerr, y “Los visitantes” (1972), con Patrick McVey, Patricia Joey y James Woods, fueron dos de los últimos trabajos de este maestro cinematográfico, que se despediría con “El último magnate” (1976), película basada en una novela de Francis Scott Fitzgerald que contaba con un espléndido y extenso reparto encabezado por Robert de Niro, Robert Mitchum, Tony Curtis, Jeanne Moreau, Ray Milland, Donald Pleasance, Dana Andrews o John Carradine.

En 1980 Kazan volvió a enviudar. En el año 1999 la Academia de Hollywood le otorgó un Oscar honorífico.
El 28 de septiembre del año 2003, Elia Kazan, un personaje controvertido pero un auténtico gigante del séptimo arte, falleció a la edad de 94 años.

Películas criticadas

Pinky (1949)
Un tranvía llamado deseo (1951)
Viva Zapata (1952)
La ley del silencio (1954)
Al este del Edén (1955)
Baby Doll (1956)

Killing Zoe (de Roger Avary)

2010-01-26T04:40:00.000-08:00

Es una película escrita y dirigida por el canadiense Roger Avary (Manitoba, 1965) y producida por Quentin Tarantino.
El argumento vía Wikipedia:

La película gira en torno a un ladrón de cajas fuertes americano llamado Zed que vuela a Francia para ayudar a un viejo amigo de la infancia, Eric, a dar un golpe en un banco. Cuando llega a París y va de camino a su hotel, un taxista le ofrece a Zed "call girl". Cuando abre la puerta de su habitación del hotel, Zed se encuentra a una adorable parisina llamada Zoe. Zed y Zoe hacen muy buenas migas y se dan cuenta de que, además de a nivel sexual, conectan en muchas otras cosas.

Pero su idilio se ve interrumpido bruscamente cuando Eric irrumpe en la habitación de Zed, echa de la habitación de Zoe, aún desnuda, y arrastra a Zed fuera para que conozca la banda. Eric les explica el plan: el día siguiente es el Día de la Bastilla y todo estará cerrado excepto el banco que planean robar, que es un banco de empresas y abre incluso los días festivos.

Ese día, armados hasta los dientes y siguiendo el plan de Eric ("Entramos, cogemos lo que queremos y nos largamos"), la banda irrumpe en el banco tomando a todo el mundo como rehenes, incluida Zoe que, durante el día, trabaja como secretaria en el banco. La tensión alcanza un punto altísimo, los atracadores pierden el control de la situación con los rehenes, los cadáveres van en aumento y con la policía rodeándoles, el maníaco de Eric le pone la pistola en la cabeza a Zoe en un último esfuerzo desesperado por escapar... ahora Zed debe decidir de qué lado está.

Rápida y mortal (de Sam Raimi)

2010-01-26T04:31:00.000-08:00

Western del año 1995 que no me canso de ver, por tener una historia que te mantiene atrapado, amén de un reparto espectacular: Sharon Stone, Gene Hackman, Russell Crowe, Leonardo DiCaprio, nada más.
No soy seguidor de la filmografía de la Stone pero su actuación me parece muy buena, aunque Crowe se lleva muchas palmas con el inolvidable papel del predicador. Los flashbacks de la protagonista nos van mostrando un atroz recuerdo de la infancia que justificará cualquier deseo de venganza.
Título original: The Quick and the Dead

Memorias de África / África mía (de Sydney Pollack)

2010-01-26T04:04:00.000-08:00

Con este largometraje el actor y cineasta Sidney Pollack ganó el premio de la Academia a Mejor director y fue también la mejor película en 1985.

Película basada en las memorias de Isak Dinesen (seudónimo literario de la escritora danesa Karen Christence Blixen-Finecke. Actuaciones impecables de Meryl Streep y Robert Redford.
Título original: Out Africa
Año: 1985
Comparto crítica sacada de esta fuente:
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1753.html

Multioscarizada película de Sydney Pollack, que centra su interés en el tratamiento reflexivo sobre las vivencias en África de la danesa Karen Blixen, mujer de la alta sociedad convertida en futura escritora bajo el seudónimo de Isak Dinesen tras sus inolvidables experiencias (románticas, culturales, etcétera) en contacto con el continente africano.

Bellamente fotografiada por David Watking, la película, a pesar de cierta apariencia épica, incide primordialmente en el profundo retrato emocional de su personaje femenino, en base a sus pensamientos vitales, sus relaciones sentimentales y su nueva ligazón con otras perspectivas socioculturales, abordando temas como la ausencia, la necesidad, la definición amorosa o el colonialismo, siendo éste acometido de manera un tanto aséptica.

La historia romántica está abordada de manera madura, con personajes dibujados sin estridencias e interesantes diálogos de cimiento literario que concretan con suficiencia las orientaciones vitales de cada uno.

Al pivotar el interés del film en el énfasis psicológico sobre el personaje interpretado por Meryl Streep más que el desarrollo de una trama al uso, y al emplear para la definición del personaje central un tempo condescendiente a ese tratamiento reflexivo, la película sufre en ciertos pasajes de excesivo tacto contemplativo, lo que puede conllevar cierto alejamiento por parte del espectador que no encuentre el suficiente interés en el semblante femenino descrito ni en la vinculación romántica con el personaje encarnado por Robert Redford.

Junto al espléndido trabajo de Pollack y Watking en la representación natural de Kenia, destaca la excelente partitura del compositor John Barry y la esforzada interpretación de la actriz Meryl Streep.

"Hasta el gramófono se llevaba consigo de safari. Tres rifles, provisiones para un mes y Mozart. Comenzó nuestra amistad con un regalo. Y después, no mucho antes de lo sucedido en Tsavo... me dio otro. Un regalo increíble. Un vistazo del mundo a través de los ojos de Dios. Y yo pensé: ''Sí, puedo ver. Fue creado para que se viera así''. He escrito sobre los otros, no porque los amé menos, sino porque eran más claros, más fáciles. El me esperaba allá. Pero me he adelantado en mi narración. El odiaría eso. A Denys le encantaba un cuento bien relatado".

Hoja de Ruta a los premios Oscar 2010

2010-01-26T03:51:00.000-08:00

Antes de que se oficialicen las pelis candidatas al Oscar, comparto esta noticia sacada del diario El Comercio de Lima: Hoja de ruta al Óscar.

El drama de bajo presupuesto ambientado en la guerra en Iraq “The Hurt Locker” fue elegido mejor película en la entrega de premios del Sindicato de Productores de EE.UU.

El ganador de este galardón ha terminado obteniendo el Óscar a mejor película en 13 de los últimos 20 años, incluyendo los dos premios más recientes.

Por otro lado, hubo un período de tres años antes de su racha ganadora más reciente en el que las cintas elegidas por el grupo de 4.200 afiliados no lograron conquistar el premio máximo de la Academia. “The Hurt Locker” ganó el premio Critics” Choice a mejor película, el que ha tenido una tasa de éxito en los Óscar de un 80 % en los últimos 10 años.

Luego de que los organizadores del Óscar decidieron a fines del año pasado elevar la cantidad de filmes nominados a mejor película a 10, el Sindicato de Productores siguió su ejemplo.

Sus otros nominados fueron el reciente ganador del Globo de Oro a mejor drama “Avatar”, “District 9”, “Star Trek”, “Up”, “Up in the Air”, “Invictus”, “An Education”, “Precious” e “Inglourious Basterds”.

Mientras comienza la cuenta regresiva para el anuncio oficial de las nominaciones al Óscar, este 2 de febrero (los premios se entregarán el 7 de marzo), en lo que respecta a las interpretaciones favoritas del 2009, el panorama está más claro que una mañana despejada. Siguiendo el coincidente criterio del Sindicato de Actores de Hollywood y de la prensa extranjera expresada en los Globo de Oro, los inminentes nominados y grandes favoritos al Óscar en el rubro de mejor actor serían Jeff Bridges por “Crazy Heart”, mientras Sandra Bullock es la predilecta a mejor actriz por su papel en “The Blind Side”.

En lo que respecta a interpretaciones de reparto, todo apunta a que Christoph Waltz podría ganar el Óscar a mejor actor de reparto por su papel de refinado villano en “Bastardos sin gloria”. El mismo caso se aplica a Mo” Nique en el plano femenino por sus innumerables premios recolectados por su rol en “Precious”.

En la terna a mejor filme el paisaje es más incierto. Mientras “Avatar” está por convertirse en la cinta más taquillera de la historia, “The Hurt Locker” y “Amor sin escalas” continúan cautivando y ganando premios.

RAILS AND TIES / En las vías del tren (de Alison Eastwood)

2010-01-21T12:26:00.000-08:00

La hija de Clint Easwood nos regala su primera película. Un drama que involucra a dos familias. En ambos hogares la madre es la carencia (una elige la muerte mediante un atroz suicidio y la otra está a punto de irse víctima de un cáncer terminal). Una película recomendable. Triste. Con un final que se las ingenia para aparentar una ligera esperanza.

Dirección: Alison Eastwood
País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 96 min.
Género: Drama
Guión: Micky Levy
Reparto: Kevin Bacon, Marcia Gay Harden, Anise Fuller, Miles Heizer, Jim Cody Williams, John Nielsen.

Copio acá un breve comentario sacado de la net:

"Repleta de profundas y sinceras emociones" - Kevin Bacon y Marcia Gay Harden realizan una extraordinaria actuación en esta conmovedora película dirigida por Alison Eastwood, donde se relata de manera increíble las crisis y emociones a las que tienen que enfrentarse sus protagonistas. Kevin Bacon interpreta a Tom Stark, un ingeniero ferroviario incapaz de enfrentarse a la enfermedad de su esposa. Un terrible accidente de tren (una mujer va a suicidarse a la línea férrea, con su hijo a su lado como pasajero...) deja a un niño huérfano. Tom decide llevar al niño a su casa y paso a paso consigue acercarse a su mujer abriendo su corazón al niño que necesita la seguridad y protección de una familia ansiosa por recuperar la ilusión.

Nación Prozac (de Erik Skjoldbjærg)

2010-01-19T13:20:00.000-08:00

Cristina Ricci empieza la película desnuda, sumida en parte de todos sus problemas: una familia disfuncional, una madre que supuestamente espera demasiado de ella y sus continuas y recurrentes depresiones.
He leído muchas críticas negativas respecto a esta película (incluyendo una que dice que lo mejor de la pela son las tetas de Ricci). Me parece una exageración. Nuestra incapacidad para comprender nuestras depresiones ya es un aviso palmario de que nos será mucho más difícil entender las depresiones ajenas.
Sobre todo porque yo sé lo que es ir al psiquiatra para que te suministre drogas legales (o como prefieran llamarlo). Entiendo perfectamente lo de la "casa de las drogas", es más a veces siento que abuso de ellas. Lo de la 'perspectiva' está en veremos (creo que siempre está en veremos)... como las depresiones que pueden irse de un momento a otro y volver mañana sin pedir permiso.
O. Mazeyra

Llamo a esta farmacia la "Casa de las drogas", donde vengo a abastecerme. La Dra Sterling, mi psiquiatra, es mi proveedora. Pareciera que hoy en día todos los doctores proveen de ésto ahora. A veces siento que todos vivimos en una nación de Prozac. Los Estados Unidos de la depresión. Ya no se quién soy. Tengo esta personalidad y está completamente cagada, pero soy yo.
Y me veo a mí misma transformándome en esta persona que hace y dice lo correcto. Pero esa no soy yo (...) Si sólo mi vida pudiera ser más parecida a las películas me gustaría que se me apareciera un ángel, como a Jimmy Stewart en "It's a wonderful life", y me convenza de no suicidarme. Siempre esperé ese momento de verdad para liberarme y cambiar mi vida por siempre. Pero no llega. Las cosas no ocurren de ese modo. Todas las drogas, toda la terapia... las peleas, los enojos, la culpa, las ideas suicidas... todo esto forma parte de un lento proceso de recuperación. De la misma forma en que caí, me puse de pie otra vez. Gradualmente... y repentinamente. Dios sabe que las pastillas no curan todo pero me dieron espacio para respirar, lo que me permitió volver a escribir... sólo que esta vez, no fué como si mi vida ya no dependiese de aquello.

Stepfather / Asesino en casa (de Nelson McCormick)

2010-01-19T12:45:00.000-08:00

TITULO HISPANO:	Asesino En Casa
GENERO:	Terror
TEMÁTICA:	Psicopatía, Misterio, Asesinos en Serie
PAIS:	Estados Unidos
AÑO:	2009
ESTRENO EN CINE:	05-02-2010
DIRECTOR:	Nelson McCormick
GUION:	J.S. Cardone y Donald E. Westlake
INTERPRETES:	Adrianne Palicki, Amber Heard, Dylan Walsh, Penn Badgley, Sela Ward y Sherry Stringfield
PRODUCTOR:	Robert O. Green, Greg Mooradian, Mark Morgan y Guy Oseary
FOTOGRAFÍA:	Patrick Cady

Luego de ver, Rec 2 o Actividad paranormal, me cuesta calificar Stepfather (El Padrastro / Asesino en casa) como una película de terror. Es una historia cargada de suspenso con un inicio bastante interesante. Su final es muy flojo y, por supuesto, deja abierta la puerta para la segunda parte. Sobre 20 puntos le pondría 12 y tal vez estoy siendo generoso. Este es otro remake, la película original data de los años 80. Las actuaciones son muy buenas: sobre todo la del padrastro y de la madre.

Copio un texto sacado del blog Imagen en negativo:
http://imagenennegativo.blogspot.com/2009/12/asesino-en-casa-stepfather.html

Nunca me pareció excepcional, pero entiendo por qué la cinta The Stepfather disfrutó moderado éxito a fines de los ochentas. El ciclo del cine slasher estaba en decadencia, saturado con imitadores enmascarados de Jas on Voorhees, cuya idea de "innovación" consistía en emplear nuevos utensilios de cocina para cometer sus asesinatos. Por eso fue refrescante en ese añoso entorno la aparición del "Padrastro", un villano sobrio, realista y perturbadoramente "normal". Además, desde luego, The Stepfather contó con las actuaciones de dos notables intérpretes; en el papel principal el siempre sólido Terry O'Quinn (hoy más conocido como Locke en Lost); y Jill Schoelen como la "chica final", prometedora actriz que algunos aclamaban como la siguiente Jamie Lee Curtis. No se cumplió esa predicción, pero tampoco disminuye el hecho de que el enfrentamiento entre ambos actores generó memorables resultados. Ahora, veintidós años después, le tocó el turno a esa obra semi-clásica para ser re-interpretada bajo el nombre de Asesino en Casa; y aunque logró evadir la profunda mediocridad de otros fallidos re-makes (como Black Christmas o Prom Night), tampoco resultó particularmente interesante o justificada.

La historia sigue básicamente el mismo camino: David Harris (Dylan Walsh) es un maniático asesino obsesionado con tener una familia perfecta, y para lograrlo se casa con mujeres viudas o divorciadas, a las que atrae fácilmente aparentando ser el marido perfecto. Pero cuando su nueva familia lo decepciona, el inestable padrastro los asesina y se muda a otra ciudad, donde el ciclo comienza de nuevo. Al principio de la película presenciamos las consecuencias de su más reciente “decepción”, la cual es rápidamente olvidada cuando David conoce a Susan Harding (Sela Ward), atractiva mujer con tres hijos, uno de los cuales está en un colegio militar. Seis meses después, Harris se ha infiltrado por completo en la familia Harding, y está por casarse con la ilusionada Susan. Entonces Michael (Penn Badgley), el hijo mayor, regresa de la escuela y de inmediato intuye que hay algo raro con su excesivamente afable padrastro. Pero... ¿vivirá lo suficiente para confirmar sus sospechas?

Entre los escasos atributos de esta película está la actuación de Dylan Walsh, quien resulta bastante creíble tanto en su faceta de "padre perfecto" como en la de "asesino serial". En el lado no tan positivo tenemos a Penn Badgley como el blando "héroe" que aparentemente estudió actuación en la Academia de Shia LeBeouf. Y, claro, la ausencia de una atractiva heroína (como en la cinta original) crea la necesidad de nuevo "atractivo visual"... ingrata labor que recae en la guapa Amber Heard, tristemente condenada a interpretar la mayor parte de sus escenas en bikini o ropa interior. Desde luego es atractiva y no niego que me haya gustado verla, pero una estrategia tan obvia y gratuita abarata la película y termina dejando un mal sabor; ¿de verdad era necesario tener tantas discusiones en la piscina? En fin, al menos Sela Ward tiene más suerte como la confiada prometida del villano, pues no cesa de defenderlo a pesar de toda la gente cercana a ella que está desapareciendo.

Incluso si ignoramos la venerable cinta original no veo mucha razón para recomendar Asesino en Casa, excepto para fanáticos obsesivos de Amber Heard y su colección de bikinis. El director televisivo Nelson McCormick hace su debut en la pantalla grande, pero no se esfuerza demasiado por mantener nuestro interés, y como espectador tampoco encontré aliciente para "meterme" en la película. Quizás Asesino en Casa sería vagamente apetecible en televisión por cable, como relleno de una noche de insomnio, pero en el cine no fue muy satisfactoria, ni valió la pena el tiempo invertido en ella. Aunque, por otro lado, puedo culpar a la serie televisiva Dexter por haber establecido un estándar tan elevado en el sub-género de asesinos seriales que ahora me cuesta trabajo aceptar cualquier obra menos ambiciosa o pulida. Como sea, hubiera preferido quedarme en casa, y recomiendo que hagan lo mismo.

Avatar (de James Cameron)

2010-01-18T13:39:00.000-08:00

Avatar: "Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos"

Con cada día, mejoran mis sentidos.
Cada día que pasa van mejorando mis sentidos.
Es como el fluir de un arroyo... ínfimos sentidos y sonidos.
Ella siempre habla de la energía
que fluye en animales espirituales,
es realmente difícil de comprender.
No solo se trata de ponerle un ojo a todo allí afuera.
Tienes que escuchar lo que ella te dice
"Trata de ver el bosque"
(...) Traté de entender esta profunda conexión
que la gente tiene con el bosque.
Ella lo denomina como una red de energía
que fluye en todas las cosas con vida.
Ella dice que la energía es prestada
y que un día tienes que devolverla.

Ayer, domingo, por la noche me emocioné al ver el tributo a Martin Scorsese en la Premiación de los Globos de Oro. Entre otras cosas, dijo que "Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos". Y se dio un tiempo para citar a William Faulkner: "El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado". Todo esto al recibir el premio Cecil B. Meville.
Hoy, acabo de ver Avatar, la nueva película de James Cameron (Canadá, 1954), el director de cine de la -hasta ahora, porque precisamente Avatar va camino a desplazarla- película con mayor recaudación en la historia del cine: Titanic.
Dicen que las comparaciones son odiosas, y, además de torpe, sería muy apresurado de mi parte el tratar de decantarme por una de estas películas (recordemos que Cameron ya había entrado con excelencia en las pantallas de nuestras casas gracias a un clásico como Terminator/Exterminador).
Siempre que, con mucho esfuerzo, trato de dejarme llevar por una historia en 3D o con animaciones, parto con una cierta animosidad, que en la mayoría de los casos resulta siendo un velado prejuicio. No pensaba darle una oportunidad a Avatar, pero a Cameron le debo no pocas emociones, algunas lágrimas y muchísimas repeticiones de ese clásico que pasará a la historia del cine y que seguirán viendo de acá a 10 centurias: la historia del Titanic.
La premiación de los Globos de Oro fue el espaldarazo final para apostar por esta película de más de dos horas que, sin duda, vale la pena ver. Historia futurista (acá otro prejuicio, para este realista a rajatabla) sobre un amor entre dos razas distintas: la humana y una raza de otro planeta con un marcado aliento felinesco.
Cameron hace todo lo posible por escapar de un panfleto ecologista y, quizá, uno no sabe si al final lo consigue. Pero, en estos tiempos en que la protección del planeta está tan en boga (de la boca para afuera), la película resulta siendo un gran acierto. Sabe conmover, de manera controlada -aunque a muchos los está haciendo pensar en el suicidio- y, por ratos, nos vemos envueltos en un cine de 'compromiso', si vale el término,
Seguramente Titanic y su atroz realismo (con fechas exactas y un gélido número de muertos, pero con valor agregado determinante de Rose y Jack Dawson) seguirá por encima de Avatar, con su futurismo que -por eso mismo- me resulta tan difícil de hacer mío. Eso no me exime de comprender a todos aquellos muchísimos congéneres que están entrando fuertes depresiones y pensamientos suicidas luego de ver 'Avatar'. (hay que aceptar que otro mundo es posible, ese será un paso importante). Mientras tanto, será mejor dejar pasar un poco de tiempo: días, meses, años. Admito que las secuelas casi siempre son nefastas (Cameron dice que será una trilogía y eso lo puede mandar al desfiladero). Es probable que en los premios Oscar, Cameron la vuelva a romper: lo que no sé es que si, de acá a cien años, Avatar será una película tan valorada como Titanic. Lo que sí sé es que si no captamos el mensaje -porque toda película trae consigo mensaje(s)-, ya no estaremos. Quiero decir, no estarán ni nuestros hijos ni nuestros nietos. Y el cine también habrá muerto.

Acá, hay una crítica de Javier Ocaña, llamada La involución artística, publicada en el diario El País de Madrid:

Cameron revoluciona el cine. Cameron reinventa el cine. Cameron convierte el cine en una nueva experiencia. Son sólo tres de los titulares con los que nos hemos ido desayunando de cuando en cuando gracias a los medios de comunicación de todo el mundo. Todo ello, faltaría más, sin haber visto la película. Avatar, por supuesto.

Pues ya está aquí. Y la supuesta revolución consistía en: a) que hay un nuevo concepto de las tres dimensiones, aunque hagan falta las gafitas de siempre; b) que a diferencia de los anteriores sistemas de captura de movimiento, donde la digita-lización se añade posteriormente, ahora Cameron podía observar directamente en un monitor cómo los actores virtuales hacían de las suyas al tiempo que interactuaban con el mundo digital; c) que la captura de expresiones faciales ha mejorado. Consecuencia: hay un 60% de imágenes generadas por ordenador, y un 40% de acción en vivo. Eso sí, al espectador le dará exactamente igual si Cameron ha podido dirigir mejor a sus actores y criaturas, porque en las secuencias con un buen número de seres humanos en el encuadre (digamos, más de cinco), el concepto tres dimensiones tiene una extraña forma de tomar vida: hay personajes en distintos planos y una buena impresión de fondo, pero los cuerpos son planos, como un mal holograma, casi como un recortable de los niños de hace 50 años.

Los titulares a los que se hacía referencia al principio de la crítica se han repetido a lo largo de la historia del cine desde que los Lumière lo inventaron, aunque éstos no supieran sacarle provecho porque eran unos técnicos y no unos artistas. El sonido, el tecnicolor y el cinemascope también iban a revolucionar el cine. Pero, ¿quién se acuerda hoy de El cantor de jazz, La feria de las vanidades o La túnica sagrada, más allá de su carácter primigenio? El cine lo revolucionaron los hermanos Marx, Hitchcock, John Ford, los neorrealistas, los autores de la nouvelle vague... Ninguno era técnico. Eran artistas.

Porque a Cameron se le ha olvidado la historia que quería contar. O no daba para más. Avatar es una parábola militarista, muy del estilo del director de Terminator y Aliens, disfrazada de pacifismo new age, que pretende cobrar carta de trascendencia a través de la duración. Avatar está protagonizada por unos seres de otro planeta creados por un departamento artístico de dudoso gusto estético y escasa creatividad. Avatar contiene una metáfora contra la invasión de territorios y civilizaciones ajenos, explicitada en dos chistes malos sobre la guerra preventiva. Avatar cuenta una historia de amor interracial con cursilería de folletín. Avatar tiene un aspecto de videojuego perpetuo con el que la audiencia no puede interactuar. Avatar (concepto): en Internet y otras tecnologías de la comunicación, dícese de la representación gráfica que se asocia a un usuario para su identificación. Pero la película es el avatar de Cameron, no el nuestro. Si éste es el camino que va a llevar el cine a partir de ahora, que lo paren, que yo me bajo.

Y aquí la nota sobre los depresivos luego de ver Avatar:

¿Deprimido tras ver 'Avatar'?

AVATAR, la última película de James Cameron, lleva recaudado 40.357.225€ desde el 18 de diciembre que se estrenó y se ha convertido en tan solo tres semanas y media en la película más taquillera de todos los tiempos en España.

Lo de 'Avatar' va camino de convertirse en un fenómeno sociológico. Al margen de las mareantes cifras de recaudación, cuenta la CNN (y subrayo este dato, porque podría parecer que me lo estuviera inventando para llamar vuestra atención) que muchos de los espectadores sufren depresión, incluso experimentan pensamientos suicidas tras ver la película.

Esta afirmación podría dar lugar a algún tipo de comentario jocoso o incluso malintencionado, pues se presta al chiste fácil, pero el tema es serio. Para algunos espectadores, el contraste entre la belleza colorida e idealizado del planeta Pandora y el gris y deprimente mundo real es demasiado fuerte, demasiado brusco. Es tal el realismo del mundo que ha creado James Cameron, sobre todo en la versión en 3D, que muchos dicen sufrir por no poder vivirese mundo fantástico. para siempre en

Los resúmenes de los comentarios que ha reunido la CNN son preocupantes. Hay quien parece haber perdido el sentido de su vida, después de la 'avatarexperiencia', otros buscan ayuda para superar esa especie de 'cuelgue mental' que los ha hecho enamorarse de un mundo de ficción. Todos los mensajes han sido extraídos de la web Avatar Forums que ofrecía consejos para "superar la depresión por el hecho de que el sueño de Pandora es intangible". En poco tiempo esta web recibió más de 1000 mensajes de gente que decía sentirse deprimida, y de otros que se prestaban a ayudar o dar consejos. "Quiero ser un Navi", "El mundo de Pandora es tan perfecto... pero qué hemos hecho nosotros con la Tierra" (lo que hace pensar que, además de crisis existenciales, 'Avatar' ha despertado la conciencia ecologista de algunos).

Fuente: http://blogs.20minutos.es/sinefectos/post/2010/01/13/aadeprimido-tras-ver-avatar-

Scorsese: Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Tenemos que mantenerlos vivos.

2010-01-18T05:42:00.000-08:00

Emotiva fue la presentación de Scorsese en la ceremonia de los Globos de Oro 2010 para recibir el premio Cecil B. DeMille, la presentación estuvo a cargo de Robert de Niro y de Leonardo DiCaprio.

Acá una nota de Canadian Press:

En la presentación de Martin Scorsese con el premio Cecil B. DeMille por su destacada trayectoria en los Globos de Oro, su viejo amigo y colaborador de Robert De Niro encontró una nueva manera de describir el director famoso, el amor obsesivo del cine.

"Marty duerme, bebe y se come la película", dijo De Niro. "He oído que hay videos en el Internet de Marty teniendo relaciones sexuales con la película".

Él continuó la broma con voz ronca: "Una bobina caliente de 35 mm de valores ..."

Estos honores se han convertido en algo viejo sombrero para Scorsese y De Niro. De Niro -que al parecer ha aprendido una cosa o dos de la gran cantidad de comedias que ha hecho en los últimos años- bromeó diciendo que después de 20 años de hacer películas juntos, han pasado los últimos 10 años-, presentando unos a otros con premios".

"Somos como un viejo matrimonio", dijo De Niro. "Hemos construido una vida juntos, tenemos muy buenos recuerdos: sólo que no duermen juntos."

Pero la línea más fina de De Niro podría haber estado preguntando si tal vez el premio fue menor que el hombre: "No puedo dejar de pensar si los tiempos son un poco diferentes, lo orgulloso que Cecil B. DeMille habría sido la de ser honrado con el Premio Martin Scorsese".

Tomando el escenario de una gran ovación en el Salón Internacional del hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, California, el veterano director reconoció que "Goodfellas" no parece tener mucho en común con "DeMille : El Mayor Espectáculo del Mundo".

"Cuando llegué a hacer mis propias películas, no importa lo que parecía, la intención general fue siempre la de aprovechar la experiencia cinematográfica de gran alcance que caracterizan una imagen DeMille", dijo Scorsese.

Elogió "el gran show, el espectacular" de las películas extravagantes DeMille, diciendo que eran "el paisaje común de nuestra infancia."

Sólo Scorsese a su vez, como un premio en un homenaje a su nombre.

Scorsese es un conservacionista de cine bien conocido y que ayudó a lanzar una nueva copia aclamados de Michael Powell y 1948 classic "Emeric Pressburger Las zapatillas rojas" de este año. Él fundó la Fundación de Cine en 1990 como una organización sin fines de lucro dedicada a la preservación de películas.

Agradeció a la Hollywood Foreign Press Association, que pone en los Globos de Oro, por su constante apoyo y contribución a la preservación de películas.

"Como dijo William Faulkner: El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado", dijo Scorsese. "En lo que a mí respecta, las películas de decisiones y la preservación de las mismos son la misma cosa".

Leonardo DiCaprio, quien se unió a De Niro en la introducción, llamada Scorsese "un director y un maestro generoso, maestro paciente", cuyo nombre define el cine.

Aunque 2007 Scorsese ganara el premio por dirigir "The Departed" es un rato largo que viene, ha tenido más éxito en los Globos de Oro, antes de ganar dos Globos de mejor director por "The Departed" y el 2001 con "Gangs of New York". Fue nominado en otras seis ocasiones.

Mientras que el de 67 años de edad Scorsese fue honrado por toda una vida de trabajo en el cine, es tan activo como siempre. Su última película, "Shutter Island", un thriller protagonizado por DiCaprio, será lanzado el 19 de febrero.

Él es también productor ejecutivo de la serie de HBO "Boardwalk Empire", con "Los Soprano" escritor Terence Winter. La serie, a finales de este año, las estrellas de Steve Buscemi y crónicas de la década de 1920 Gangland de Atlantic City.

Recientes ganadores del premio Cecil B. DeMille incluyen Steven Spielberg en 2009, Warren Beatty en 2007 y Anthony Hopkins en 2006.

El diario El País de Madrid informa respecto a los Globos de Oro:

Si los Globos de Oro son la antesala de los Oscar, este volverá a ser el año del autoproclamado Rey del Mundo. James Cameron y su mastodóntica Avatar triunfaron en la 67 edición de los Globos de Oro que otorga la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood en una edición volcada en premiar el cine más comercial y con pocas sorpresas. Mejor Película (Drama) y Mejor Director para la taquillera primera parte de una trilogía ecologista digital en 3D que arrasa en todo el mundo.

En el apartado nacional, ni Penélope Cruz, ni Pedro Almodóvar, consiguieron los galardones por los que estaban nominados. La actriz Mo'nique arrebató a Cruz el Premio a la Mejor Actriz de Reparto por Precious y Michael Haneke se llevó el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera por La cinta blanca.

La sorpresa de la noche hubo que buscarla en la categoría de Mejor Película (Comedia o Musical). La gamberra e irreverente Resacón en Las Vegas de Todd Phillips desbancó a una de las comedias del año, '500 días juntos', y a la gran perdedora de la noche, el musical de Rob Marshall Nine. La película que partía con cinco nominaciones y que podía dar el Globo de Oro a Penélope Cruz, se fue a casa de vacío.

También en Comedia o Musical, Robert Downey Jr, fue reconocido como Mejor Actor por su revisitación afetamínica de Sherlock Holmes y Meryl Streep fue la Mejor Actriz por su papel de revolucionaria de la cocina en Julie & Julia. En las interpretaciones dramáticas, Jeff Bridges fue Mejor Actor por su papel de cantante country venido a menos en Crazy Heart, también Mejor Canción Original, y Sandra Bullock fue la Mejor Actriz por el drama ambientado en el mundo del fútbol americano y basado en hechos reales The Blind Side. Ambas películas están pendientes de estreno en España.

La pedrea de la noche se la repartieron Up de Pete Docter, Mejor Película de Animación y Mejor Banda Sonora y Malditos Bastardos de Quentin Tarantino que dio al austriaco Christoph Waltz el premio a Mejor Actor de Reparto por una interpretación que ya le valió el reconocimiento al mejor actor en el pasado Festival de Cannes. La comedia dramática aeroportuaria Up in the Air, otra de las favoritas, se tuvo que conformar con el premio al Mejor Guión para unos Jason Reitman y Sheldon Turner que no pudieron ocultar al recoger su premio compartido que la relación profesional entre ambos pasa por serias turbulencias.

En el apartado de televisión, por tercer año consecutivo, volvió a triunfar la serie Mad Men que ganó el premio a Mejor Serie de Televisión (Drama). A destacar los premios al reparto de la serie Dexter (Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto) y el reconocimiento a una de las nuevas joyas de la factoría HBO: la película Grey Gardens.

La gala estuvo marcada por constantes llamadas a la solidaridad con Haiti y por las desternillantes salidas de tono del presentador de la gala: Ricky Gervais. El actor de la serie británica The office consumió alcohol en el escenario, lanzó dardos envenados contra Mel Gibson o Meryl Streep y no dudó en publicitar sus DVDs. El momento más emotivo de la gala se vivió con la entrega del premio Cecil B. DeMille al realizador Martin Scorsese. Ovación de toda la sala, sentidos discursos de Robert De Niro y Leonardo Di Caprio, y la sensación de que Scorsese todavía tiene mucho que decir. Ya sea en sus discursos o en su inminente nuevo estreno: Shutter Island.

"Las películas son los recuerdos de nuestra vida.
Tenemos que mantenerlos vivos".
Martin Scorsese

El pasado nunca está muerto, ni siquiera es pasado"
William Faulkner

Los Globos de oro 2010

2010-01-17T15:38:00.000-08:00

Los Globos de Oros (Golden Globes) son premios de cine y de televisión que otorga anualmente la prensa extranjera acreditada en Hollywood. Instaurados en 1944, estos galardones fueron considerados los más importantes en el mundo del cine y de la televisión, después de los Oscar y de los Emmy, respectivamente, encuentro en Wikipedia que "si bien el número limitado de miembros con derecho a voto ha hecho sospechar a más de un comentarista que estos pueden ser presionados con facilidad -de hecho en 1999 tuvieron que jurar que no cederían a sobornos- y que en realidad la ceremonia es una excusa para reportar beneficios a los ejecutivos de la NBC.

Las nominaciones y los premios se deciden por medio de votaciones realizadas por los periodistas extranjeros en Hollywood. Las ceremonias de entrega son diferentes a las de los otros dos premios, y se celebran durante una cena a la que asisten los nominados y los periodistas, además de algunos invitados.

Se da la circunstancia de que la entrega de los Globos de Oro se lleva a cabo poco antes de la votación final para los Oscar, de forma que los ganadores de Globos de Oro tienen frecuentemente una ventaja adicional para conseguir también un Oscar dado que obligan a los académicos a reparar en los trabajos seleccionados para esta primera.

Los Globos de Oro se entregaban originalmente sólo a las películas de cine. A partir de 1956 se añadieron las categorías de estos premios para las series y películas de televisión".

En la edición de este año, Martin Scorsese recibirá el Premio Cecil B. DeMille. Con producción generosa y excepcional, con títulos, entre otros como, Raging Bull (Toro salvaje, 1980), Taxi Driver (1976), Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo, 1991), etcétera. Acá algunos datos biográficos de este director newyorkino sacados de Wikipedia:

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (nacido en Flushing, Queens, Estado de Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,^[1] el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgará el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento."

Aquí tenemos la lista completa de candidatos a los Globo de Oro 2010.

Resumen de Postulaciones por Película

Up in the Air - 6 : Mejor Película Drama, Director, Actor Drama, Actríz Reparto (2), Mejor Guión
Una Vida de Pasón (Nine) - 5: Mejor Musical, Actor Musical, Actriz Musical, Actriz Reparto, Canción Original
Avatar - 4: Mejor Película Drama, Director, Banda Sonora, Canción Original
Malditos Bastardos - 4: Mejor Película Drama, Director, Actor Reparto, Guión
The Hurt Locker - 3: Mejor Película Drama, Director, Guión
Invictus - 3: Mejor Director, Actor Drama, Actor Reparto
It’s Complicated - 3: Mejor Comedia o Musical, Actriz, Guión
Precious - 3: Mejor Película Drama, Actriz, Actriz Reparto
A Single Man - 3: Mejor Actor Drama, Actriz, Canción Original

Candidatas Mejor Película Drama

Malditos Bastardos
The Hurt Locker
Precious
Up in the Air
Avatar

Candidatas Mejor Película Comedia o Musical

Una Vida de Pasión (Nine)
Julie Y Julia
¿Qué Pasó Ayer? (The Hangover)
(500) Days of Summer
It’s Complicated

Candidatas Mejor Película Animada

Up: Una Película de Altura de Pete Docter y Bob Peterson
Coraline de Henry Selick
Lluvia de Hamburguesas de Phil Lord y Chris Miller
La Princesa y el Sapo de Ron Clements y John Musker
Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson

Candidatas Mejor Película Extranjera

Los Abrazos Rotos de Pedro Almodóvar - España
La Nana de Sebastián Silva - Chile
A Prophet de Jacques Audiard - Francia
Baaria de Giuseppe Tornatore - Italia
The White Ribbon de Michael Haneke - Alemania

Candidatos Mejor Director

Clint Eastwood por Invictus
James Cameron por Avatar
Quentin Tarantino por Bastardos sin Gloria
Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
Jason Reitman por Up in the Air

Candidatos Mejor Actor Drama

Morgan Freeman por Invictus
Jeff Bridges por Crazy Heart
Tobey Maguire por Brothers
Colin Firth por A Single Man
George Clooney por Up in the Air

Candidatos Mejor Actriz Drama

Carey Mulligan por An Education
Gabourey Sidibe por Precious
Sandra Bullock por The Blind Side
Helen Mirren por The Last Station
Emily Blunt por The Young Victoria

Candidatos Mejor Actor Comedia o Musical

Matt Damon por El Desinformante (The Informant!)
Robert Downey Jr. por Sherlock Holmes
Michael Stuhlbarg por A Serious man
Daniel Day Lewis por Una Vida de Pasión (Nine)
Joseph Gordon Levitt por (500) Days of Summer

Candidatas Mejor Actriz Comedia o Musical

Meryl Streep por It’s Complicated
Meryl Streep por Julie & Julia
Marion Cotillard por Una Vida de Pasión (Nine)
Julia Roberts por Duplicidad (Duplicity)
Sandra Bullock por La Propuesta

Candidatos a Mejor Actor Reparto

Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria
Matt Damon por Invitus
Stanley Tucci por Desde Mi Cileo (The Lovely Bones)
Woody Harrelson por The Messenger
Chistopher Plummer por The Last Station

Candidatas Mejor Actriz Reparto

Penélope Cruz por Una Vida de Pasión (Nine)
Mo’nique por Precious
Julianne Moore por A Single Man
Vera Farmiga por Up in the Air
Anna Kendrick por Up in the Air

Mejor Guión

Sector 9 escrito por Neill Blomkamp y Terri Tatchell

Bastardos sin Gloria escrito por Quentin Tarantino

Upin the Air escrito por Jasoon Reitman y Sheldon Turner
The Hurt Locker escrito por Mark Boal
It’s complicated escrito por Nancy Meyers

Mejor Banda Sonora

Avatar compositor James Horner
Up: Una Aventura de Altura compositor Michael Giacchino
Donde Viven los Monstruos (Where The Wild Things Are) compositor Karen O y Carter Burwell
El Desinformante (The Informant!) compositor Marvin Hamlisch
A Single Man compositor Abel Korzeniowski y ShigeruUmebayashi

Candidatas Mejor Canción Original

Una Vida de Pasión (Nine) - Canción Cinema Italiano por Maury Yeston
Avatar - Canción I Will See You por James Horner y Simon Franglen
Everybody’s Fine - Canción I Want to Come Home por Paul McCartney
Brothers - Canción Winter por U2
The Weary Kind - Canción I Will See You por Ryan Bingham y T Bone Burnett

El profesor /Il camorrista (de Giuseppe Tornatore)

2010-01-17T12:36:00.000-08:00

Giuseppe Tornatore es un laureado director de cine siciliano. Nació en 1956, en Bagheria (Palermo, Italia). Treinta años después aparecería El profesor (Il camorrista), su primer largometraje. La película se sirve de un tema muy explotado en el cine, pero pocas veces con tanta calidad: la camorra (la mafia). Tornatore es un cineasta cuya obra debe ser seguida con atención, pues una de sus mejores películas, sino la mejor, le da título al presente blog: Cinema Paradiso, una de las mejores películas que he visto en mi vida y que todo el mundo debería ver, esta película aparecería un año despues (sería su segunda película), 1987.

En El Profesor, las primeras escenas ya anuncian una violencia que no tiene límites: un sujeto utiliza a un niño para poder esconcer un arma y realizar un ajuste de cuentas. Años después ese niño, ya hombre, se arrebata al ver cómo un pícaro le toca las nalgas a su hermana Rosaria. Pierde la cabeza y la refriega se le va literalmente de las manos y termina asesinando al sujeto.
Luego lo veremos en la cárcel y ahí se hará conocido como "El profesor". La violencia será el punto de partida para llegar a ser uno de los líderes de la camorra, comprará jueces, lo declararán loco y escapará de una manera bastante 'espectacular' del manicomio. Luego el imperio crecerá a la par de los asesinatos a sangre fría, idas y venidas, una hermana que se convertirá en su mano derecha y una historia que, de pronto, se alarga demasiado. Película a recomendar pero -insisto- que podría haber sido menos larga. Al final, vemos al Profesor encerrado, caminando infatigable y sumido en una locura que no aleja sus pensamientos de la camorra y de su pasado. Sale de la escena y, de pronto, podemos sentir su muerte, que es también la muerte de la película.
He visto en algunas páginas de internet que la gente suele compararla con El Padrino. Es obvio que las comparaciones no son gratuitas pues ambas abordan un mismo tema: la mafia, pero con dos visiones distintas. En el caso de Don Corleone, vemos a un personaje muy humano, al patriarca de una gran familia que no sólo admiramos sino que -siento- uno quiere hacerlo suyo. Con El profesor pasa algo muy distinto, podemos notas a un sujeto inteligente, un líder, pero en ningún momento uno llega a sentir admiración o, acaso, un sentimiento bienhechor.
Es valida siempre una lectura distinta por eso comparto una crítica sacada de http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/633700.html:

Hay una frase de “El profesor” que, para mí, es la más significativa y didáctica de toda la cinta:

“La comorra riformata deve avere tre cose:
Primo: una perfetta organizzazione
Secondo: abbasttanza denaro per poter corrempere i giudici e politici
E terza: La convizione che disponiamo della vita e della morte de tutti quanti”

Estas últimas palabras son las que marcan el principio base de cualquier organización mafiosa: Para alcanzar el dinero y el poder seremos nosotros los que decidan sobre la vida o la muerte del resto.
La auténtica cara de la mafia. Es lo que de forma magistral viene a reflejar esta seria y comprometida película sobre la camorra Napolitana. Lejos de la romántica visión que nos dan Mario Puzo y Francis Ford Coppola de la“Cosa Nostra” Americana, Giuseppe Tornatore nos describe quiénes son y qué motivaciones tienen los integrantes de cualquier organización Criminal. En esta película no verás a un entrañable abuelo, El Padrino, jugando con su nieto en la huerta o declarando delante de sus colegas mafiosos su absoluto rechazo al tráfico de las drogas, mostrando así su carisma como auténtico hombre de honor. No, ni mucho menos porque eso no es sino pura ficción. Un Boss ordenará la muerte de cuantos sean necesarios para obtener el puesto de poder que antes ostentaba otro, disolverá en ácido gente para hacerla desaparecer de la tierra o atentará contra cualquier juez, fiscal, testigo o policía que intente impedir su ascenso al poder.

No estoy haciendo un comparación entre las películas “El padrino” o “El profesor”, dado que son dos mundos diferentes y que la cinta de Coppola le lleva años luz respecto a la narración, diálogos e interpretación a esta última. Pero sí rompo una lanza en favor de la obra de Tornatore porque me parece más justa. El mensaje de ésta es mucho más comprometido respecto al trágico problema social que supone la existencia de organizaciones mafiosas en determinados territorios.
Cuando acaba la cinta de Coppola a todos nos gustaría ser el Padrino.

El cabo del miedo/Cabo de miedo (de Martin Scorsese)

2010-01-17T08:25:00.000-08:00

-Tú eres el tipo que ha estado merodeando la casa. El que mató al perro de mi mamá.
-¿Mataron al perro?
-Sí.
-No lo sabía.
-Qué lástima. Qué desgracia.
-Sí, es verdad.
-¿De qué raza era?
-No sé. Era... Era lanudo.
-¿Lanudo?
-¿No fuiste tú?
-Por supuesto que no. Yo no haría eso.
-¿Entonces qué haces aquí?
-Para ser franco, vine a conocerte.
-¿Por qué?
-Porque... quería conocerte, ver cómo eras.
-Veo que eres amable. ¿No me harás daño?
- En absoluto. Aquí no hay daño, Danielle. Entre nosotros, no hay furia, nada. Sólo buscamos la verdad.Cuando me viste fumando marihuana, ¿te enojaste conmigo?
-No.
-Pero tus padres sí. Se enojaron mucho contigo. Te castigaron por sus pecados.
-¿Qué hicieron?
-Gritaron... muchísimo. Mamá se echó a llorar. Y papá me prohibió que manejara el "jeep".
-Te castigaron por sus pecados. Estás ofendida y es natural. El profesor te va a dar un consejo. No los condenes. No los juzgues. Perdónalos porque no saben lo que hacen.
- ¿Por qué odias a mi papá?
- No lo odio. En absoluto. Rezo por él. He venido a ayudarlo. Digo, todos cometemos pecados, Danielle. Como tú y yo. Pero al menos tratamos de admitirlos. ¿No es así? Pero tu papá no. Todos llevamos un círculo del infierno como una aureola. Tu papá también. Todos. Todos tenemos que cruzar el infierno para llegar al paraíso. ¿Sabes qué es el paraíso? La salvación. Tu papá no es feliz. Tu mamá no es feliz. ¿Y sabes una cosa? Tú no eres feliz. ¿Verdad?
- No, no lo soy.
Anoche pensaste en mí, ¿verdad?
- Sí, es verdad.
- Lo sé. Creo que tal vez haya encontrado una compañera. Una compañera para esa larga jornada.
¿Te molestaría si te abrazo?
-Está bien. No, no me molesta.

EL CABO DEL MIEDO es una película de Martin Scorsese (un remake) protagonizado por Robert De Niro, en donde las escenas más perversas pueden convertirse en un erotismo avasallador. Película violenta, salvaje, sobre el odio, el rencor, los ajustes de cuentas y la incapacidad de los ex reos para insertarse de nuevo en la sociedad.
Un fragmento de Wikipedia:

"Cape Fear / El Cabo del Miedo es una película estadounidense de 1991, de suspenso dirigida por Martin Scorsese, con Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis, Joe Don Baker, Robert Mitchum y Gregory Peck en los papeles principales. Es un remake del filme homónimo de 1962. Estuvo nominada a los Premios de la Academia por Mejor Actor Principal (Robert De Niro), y Mejor Actriz de Reparto (Juliette Lewis). La música fue compuesta por Elmer Bernstein".